Eventos de arte y cultura en diciembre en la CDMX
Para que cierres al año con broche de otro, te enlistamos las mejores exposiciones de arte, fotografía, obras de teatro y recitales de danza que podrás disfrutar durante el mes de diciembre.
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Exposiciones de arte
Mexicalidad, diseño y nuevas generaciones
A partir de la década de los 60, el diseño en México ha tenido un auge e impacto de suma importancia para la vida del país. Ya sea a través de los textiles, los interiores, o el diseño industrial, el diseño mexicano ha permitido el surgimiento de importantes personalidades con proyección en el interior y fuera de nuestro país. Pero, ¿cómo surgen esos nombres? ¿De dónde surgen? ¿Y cuáles son las nuevas tendencias en el diseño mexicano? Son preguntas que el Museo del Objeto del Objeto (MODO) nos plantea y pretende responder con Mexicalidad, diseño y nuevas generaciones, una exposición que revisa la evolución del diseño en México, y muestra proyectos innovadores y de impacto. Bajo el liderazgo de Graciela Kasep, el equipo curatorial de Mexicalidad estuvo conformado por Cynthia Gómez y Omar Cruz, quienes se encargaron de la selección de los proyectos expuestos. Kasep afirma que la exposición intenta mostrar los vínculos de las prácticas contemporáneas y tradicionales del diseño mexicano, por lo que recupera elementos del diseño del siglo XIX y XX como antecedentes, antes de entrar de lleno a las protagonistas. Debido a la amplitud del espectro que el MODO utilizó como referencia para esta exposición, encuentras de todo: desde diseños de ropa que has visto una y otra vez en redes sociales hasta los mosaicos por los que pasas día a día. Se muestran diseños innovadores en prótesis, elementos de uso cotidiano dentro de los hogares, nuevas propuestas sobre cómo leer al país, diseñ
Operación peine y tijera. Los largos años sesenta en la Ciudad de México
Esta exposición colectiva reúne alrededor de 400 piezas entre escultura, pintura, grabado, fotografía, objetos, propaganda, hemerografía y documentación que reconstruyen la historia y la producción artística innovadora de finales de los cincuenta hasta la mitad de los setenta en la Ciudad de México, durante el llamado Desarrollo estabilizador mexicano. Tomando la modernidad como concepto complejo y polivalente, Operación peine y tijera aborda el impacto de la propaganda promotora del consumo y la reconfiguración de valores capaces de cuestionar las normas, que se manifestó durante el movimiento estudiantil de 1968. Para generar un panorama amplio de las diversas percepciones de modernidad en la sociedad mexicana, se reúne el trabajo de expresiones creadas en diversas esperas culturales y sociales. Dicho concepto de modernidad se vio reflejado desde el Estado con la creación de nuevas vialidades, construcciones y otros servicios que causaron revuelo por la situación política de la época. También en la publicidad, los movimientos sociales, el arte, la literatura y la vida cotidiana. Por otro lado, se aprecia el Festival Rock y Ruedas de Avándaro y la representación del musical Hair, este último en Acapulco. Fueron legendarios escándalos mediáticos que exhibieron la fuerza y heterogeneidad de los grupos juveniles que pusieron en tensión los límites de tolerancia gubernamental y de la opinión pública conservadora. Verás las fotografías de Nacho López, Rodrigo Moya, Enrique Bo
Las superocheras
