Cine

⭑⭑✩✩✩ Cuando George Clooney comenzó a hacer esta ciencia ficción apocalíptica, un asunto melancólico lleno de pensamientos grandes y sombríos sobre el futuro de la humanidad, probablemente no esperaba entregarlo a un mundo que estaba varios pasos por delante en ambos aspectos. Si está buscando una visualización cómoda, ve hacia otro lado: Cielo de medianoche no está interesada en conectarse con el carisma en pantalla de su director-estrella o en ofrecer mucho más que un par de fragmentos de acción que desafían a la muerte. Sus elegantes imágenes de ciencia ficción ocasionalmente la elevan. Si bien nadie argumentará que se trata de una película navideña, Clooney interpreta a un veterano barbudo que vive cerca del Polo Norte, aunque es un científico maldito y enfermo terminal llamado Augustine Lofthouse en lugar de Santa. Es un hombre cuyo trabajo de toda la vida, ha sido descubrir un planeta habitable en todo el universo, finalmente se ha hecho con una nave espacial, Aether, que regresa rápidamente a la Tierra con las buenas noticias. Desafortunadamente, es demasiado tarde para la raza humana: una catástrofe no especificada pero basada en la radiación se está abriendo paso a través del planeta y hacia el observatorio helado de Augustine. Las grandes ideas de la película, de familia versus carrera, de paraísos perdidos y encontrados y ansiedad ecológica, atrajeron claramente a Clooney, el cineasta. Pero Clooney, el actor, lucha por darles chispa, obstaculizado por un guion que muestra flashbacks regulares a un Augustine más joven (interpretado por Ethan Peck). En esa línea de tiempo, es un hombre que se ocupa de fórmulas pero que no puede encontrar una para equilibrar su ambición y su familia. En la actualidad de 2049, está solo y casi se ha rendido, al menos, hasta que descubre a una joven (Caoilinn Springall, con un encanto de cara arrugada) que se esconde en el observatorio y se redescubre gradualmente en su relación que florece lentamente. Cielo de medianoche es notablemente más liviana a bordo del Aether, donde los astronautas (Felicity Jones, David Oyelowo, Demián Bichir, Tiffany Boone y Kyle Chandler) son alegremente ajenos a lo que está sucediendo en casa. Hay algunas ideas visuales ingeniosas (la tripulación interactúa con hologramas de sus propias familias) y una sensación tangible de la atracción del hogar que definitivamente resonará. Incluso hay una canción de “Sweet Caroline” para recordarnos que, sí, la seguiremos escuchando en 2049. Las dos escenas de acción son lo suficientemente emocionantes, aunque incidentales a la historia más amplia, pero con demasiada frecuencia, la película se siente como una tómbola gigante de influencias incompatibles. Basada en la novela, Good Morning, Midnight, tiene una deuda igual con Silent Running en su eco-exploración del espacio, On the Beach de Nevil Shute en su descripción de un apocalipsis inexorable y progresivo, y en Aliens en el bribón parecido a Newt que aparece para restaurar la esperanza de Augustine. Protagonizar la adaptación de Steven Soderbergh de Solaris de Stanisław Lem parece haber contagiado a Clooney. El resultado es una mezcolanza que agita el corazón y aumenta el pulso solo en raras ocasiones. Cielo de medianoche Dir. George Clooney. Estados Unidos, 2020. Con George Clooney,Felicity Jones, David Oyelowo, Demián Bichir, Tiffany Boone y Kyle Chandler.

