Exposiciones de pintura en la CDMX

“Creo que todo el mundo debería ser una máquina”; Andy Warhol disparó esta bala en una entrevista con el crítico de arte G.R. Swenson (Artnews, 1963). Con esa sentencia, el artista originario de Pittsburgh dejó claro su interés por replicar la uniformidad del discurso de la cultura pop estadounidense. Al crear series inspiradas en productos de consumo y estrellas de cine cambió el rumbo de la historia del arte para siempre. Es debido a esa ruptura, provocada al transformar en arte pinturas de latas de sopa Campbells y botellas de Coca Cola, que el Museo Jumex creó una muestra que ahonda en el legado de uno de los artistas más influyentes. Bautizada como Andy Warhol. Estrella oscura, esta exhibición estuvo a cargo del curador independiente Douglas Fogle, experto en la carrera del artista que trabajó en instituciones como el Walker Art Center en Minnesota, y que desarrolló el proyecto durante los últimos tres años en conjunto con el equipo curatorial y de registro del museo de la Fundación Jumex. 4 cosas que no sabías de la obra de Andy WarholNo dejes de visitar Andy Warhol. Estrella Oscura en el Museo Jumex: https://www.timeoutmexico.mx/ciudad-de-mexico/arte/andy-warhol-estrella-oscura Flower powerLa exposición se delimita en el trabajo de Andy Warhol durante la década de los sesenta. “Douglas acotó la muestra a esta época porque es cuando se consolida el discurso del artista. También se dan los desplazamientos más importantes en su obra, tanto en lo técnico, como s

Pasaron más de cien años para que Diego Rivera y Pablo Picasso volvieran a encontrarse, esta vez en la exposición Picasso y Rivera. Conversaciones a través del tiempo, un recorrido de más de 100 piezas que explora la idea de una influencia mutua y una evolución paralela en la obra de ambos. Picasso ya había revolucionado el arte con el cubismo cuando conoció a Rivera en Europa, el mexicano se convirtió en su amigo y discípulo. Sin embargo, todo concluyó cuando Rivera acusó de plagio a Picasso al usar elementos de su Paisaje zapatista en la obra Hombre apoyado en una mesa. En esta exposición, del Museo del Palacio de Bellas Artes, presenciaremos las coincidencias y divergencias de estos dos grandes artistas del siglo XX a lo largo de cinco módulos que presentan sus inicios como estudiantes en sus respectivas academias de artes, la corriente cubista a través de los ojos de Rivera (quien introdujo colores no utilizados antes), así como las composiciones de estos genios que reinterpretaron sus orígenes clásicos: la escultura ibérica y grecorromana en Picasso y el arte precolombino en Rivera. Bajo el concepto curatorial de Diana Magaloni y Juan Coronel Rivera, la muestra fue planeada en conjunto con el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA), en donde permaneció más de cinco meses con gran éxito. Para la versión mexicana verás piezas que no fueron expuestas, además de creaciones de artistas que inspiraron a ambos pintores. La exhibición vislumbra un puente entre dos c

¿Cuál es la relación entre las formas y los contenidos? ¿Cómo el contenido artístico nace en relación a una formato? Estas inquietudes aparecieron gracias al formalismo a mediados del siglo XIX, en Alemania. Se trataba de una reacción a la filosofía del arte romántico e idealista. Los teóricos formalistas concebían a la obra de arte de forma autónoma, con independencia de la función social que cumpliera, ajena a motivaciones religiosas, políticas, económicas e ideológicas. Buscaban desarrollar una historia interna del arte (“el arte por el arte”). Llegaron a ver a esta disciplina según la máxima kantiana: como una actividad desinteresada o una finalidad sin fin. Esta corriente de pensamiento fue muy importante para el arte en el siglo XX, hasta ligarse a otros campos como la lingüística constructivista y la historia de las imágenes. Bajo este precepto surge FORMASOBREFONDO en Proyectos Monclova, la galería experimental para artistas emergentes. Bajo la curaduría de Willy Kautz, el montaje consiste en una revisión de la estética formalista contemporánea para establecer un diálogo con el conceptualismo en una dicotomía formalismo/conceptualismo. Su propósito es mostrar las relaciones diluidas entre las formas y los conceptos, la abstracción y la sintaxis. El título es un juego del esquema de la visualidad modernista de figura sobre fondo. La muestra colectiva reúne 44 piezas elaboradas con diversas técnicas como dibujo, collage o escultura a partir de materiales como cartón,