A mediados de la década de los sesenta Kodak lanzó al mercado el formato super-8, una versión mejorada de la película de 8 milímetros. Su sencilla manipulación, el bajo costo y la incorporación de una banda sonora magnética, creó toda una revolución que detonó en una ola de nuevos cineastas amateur que realizaron todo tipo de filmes experimentales. Curada por Regina Tattersfield, el Museo Universitario del Chopo presenta Las superocheras, muestra que gira en torno a las producciones fílmicas realizadas por mujeres que utilizaron dicho formato en Latinoamérica de 1968 a 2015. Son 38 filmes en formato super-8 que reúnen experiencias de mujeres que emplearon este medio para generar un diálogo entre relatos íntimos y colectivos. En el marco del 50 aniversario del movimiento estudiantil de 1968, esta muestra hace una revisión de lo femenino, los feminismos, la denuncia, la emancipación y la transgresión del género, así como de las formas radicales de habitar el cuerpo y relatar una historia. Lo anterior expresado a través de performance, animación, poesía y relato histórico. Participan 20 artistas, entre ellas Ana Mendieta, artista cubana exiliada en Estados Unidos pionera del performance; la mexicana Maris Bustamante, fundadora del colectivo de arte contemporáneo No-grupo; Leticia El Halli Obeid, quien recupera la historia de Argentina trayéndola a una realidad poco espectacular; y la originaria de Chile Rosario Cobo. Las superocheras te enseñará cómo esta innov
Realidad programada: La vida y el arte en la televisión
Realidad programada: La vida y el arte en la televisión es un trabajo en conjunto entre el Museo Jumex y Fundación Televisa, que a través del arte contemporáneo aborda la historia y el papel que representa la televisión en la vida diaria de los espectadores. Recuperando las prácticas de artistas de América, Europa, Asia y África que utilizan a la televisión como punto de partida para su obra, esta muestra recupera el rol que este medio masivo de comunicación juega en la difusión de información, el desarrollo de la cultura visual y la creación de identidades y aspiraciones sociales. De acuerdo con los planteamientos de la exposición curada por Kit Hammonds y Adriana Kuri Alamillo, la televisión tiene una cosmovisión propia que es simultáneamente globalizada y localizada a partir de las condiciones de trasmisión y recepción; de esto se deriva la manera en que crea experiencias, modela comportamientos y refleja realidades que pueden ser distorsionadas. A través de instalaciones, fotografías, esculturas, y video, esta muestra refleja los roles que se han creado en diversos lugares a partir del impacto social de la televisión, ya sea a través de obras creadas explícitamente para televisión como aquellas que reflejan la experiencia cotidiana en torno a la pantalla. Participan artistas como Candice Breitz, Miguel Calderón, Phil Collins, Lynn Hershman Leeson, Christian Jankowski, Bruce Nauman, Yoshua Okón, Nam June Paik, Laure Prouvost, Abigail Reyes, James Turrell y Bruce Yonemoto
Vía Láctea
Las fotografías son pequeños momentos, extractos del tiempo que por lo general no nos detenemos a mirar más de dos veces. Gonzalo Lebrija mediante la fotografía y el video vio estos instantes y los detuvo. Conoce sus piezas en Vía Láctea, albergada en el Museo Tamayo. El artista mexicano ha presentado sus obras en espacios como el Centro de las Artes de Monterrey, la Bienal de Estambul, el Museo de Arte Moderno de París, entre otros. En la exposición Vía Láctea, Lebrija muestra parte del trabajo que realizó en La Habana. Las obras giran en torno al tabaco y la acción de fumar, vemos retratados de fumadores profesionales, quienes consumían productos de la producción más selecta de Vegas Robaina al momento de ser fotografiados. Las piezas dan cuenta de los rituales al fumar en Cuba y de los mitos que envuelven a esta acción. Al artista le interesan dos cosas; el tiempo como instante efímero, puente y detonador de experiencias y el espacio geográfico como vector determinante. En este sentido, el video y la fotografía nos muestran no solo a fumadores, sino a toda una cultura permeada por el tabaco. Recomendado: exposiciones de fotografía.