⭑⭑⭑⭑✩La primera vez que mis padres me llevaron al cine fue a ver Oliver y su pandilla, tenía entre cinco años. Era un domingo por la mañana en esas famosas matinés y aún recuerdo la sensación de entrar a una sala de cine con las luces apagadas. Algo hizo clic en mi cuerpo que no podía entender, pero quedé totalmente enamorado de ese lugar y de la experiencia cinematográfica. Justo de ese momento que viví es de lo que habla la nueva película de Pixar, Soul, que estrena el 25 de diciembre por la plataforma Disney+. Joe Gardner (voz de Jaime Foxx) se dedica a dar clases de música en una escuela secundaria de Nueva York mientras sueña por convertirse en un exitoso pianista de jazz. Su vida por fin parece tomar el camino correcto cuando obtiene una audición para formar parte de la prestigiosa banda de jazz, de la legendaria saxofonista Dorothea Williams (Angela Bassett). La emoción hace que Joe se descuidé y termine sufriendo un accidente que lo lleva al más allá, ¡OMG, Disney acaba de matar a su protagonista! Este lugar se divide en dos partes: un portal en el que cruza las almas a su destino final y otro que es como una gran pradera en donde preparan a las nuevas almas para bajar a la tierra. Es en el segundo en donde Joe ve su oportunidad de regresar a la vida al convertirse en mentor de los pequeños para robarle a su estudiante el pase de ingreso al mundo, pero lo único que no contaba es que el alma que le tocó es la número 22 (Tina Fey) y esa ha tenido maestros importantes como Abraham Lincoln, Gandhi y la madre Teresa de Calcuta, los cuales han fallado en su misión de hacerle encontrar esa chispa que le de propósito y felicidad cuando tenga vida. De la misma manera en la que el director dos veces ganador al Oscar, Pete Docter, nos hizo entender los sentimientos con Intensa-mente (2015) ahora llega para resolver la duda más grande que por siglos, doctores y psicólogos han tratado de responder: ¿De dónde viene nuestra personalidad? ¿Nacemos con ella o nuestros padres influyen? Además de que la película se atreve a sacudir la idea que la sociedad nos ha metido en la cabeza sobre que la felicidad radica en ser exitoso, querido y famoso. Todo esto sin perder los sellos característicos de Pixar que la hacen diferenciarse de las otras producciones de la casa del ratón: personajes entrañables, mundos estructurados de pies a cabeza y tramas surrealistas que esconden cuestionamientos humanos. Sin dudarlo esta es la película más adulta de Disney por la manera de presentar las insatisfacciones humanas o como los traumas pasados se convierten en maletas que cargas en el presente, sin olvidar que matan al protagonista a los 15 minutos de que empieza la película. No son temas que los niños piensen antes de elegir una película, pero su lenguaje juguetón y el universo colorido hace que se convierta en un dulce visual para los pequeños y grandes. Soul es una comedia con tintes dramáticos que explora el spisque humano acompañado de la mejor banda sonora del año; para la parte terrenal tenemos a Jon Batiste (productor musical que ha trabajado con Prince y Lenny Kravitz); mientras en el lado astral los ganadores del Emmy, Oscar y Grammy, Trent Reznor y Atticus Ross de Nine Inch Nail, debutan en la animación. Encontrar lo que nos emociona y hacerlo brillar es el mensaje de Soul, pero más allá de esto nos recuerda la famosa frase que los abuelos siempre dicen: ¡Los tiempos de Dios son perfectos! Y realmente tiene mucho que ver con la película, la cual sufrió por la pandemia cambios de fecha, en lugar de estrenar en cines se fue a nivel mundial directamente a la plataforma Disney+ haciendo que se convierte en el mejor regalo que podríamos tener después de un 2020 tan caótico y difícil. El filme nos habla sobre disfrutar los pequeños placeres, siempre voltear a ver lo que nos rodea, nunca olvidar buscar una motivación y lo más importante que es disfrutar que estamos vivos. Suena cursi, pero después del año que tuvimos llega en el momento perfecto para darle chispa a nuestra alma. Soul Dir. Peter Docter. Estados Unidos. Con Jamie Foxx, Tina Fey y Graham Norton. Disney+ Estreno: Viernes 25 de diciembre.