Colección abierta: Lo mejor del Museo de Arte Moderno
Colección abierta es el nombre genérico que recibe el proyecto de apertura de la colección del Museo de Arte Moderno (MAM), en conmemoración por sus 54 años de su fundación. Se trata de una selección de pinturas que buscan mostrar los cambios de los temas que predominaron en el arte del siglo XX, ofreciendo nuevas propuestas sobre cómo ver y sentir el arte de este periodo. Para ello, Patrimoniales y Somos museo son las dos muestras que recuperan una selección de las piezas más representativas del acervo del museo para poder mostrarlas al público nuevamente. Patrimoniales es una muestra con las joyas del acervo del MAM, ya que expone las obras que han sido declaradas patrimonio: 130 piezas, entre pinturas, esculturas, fotografías, litografías y dibujos. Por ello, Frida Kahlo, María Izquierdo, Rufino Tamayo, Saturnino Herrán, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Diego Rivera y Gerardo Murillo "Dr. Atl" son algunos de los artistas cuyo trabajo es expuesto en esta exposición. Por su parte, Somos museo nace en el corazón del MAM, ya que fue curada por once personas que laboran en el museo, quienes intentan narrar la historia del recinto desde la experiencia de quienes la han vivido y construido. Verás 42 obras hechas entre 1919 y 2007 de artistas como Olga Costa, Julio Galán, Hideo Mori, Rosa Rolanda, Raúl Anguiano, Daniel Lezama. Los cuatro núcleos de esa exposición son Vida cotidiana, Surrealismo, Violencia y Amor. La suma de ambas muestras pemiten una crónica de la
MXCD03. México Ciudad Diseño (Futuro)
¿Te imaginas cómo será la CDMX en 25 años?, ¿cómo cambiará la arquitectura en los grandes edificios?, ¿usaremos las mismas herramientas de nuestro día a día o incluso la misma ropa? Esta exposición intenta resolver estas y más dudas a partir del diseño, conociendo sus antecedentes, observando nuestro presente y construyendo nuestro posible futuro de una manera seria y respondable. Conoce el legado del diseño mexicano a través de este proyecto que reúne 150 años de historia en un solo lugar. Se trata de un proyecto de investigación, exposición y publicación que te invita a una exploración por el pasado, presente y futuro de la CDMX como proyecto de diseño. Esto dio como resultado tres exposiciones en cada uno de los tres ejes temporales que muestran objetos icónicos, mobiliario, diseño gráfico, arquitectura, interfaces de política, identidad y tecnología. MXCD03 (futuro) es la tercera y última entrega de estas exposiciones de la galería Archivo Diseño y Arquitectura, aquí se abre una ventana a las posibilidades del futuro, los desafíos y oportunidades que tiene el diseño en relación con la ciudad que anhelamos. Haciendo referencia a la mítica exposición de 1956, This is tomorrow, MXCD03. México Ciudad Diseño (Futuro) reúne a diseñadores y artistas para crear proyectos que definan el futuro de la ciudad a partir de cuestiones significativas para la vida. Se abordan temas como problemáticas ambientales, nuevas herramientas de trabajo, estrategias de producción y diferentes
La traza del 68. Una poética
Esta exposición dentro del Museo de la Ciudad de México te transportará al 68, año clave en el que diferentes movimientos artísticos, políticos y sociales cambiaron nuestra forma de ver la realidad. A través de diferentes módulos que recrean aspectos de México durante este emblemático año, La traza del 68. Una poética se presenta como una muestra interactiva, que incluye instalación, gráfica, diseño, poesía e incluso una sección documental. Al inicio del recorrido verás fotografías del movimiento estudiantil, seguido de la recreación de una casa, marcada por el diseño de los muebles y una televisión de bulbos en el que pasan programas que marcaron la generación de nuestros padres, además de las máquinas de escribir que se usaban. También llama la atención la ambientación del cuarto de un estudiante en el podrás sentarte a escuchar la música que sonaba en la radio de ese entonces. Conforme avances, en el piso se comienzan a dibujar los nombres de las calles emblemáticas de la CDMX, como Reforma o Avenida Juárez, retomando la estética de la película Dogville de Lars Von Trier. Así, llegarás hasta la Zona Rosa, espacio en el que tuvieron lugar algunas de las galerías más importantes de la década como la Galería Juan Martín o la Galería Betsy Pecannins, dentro de las cuales figuraron los artistas que marcaron la llamada "ruptura". Después, hay un espacio dedicado a la gráfica (obra de Lance Wyman) e infraestructura creada para los decimonovenos Juegos Olímpicos de México 68, m
Kandinsky. Pequeños mundos
La primera exposición individual en México de uno de los máximos exponentes del abstraccionismo, el ruso Vasili Kandinsky, llegará el 31 de octubre para cerrar la programación del Museo del Palacio de Bellas Artes de 2018, bajo el nombre Kandinsky. Pequeños mundos. Explora la evolución de uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX a quien eventualmente le sería adjudicado el mote de “padre de la abstracción” y descubre sus controversiales planteamientos plásticos que hoy siguen generando debates sobre la naturaleza del arte. El abstraccionismo es uno de los estilos artísticos más contrastantes, pues a su enorme popularidad se le contrapone la titánica incomprensión que despierta en la mayoría de nosotros y, a casi 100 años de su invención, es pertinente que conozcas o reconozcas su discurso liberador. Este plantea que el arte no debe ser opacado por la historia, la religión o el poder, el arte solo se encuentra en el arte, es decir, en sus elementos básicos, como el punto, las figuras y los colores. La exposición de cinco bloques inicia con la etapa menos conocida de Kandinsky; obras como La canción (1903) muestran el inicio de su trayectoria influenciada por los paisajes y la arquitectura rural rusa, así como las técnicas impresionistas poco avaladas por las instituciones académicas de ese entonces. En la obra Lago (1910) se observa la liberación que hace el artista ruso de esos paradigmas estéticos con brillantes colores e intensas pinceladas. Acompaña al artista
Adictos a Remedios Varo. Nuevo legado 2018
El Museo de Arte Moderno y Remedios Varo van de la mano. Un año después de la muerte de la pintora española en 1964, el museo organizó una exposición-homenaje que rompió récords de asistencia de la época y abrió la carpeta de la relación con el recinto, por ser la primera exposición individual que se realizó en una institución pública. Después, en 2002, la colección del museo se enriqueció con la donación de 38 piezas de Varo. Y este 2018, el MAM vuelve a celebrar una reciente donación del archivo personal de la artista (que estuvo resguardado en la casa de la pareja Gruen Varsoviano) con la muestra Adictos a Remedios Varo. Nuevo Legado 2018, que ofrece una visión más íntima y cálida de la pintora española. A través de esta exposición es posible acercarse a la vida personal de la artista española nacida en 1908 de una madre sumamente religiosa y un padre de ciencia, quien le enseñó matemáticas y dibujo profesional. También es una ventana a los círculos artísticos que frecuentó durante su vida como su exilio en París, donde se relaciona con Benjamin Péret, Joan Miró y Wolfgang Paalen y su posterior llegada a México, donde frecuentó a importantes artistas de la época como Ghünter Gerzso, Octavio Paz, Leonora Carrington y Gerardo Lizárraga. Walter Gruen la recuerda como una artista sumamente curiosa hacia la vida, cuyo misticismo se trasladó a su obra; por ello, el observar nuevos rasgos de la artista, como su colección de objetos simbólicos o sus intercambios epistolares, dot
Eventos de teatro y danza
El amor de las luciérnagas
Escrita y dirigida por Alejandro Ricaño, El amor de las luciérnagas es una obra que ha conquistado al público mexicano por más de seis años. María, llena de melancolía por una ruptura amorosa, emprende un viaje a una pequeña ciudad en Noruega para refugiarse de sus recuerdos. Acompañada de una maleta, la joven escritora de cuentos para niños comenzará una búsqueda de ella misma. La obra retrata a una mujer que llega hasta el fin del mundo para darse cuenta que debe reencontrarse. El personaje interpretado por Adriana Montes de Oca se desdobla en tres etapas de su vida. Tras cada diálogo, una mujer cede la voz a la otra para dar vida a María en un cambio vertiginoso. Las tres son diferentes y retratan precisamente esa transición en el personaje, en el que los sueños y las emociones de la adolescencia marcan la vida actual de María. La historia, divertida y conmovedora, se amalgama perfectamente con la escenografía, con apenas algunos elementos de utilería, y la iluminación. Del techo penden decenas de focos que recuerdan esa luz que emiten las luciérnagas, como los recuerdos intermitentes que invaden esta puesta en escena. El elenco de esta temporada que termina el 10 de diciembre se complementa con Sara Pinet, Ana Zavala, Sofía Sylwin, Ximena Sastrías, Assira Abbate, Hamlet Ramírez, Luis Eduardo Yee, Pablo Marín, Andrés Torres Orozco y Ricardo Rodríguez (alternando funciones). Recomendado: Las mejores obras de teatro en cartelera en la CDMX.