⭑⭑⭑✩✩ Para que la secuela de la Mujer Maravilla llegara a la pantalla grande se tuvo que enfrentar al villano más grande de 2020: COVID-19. Warner movió tres veces su fecha de estreno (que previamente a la pandemia ya había sido movida en dos ocasiones) para salir en el momento exacto en el que el público pudiera disfrutarla en el cine como se debe. En un año de sequía de películas de superhéroes (Aves de presa fue antes de la pandemia y solo Los nuevos mutantes durante), se tiene mucha esperanza de que este filme sea un momento de alivio para la golpeada industria, pero ¿tiene todos los poderes para sobrevivir a esta batalla? Ha pasado mucho tiempo desde la primera vez que Diana Prince convivió con los seres humanos (1918). Ahora trabaja en un museo como conservadora en DC, Washington, mientras en secreto ayuda a las personas como Mujer Maravilla. Todo lo tiene controlado aunque tiene una vida solitaria. Los ochenta son una época perfecta para que el ambicioso millonario Maxwell Lord (Pedro Pascal) se convierta en una figura popular gracias a su constante presencia televisiva. Un día, la torpe y desaliñada arqueóloga Barbara Ann Minerva (Kristen Wiig) obteene una piedra ancestral que Maxwell lleva años buscando, ya que tiene el poder de convertir todos tus deseos en realidad y como dice la frase: ¡Ten cuidado con lo que deseas! A eso es a lo que se tendrá que enfrentar la heroína más famosa de DC Comics en esta nueva entrega. Como podemos ver, la trama es bastante sencilla y los elementos que la desatan (la piedra de los deseos) parecen salidos de la caricatura Súper Amigos en la que Batman, Superman, Wonder Woman y Aquaman peleaban contra el mal junto a los gemelos fantásticos y otros personajes creados para divertir a los niños. El tono que maneja es inocente, ligero y sus villanos son ridículamente bobos, por lo que funciona perfecto para que sea una película de acción cómica familiar. Por cierto cada que se cumple un deseo, el filme le hace un homenaje a La rosa de Guadalupe. Las grandes secuencias de acción son usadas para contrarrestar la ñoñez que se carga WW1984 y cuando el caos llega a su clímax, se vuelve un poco más adulta sin perder su estilo. La película está alejada de la estética oscura que nos había entregado Warner en un principio con Batman Vs Superman y La liga de la justicia. Aquí tenemos una entrega que sigue los pasos de Shazam!, diversión adolescente con muchos colores y un mensaje de empoderamiento para que todos se lleven algo positivo. Mujer Maravilla 1984 entiende la época en la que desarrolla y aunque en momentos satura con las referencias estéticas, cumple más con sus personajes que con la idea del villano (Pedro Pascal brilla en este trabajo), que es una mezcla entre Donald Trump con Gordon Gekko de la película Wall Street: ambos máximos iconos del consumismo y poder ochentero. A la par, Kristen Wiig saca adelante a la mujer que vive en la fantasía de que los videos de aerobics de Jane Fonda pueden hacer que los hombres te volteen a ver y cambiar tu vida. La comedia es proporcionada por Steve Trevor (Chris Pine), quien ahora es la persona perdida en el tiempo como en la primera cinta lo fue Diana Prince. Podemos decir que Mujer Maravilla 1984 cumple la regla de que las secuelas deben ser más grandes, atascadas y caras (la cantidad de locaciones, vestuario, efectos y extras te dejará con la boca abierta). Pero se siente a una Patty Jenkis más contenida; estamos frente a una directora que ya se siente cómoda haciendo este tipo de mega producciones y no por nada próximamente va a dirigir una entrega de Star Wars. Cabe resaltar que el filme nos recuerda por qué vamos al cine: a vivir experiencias audiovisuales. No importa que tengas un gigante sistema de teatro en casa, las emociones solo la sientes en este lugar: la sala y la súper pantalla. Hasta el momento no sabemos si Mujer Maravilla 1984 saldrá triunfante de la batalla contra la pandemia, pero sin querer sale en un momento necesario en el que su ñoñez y cursilería ayudará a que todos nos podamos desconectar del mal sabor de boca del año y por un momento creer que una persona puede brincar, golpear y volar sin despeinarse. Mujer Maravilla 1984 Dir. Patty Jenkins. Estados Unidos, 2020. Con Kristen Wiig, Gal Gadot y Chris Pine. Estreno: Miércoles 16 de diciembre.