El cascanueces con la Compañía Nacional de Danza
¿Te imaginas el reto de adaptar una obra clásica a un escenario como el del Auditorio Nacional sin cambiar su coreografía ni su esencia? Descúbrelo en la nueva puesta de El cascanueces en la que te trasladraás a una Rusia zarista. Este año El cascanueces celebra 180 funciones en el coloso de Reforma, las cuales han reunido a más de 850 mil espectadores para disfrutar de este gran espectáculo de ballet desde su primera presentación en 2001. Con 150 artistas en escena, El cascanueces se presentará durante 12 funciones del 14 al 23 de diciembre. En 1981 Marius Petipa propuso la primer coreografía, que en nuestro país adaptó Nina Novak, cuya coreografía sigue vigente. La historia ha sido la misma y se volverán a abrir 10 mil asientos para que goces de un escenario de 240 m junto a una nueva iluminación y vestuario. Asómbrate al observar que los bailarines y la escenografía cambian de escala, esto gracias a que Sergio Villegas manipuló la altura de los arcos para crear una ilusión óptica. Cuando clara recibe su cascanueces verás una escala promedio a través de arcos descendentes pero al caer en su sueño, estos se alzan y luce con un tamaño más pequeño. El árbol navideño mide 10 m de largo, hay un sillón de 9 m y un huevo de Fabergé de 7 m que le da un toque zarista a la obra. Sin duda te enamorarás tanto de los vestuarios como de la historia. María y Tolita Figueroa diseñaron modelos para este montaje gracias a nuevas técnicas de impresión textil, además usaron diseños de Will
FAKE. El lado improvisado de la vida
Son actores, sí, pero no les es necesario memorizar e interpretar un libreto. Les basta una palabra o en éste caso, una anécdota de un personaje público y reconocido para crear una historia de enredos absurdos y verdades, según el ojo que las mire. Son improvisadores. Tras el éxito de varias temporadas de La Improlucha y de exitosos videos de YouTube en el canal Bala Buena, un amplio equipo de creadores escénicos vuelve a la carga, ahora valiéndose del formato de late night show y de un invitado especial de quien recrearán su vida a partir de una entrevista. Algo de la vida de tu actor, cantante o político favorito saldrá a la luz al momento de la improvisación-narración. Yuriria Sierra, el Diablito, Luis García, Tessa Ia y Verónica Toussaint son los primeros invitados. Angélica Rogel es la directora del proyecto: “Más allá de preguntarle al invitado lo que todo mundo le pregunta, buscaremos que nos cuente historias, que nos muestre fotografías, para que nosotros podamos reinventar esa historia”. La intención es que sea un espectáculo de largo aliento y que en posteriores temporadas puedan invitar a escritores, músicos y políticos. Alfonso Borbolla, Yuriria del Valle, Daniel García, Juan Carlos García, Piolo Juvera, Juan Carlos Medellín, Omar Medina, Mario Alberto Monroy, Karla Morales, Alejandra Rodríguez, José Luis Saldaña y la propia Angélica alternarán en cada función. Serán cuatro improvisadores entrevistando al invitado, todo acompañado de una banda musical en vivo.
Valientes
¿Qué tan valiente debe ser una persona para asumir su identidad en medio de una sociedad cegada por el odio y los prejuicios? Valientes es una comedia romántica situada en Inglaterra de los noventa. Conocemos a Santi Carter, un chico gay que vive en una sociedad bajo la sombra del artículo 28, una enmienda que afirmaba que las autoridades “no deben promocionar la homosexualidad” o “promocionar la enseñanza de la aceptación homosexual como una relación familiar en las escuelas”. Santi, atraído por la curiosidad y el deseo, se vuelve un amante del sexo casual en los baños públicos cercanos a su escuela. Entre el ir y venir entre aventuras se encuentra con Diego, el chico más guapo y popular de su colegio, quien tiene miedo y se siente inseguro sobre su homosexualidad, pues sabe lo difícil que es la presión social, el bullying escolar. Esta obra escrita por Patrick Wilde se estrenó hace 25 años y aunque jugo un papel muy importante en el desarrollo del teatro LGBT a finales del sigo pasado, en pleno 2018 siguen habiendo jóvenes que sufren las mismas circunstancias que Santi y Diego: rechazo por parte de su familia, maestros y sus amigos al grado de cuestionarse si vale la pena seguir viviendo. El director Mario Cortés trae a México esta obra protagonizada por Edgar Loyo (Robin Hood) y Christian Ramos (Los gallos salvajes). Andrés Becerra, Alberto Garmassi, Luis Baez, John German, Mónica Martínez y Marycielo Vargas conforman el resto del elenco encarnando a diferentes person
Te veré el año que viene
La obra Te veré el año que viene fue escrita en 1975 por Bernard Slade y gracias al gran éxito que tuvo en Broadway (ganadora de varios premios Tony) y otras ciudades como Londres y Madrid, se hizo una adaptacón cinematográfica con Ellen Burstyn y Alan Alda tres años después. Esta comedia romántica cuenta la historia de George, un contador de New Jersey que viaja cada año a California por trabajo y Doris, una ama de casa que va cada año a un retiro católico para faltar al cumpleaños de su suegra. Durante la cena en un restaurante sus miradas se encuentran y después de brindar con un bistec, deciden pasar la noche juntos. La conexión que logran les hace prometerse que, a pesar de estar casados y con hijos, se reunirán todos los años el mismo día en el mismo lugar. El trabajo actoral de Jimena Merodio y Oz de la Ro hacen que de inmediato empatemos con los personajes, pues su jovial apariencia no impide que nos lleven con ellos a lo largo de los años, mostrándonos una relación de amor profunda y haciéndonos olvidar de la obviedad de las pelucas. La dirección de José Razo es acertada pues aunque todo ocurre en la misma habitación —escenografía e iluminación de Isaac Weisselberg—, está bien dirigido el tono y el ritmo de toda la obra. Te veré el año que viene es una comedia que nos sitúa en una sociedad americana en desarrollo después de la guerra y nos muestra el crecimiento de una mujer que comienza a tomar sus propias decisiones al lado de la madurez de un hombre que encuent
Enfermos de amor
Si no pone mal, no es amor. Por eso las nueve historias de esta obra hablan acerca de las pequeñas, aunque a veces griegas, tragedias cotidianas que involucran a dos enamorados, o a punto de estar o dejar de estarlo. Historias nacidas de la pluma del dramaturgo y actor estadounidense John Cariani (Something Rotten, Law & Order), a quien conocemos por el recordado montaje que José Manuel López Velarde (Mentiras) hizo de Casi un pueblo en la década pasada. Se trata de cuadros que lo mismo aluden al romance que al hallazgo o al desencuentro en la pareja. Estas nueve viñetas sobre el amor están producidas por Alonso Pineda y dirigidas por Rodrigo Nava en su debut como director teatral, tras dedicarse al mundo de la publicidad y los cortometrajes. Rodrigo convocó a un amplio y atractivo elenco que alternará los personajes en cada función y ofrecerá así una experiencia distinta a los espectadores: Mónica Huarte, Eréndira Ibarra, Adriana Louvier, Esmeralda Pimentel, Alejandro de la Madrid, Luis Arrieta, Nacho Tahhan y Andrés Palacios, quienes dan vida a 18 afectados por el poder de Eros sobre el universo y la vida diaria. Uno de los ganchos con los que se busca llamar a un amplio público, amén de la calidad del texto y la presencia de estos actores, es que la producción ofrecerá diez boletos gratis por función para el público que realmente quiera ver la obra y no tenga los suficientes recursos para hacerlo. Se podrán obtener una hora previa a cada representación.
Los robots no lloran
Noam Chomsky dijo alguna vez: “Internet entrega acceso instantáneo a todo tipo de ideas, opiniones, perspectivas, información. ¿Eso ha ampliado nuestras perspectivas o las ha hecho más estrechas?, yo creo que ambas.” Con esto en mente, Pedro Reyes presenta su obra Los robots no lloran en la que cuestiona el crecimientos acelerado de las tecnologías, que van de la mano con aportes millonarios de dinero. En esta puesta en escena presentada en el Museo Jumex, las marionetas estilo bunraku japonés toman el escenario. Aquí los muertos conviven con los vivos: Karl Marx, pensador comunista; Ayn Rand, filósofa; Noam Chomsky, lingüista; Elon Musk, empresario; y Donald Trump, presidente actual de Estados Unidos. Algunos como héroes y otros como antagonistas, todos guiarán dilemas éticos y cuestionarán las ideologías en nuestros tiempos. Para traer a cada autor al siglo XXI, sólo se necesita uno de sus libros y un mágico iWay. Así que sé testigo de un regreso a la vida novedoso, y de esta plática entre renombrados autores donde la comedia y la sátira nos cautivarán en el escenario. Recomendado: 15 obras de teatro que debes ver en noviembre.