⭑⭑⭑⭑⭑Las discusiones sobre si Ciudadano Kane es la mejor película jamás realizada se mantendrán por siempre. Pero la mejor película sobre Ciudadano Kane, y casi cualquier otra cinta, definitivamente ha llegado. El undécimo título de David Fincher es una generosa carta de amor al viejo Hollywood en todo su esplendor: cinismo y extravagancia salvaje. Está diseñada con el tipo de elegancia monocromática que pide asimilarse en la pantalla grande, aunque por el momento, tu televisor funcionará bien. Mank hace referencia a Herman J. Mankiewicz (Gary Oldman), un dramaturgo pícaro, adicto al juego y a quien no le importa nada, y trabajó con Orson Welles (Tom Burke) en el guion de Ciudadano Kane. Es uno de los mejores guionistas de Hollywood, un talentoso dramaturgo seductor que llega a hasta Broadway por la promesa de ganar mucho dinero. Él es, para decirlo cortésmente, una verdadera patada en el trasero y Oldman lo disfruta. El guion de esta película es el logro póstumo del padre de David Fincher, Jack, cuya historia ha estado esperando un patrocinador desde 1997. O tal vez solo estaba esperando a que llegara Netflix. Esta obra de época en blanco y negro sobre un guionista relativamente poco conocido no es lo que llamarías una propuesta convencional, y Fincher tiene espacio y tiempo para poner todos los juguetes y técnicas a su disposición. ¿Pero necesitas ser un cineasta incondicional para disfrutarlo? Ni remotamente. Mank situa a su protagonista en 1940, en un camino hacia la ruina; un accidente de coche lo deja postrado en cama y Welles se asegura de mandarlo a un rancho en California, donde una secretaria británica, Rita Alexander (Lily Collins), y una fisioterapeuta alemana (Monika Gossmann) lo mantendrán alejado del licor el tiempo suficiente para cumplir con su exigente fecha límite. Luego, retrocedemos una década, a los primeros días de Mank, con nuevas ideas de películas al lado de sus compañeros escritores en la oficina del jefe de Paramount, David O. Selznick, antes de que caiga en la órbita del jefe de matones de MGM, Louis B Mayer (un Arliss Howard intimidante). Esta fase de la película es un “quién es quién” de los poderosos jugadores de Tinseltown, que nunca cae presa de la caricatura que afecta a otras cintas sobre películas. Las estrellas vienen tan espesas y rápidas que no te sentirás mal por perderte a Joan Crawford o a Charlie Chaplin. Mank se compromete completamente con su estilo wellesiano, con desvanecimientos teatrales al final de las escenas, mezcla de sonido con eco, una partitura tipo Bernard Herrmann hecha por Trent Reznor y Atticus Ross (de Nine Inch Nails) y una fotografía de enfoque profundo. El director de fotografía Erik Messerschmidt emula a su homólogo en Ciudadano Kane, Gregg Toland, capturando cada intercambio de conspiración y mirada desdeñosa en el fondo de escenas de fiesta suntuosamente escenificadas Las cosas rara vez son una coincidencia en lo que respecta a Fincher, y la cantidad de británicos en el elenco es casi seguro que no lo es. Muestran un estilo de actuación de época, un ejemplo es Vivien Leigh y Deborah Kerr; sus tiernas escenas con Oldman son lo más destacado y puede que les valga el reconocimiento del Oscar. La moderación también está ahí, en el magnate de los periódicos de Charles Dance, William Randolph Hearst, el hombre que inspiró el personaje de Charles Foster Kane. El ciudadano Hearst es una bestia completamente diferente del ejecutivo de la pantalla: una presencia taciturna y vampírica en las fiestas que organiza en su castillo parecido a Xanadu. Es en uno de ellos en los que Mank finalmente, y fatalmente, sobrepasa su mano. Ni una sola línea de lectura de frascos o escena deja de impactar. Burke es maravilloso, como siempre, a pesar de una nariz protésica que de perfil lo hace parecerse tanto a Sam, el águila de Los Muppets, como a Orson Welles. Tuppence Middleton es demasiado joven para interpretar a la esposa de Mankiewicz, Sara (la misma edad que el guionista), pero hace un trabajo excelente con diálogos que se desarrollan principalmente a través del teléfono, mientras la vida de su esposo se desliza hacia un caos. Amanda Seyfried está en la mejor etapa de su carrera como la amante de Hearst, Marion Davies, una clienta mucho más inteligente que el personaje de Ciudadano Kane, Susan Alexander, en quien está basada —según los rumores. Pero, inevitable y satisfactoriamente, es el espectáculo de Oldman. Ya sea en escenas en cama, escupiendo, siendo ingeniosamente gruñón con sus anfitriones en veladas decadentes o retrocediendo ante las corrosivas alianzas políticas de Hollywood, es magnético como un pícaro adorable que tiene una boca que lo mete en problemas, y una pluma encantadora que lo saca de los mismos. La última vez que Oldman interpretó a un bebedor empedernido de la década de los cuarenta, ganó un Oscar por ello. No se sorprenda si lo vuelve a hacer. Mank Dir. David Fincher. Estados Unidos, 2020. Con Gary Oldman, Amanda Seyfried, Lily Collings, Tom Pelphrey. Netflix. Estreno: Viernes 4 de diciembre.

La Juárez es una de las colonias que por tradición cuenta con una gran oferta cultural, gastronómica y nocturna.  Además suma a esta lista algunas salas de cine para ver filmes de distintos géneros que van desde ciencia ficción, drama, suspenso y romance. 

Esta delegación fue testigo de varios acontecimientos relacionados con la industria fílmica como la llamada boda de oro entre la diva de la época de oro del cine mexicano María Félix y Jorge Negrete en la Parroquia de San Agustín de las Cuevas, y las filmaciones de dos de las cintas más representativas en la carrera de Luis Bueñuel.

La Ciudad de México está llena de muchas opciones para los cinéfilos, desde cines al aire libre hasta funciones con cine gratis. Satélite y sus alrededores tienen varios complejos cinematográficos en los que puedes disfrutar de los estrenos cinematográficos y ciclos de cine de arte. También te pueden interesar los cineclubes de la CDMX y los cines independientes.

Anteriormente en Álvaro Obregón esquina con Orizaba se encontraba el edificio Balmori, y en él su cine clásico con el mismo nombre. Esta obra del arquitecto Ignacio Capetillo y Servín —inaugurada en 1930 y con una capacidad para 1,878 espectadores; un lunetario, un anfiteatro y un palco, era uno de los cines predilectos de los habitantes de la zona.