Los monólogos de la vagina
La realidad que enfrentan millones de mujeres en el mundo, es solo una prueba de que la violencia de género, el tabú al sexo y las relaciones amorosas tóxicas siguen estando presentes en la onda sentimental de nuestro tiempo. Por ello, es necesario escuchar nuevamente a las voces de las mujeres entrevistadas por la dramaturga y feminista Eve Ensler, quien escribió y actuó en 1996 por primera vez Los monólogos de la vagina. Esta exitosa obra estrenó su primera temporada en México en el año 2000, estableciendo un récord de 7 mil 321 funciones en 15 años de temporada continua, representada por más de 120 intérpretes, entre actrices, comunicadoras, cantantes, sexólogas, periodistas, bailarinas, activistas políticas y sociales. Hoy, vuelve a la cartelera mexicana con un tema que no se debe olvidar.La dirección de escena es de Jaime Matarredona, quien ha estado al frente de este montaje desde su estreno en el año 2000, e incluso la dirigió en Nueva York en el año 2014. Esta nueva temporada cobra vida en las voces de dos comunicadoras jóvenes y una primerísima actriz: Natalia Tellez, Maca Carriedo y Luz María Aguilar. La escritora y periodista Martha Figueroa, quien formó parte del elenco de la primera temporada, alternará algunas funciones con Luz María Aguilar. En Los monólogos de la vagina tres intérpretes toman la voz de mujeres reales que pasaron por algún tipo de violencia de género, entre risas, gritos y orgasmos.
Hoy: El diario de Adán y Eva
Hace algunas décadas el radio era uno de los medios de comunicación con más audiencia en el mundo y las radionovelas tenían un público muy especial, con voces de actores capaces de transportarnos a otros mundos, épocas y situaciones. La dirección del prolífico y premiado director argentino, Manuel González Gil, las voces de Pepe Campa y los actores Enrique Arreola y Sonia Franco nos adentran a una cabina de radio para escuchar el cuento El diario de Adán y Eva de Mark Twain. Esta historia de amor contada en un formato de ficción dentro de la ficción mezcla el divertido cuento de Mark Twain —cargado de dulzura e ironía— con la vida personal de Dalmacio y Eloisa, los actores que dan vida a Adán y Eva en el programa de radio. Cuando la hija de Eloisa decide entrevistar a Dalmacio después de la muerte de su madre, se develan secretos que cambian por completo la relación entre los tres personajes. Hoy: El diario de Adán y Eva es una obra que nos muestra las debilidades del hombre y la mujer con palabras sencillas cargadas de sarcasmo, creando una parodia del significado de la vida y las relaciones interpersonales. El texto está dividido en bloques que nos sitúan en el pasado y el presente y tiene momentos que bajan el ritmo de la obra; sin embargo, la correcta interpretación por parte de los actores y el sencillo e íntimo espacio que logró la escenografía hacen que cada palabra y cada escena se conviertan en una reflexión no solo acerca del amor, también sobre nuestra propia ex
Hello, Dolly!
Fastuosidad es lo que describe a esta obra de teatro con música y letra de Jerry Herman (La jaula de las locas). El Nueva York de finales del siglo XIX es recreado con maestría en la tercera producción en México del clásico musical de Broadway Hello, Dolly! entre más de 300 luces en el escenario, un tren y 38 actores y bailarines en escena, que en conjunto salen airosos como una gran producción. Todos bajo la dirección y coreografía del mismo Jason A. Sparks, responsable de la producción de Broadway ganadora del Tony a la Reposición del 2017. La actriz y cantante Daniela Romo (Victor Victoria) da vida a la famosa casamentera Dolly Levi, una perspicaz viuda que debe dejar la nostalgia para rencontrarse con el amor, aunque para eso tenga que resolver un montón de enredos y ablandar el corazón del cuasimillonario Horace Vandergelder. En México, la gracia natural de Libertad Lamarque y Silvia Pinal marcó el reto a Romo, quien brilla luego de 10 años alejada de los escenarios y le hace justicia a las grandes divas que han protagonizado la obra a lo largo de la historia, incluyendo a Bette Midler —triunfadora en la versión que cerró telón en Nueva York en agosto de este año—. Vemos a una Dolly que se apega al espíritu jovial de Barbra Streisand (protagonista de la versión cinematográfica) pero con un toque personal y un claro mensaje: la Sra. Dolly es fuerte, auténtica, libre e invita a la lucha y al respeto hacia la mujer, sí, a pesar de ser una obra estrenada en 1964. Daniela e
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Exposición del Concurso Jotográfico de Diversidad Sexual y Equidad de Género
La galería ArtSpace México recibe la exposición del segundo Concurso Jotográfico de Diversidad Sexual y Equidad de Género encabezado por el artista, promotor cultural y director Pancho López. El certamen que tuvo su primera edición en 2016 busca a través del término "jotografía" borrar los prejuicios y estereotipos que existen en la comunidad LGBTTTI. Verás fotografías cuyo fin es cuestionar los clichés y tabúes de una sociedad machista marcada por la homofobia y la falta de educación sobre temas LGBTTTIQ. Participan artistas jóvenes como Gustavo Aguirre, Gabriel Rendón, Nelson Morales, Yolanda Benalba, Alejandro González Cortés , Alejandra Leyva, Ovando Memo Hojas, Julio Sanz, Memo Díaz Martín, David Iglesias e Itzel Rodríguez Cortés. Al terminar su estancia en la galería de ArtSpace México, se planea llevar esta muestra a Parque Fundidora en Monterrey y posteriormente exhibirla en una vitrina del Metro de la Ciudad de México.
MXCD03. México Ciudad Diseño (Futuro)
¿Te imaginas cómo será la CDMX en 25 años?, ¿cómo cambiará la arquitectura en los grandes edificios?, ¿usaremos las mismas herramientas de nuestro día a día o incluso la misma ropa? Esta exposición intenta resolver estas y más dudas a partir del diseño, conociendo sus antecedentes, observando nuestro presente y construyendo nuestro posible futuro de una manera seria y respondable. Conoce el legado del diseño mexicano a través de este proyecto que reúne 150 años de historia en un solo lugar. Se trata de un proyecto de investigación, exposición y publicación que te invita a una exploración por el pasado, presente y futuro de la CDMX como proyecto de diseño. Esto dio como resultado tres exposiciones en cada uno de los tres ejes temporales que muestran objetos icónicos, mobiliario, diseño gráfico, arquitectura, interfaces de política, identidad y tecnología. MXCD03 (futuro) es la tercera y última entrega de estas exposiciones de la galería Archivo Diseño y Arquitectura, aquí se abre una ventana a las posibilidades del futuro, los desafíos y oportunidades que tiene el diseño en relación con la ciudad que anhelamos. Haciendo referencia a la mítica exposición de 1956, This is tomorrow, MXCD03. México Ciudad Diseño (Futuro) reúne a diseñadores y artistas para crear proyectos que definan el futuro de la ciudad a partir de cuestiones significativas para la vida. Se abordan temas como problemáticas ambientales, nuevas herramientas de trabajo, estrategias de producción y diferentes
Asia en marfil
Los capitalinos podemos disfrutar de un pedacito del continente asiático en la ciudad gracias a la colección de la Fundación Slim que exhibe permanentemente la exposición Asia en marfil en el Museo Soumaya. La sala se integra de más de 600 piezas que nos narran el legado filosófico y cultural de religiones como el budismo, daoismo e hinduismo. Verás muchísimas versiones de Buda y otras deidades mitológicas de los países asiáticos. También esculturas de doncellas, monjes, animales como dragones, tortugas y perros. En otra parte de la exposición verás la influencia de las creencias occidentales, tanto en la creación de imágenes de Cristo y las vírgenes con técnicas de Asia, tanto como en el uso de materiales textiles y pigmentos propios de Europa y Medio Oriente. Esto es notable en obras como biombos, ropa y muebles.