Con sangre de muertos y heridos se escribió la historia de uno de los periodos más violentos de nuestro país, la etapa de la conquista de México, a la cual el muralista José Clemente Orozco recordó con la exposición en la que se mostraba la crudeza de la batalla; y que hoy vuelve con el nombre de Orozco y los Teules, 1947 al Museo de Arte Carrillo Gil. José Clemente Orozco fue un importante muralista mexicano que en 1947 presentó una exhibición basada en la crónica Historia verdadera de la conquista de la Nueva España, escrita por el conquistador Bernal Díaz del Castillo, de la cual el pintor se inspiró para crear alrededor de 60 pinturas que fueron hechas por encargo de El Colegio Nacional, del que Orozco fue miembro fundador. En la exposición se muestran 43 de las obras que formaron parte de las piezas mostradas originalmente, entre ellas se encuentran pinturas, dibujos y acuarelas en las que se aprecia a los soldados del ejército español comandados por Hernán Cortés, a los indios en la batalla; además de costumbres, deidades, enfrentamientos y hechos históricos como La noche triste, que Orozco trató de representar desde un punto de vista neutral. El Museo de Arte Carrillo Gil preparó diversas actividades que acompañarán a la exhibición, como los conversatorios Perspectivas contemporáneas sobre el proceso de conquista, ¿Por qué destripar a un dios mexica? y Deconstrucción de la visión eurocéntrica de la conquista. Además del taller para principantes Dibujo anatómico cont

Magali Lara es reconocida por su trabajo en la pintura, su replanteamiento y valoración del óleo en tela y su propuesta expresada desde su primera exposición individual Tijeras, integrada por 10 dibujos con textos a manera de historietas y un libro de artista, hasta su muestra El futuro, exhibida en la Estación Indianilla en donde interpretó a través de 11 piezas su preocupación por la violencia en México. En su trayectoria de 50 años es imposible no formar parte de su introspección sobre el cuerpo femenino, la familia y la relación del hombre con la naturaleza.  Bajo la curaduría de la investigadora Cecilia Delgado, la muestra Del verbo estar en el Museo Universitario del Chopo es una retrospectiva de la obra de la artista mexicana en donde se aborda a través de 230 obras el cruce de soportes que Lara utiliza en su trabajo pictórico, caracterizado por las relaciones sensoriales y mentales de los espacios habitados dentro de su producción. Verás desde escritura, poesía y dibujo hasta estampa. El trabajo museográfico —concebido como una cinta de Moebius— ubica en el centro de la exhibición a la pintura como lenguaje artístico; en un extremo como instalación, una constelación de dibujos y estampas intervenidas por la propia artista y, en el otro lado, la producción de libros y cuadernos de la artista. “Para Magali la pintura no celebra otro enigma que el de la visibilidad. Es un tiempo concéntrico y simultáneo donde la línea, el color, la luz, el volumen y la perspectiva co

Una tela y pintura distribuida en la sala de la Galería Karen Huber nos remite a esa conversación que jamás realizamos, al mensaje que nunca contestamos, a las dos palomas azules del whatsapp. Con imágenes que nos guían a través de un recorrido lleno de nostalgia y, por momentos, crudeza, Manuel Solano nos presenta la exposición Desafiando a la autoridad.  Solano es un joven artista de 29 años, que a causa de una enfermedad perdió la vista; sin embargo, continua haciendo piezas cuya belleza reside en la melancolía, en la sinceridad y en la complicidad silenciosa que inspira a los visitantes.  El montaje compuesto por 26 obras entre las que destacan pinturas, videos, performance y esculturas es una reflexión sobre la cultura pop y la influencia que tiene ésta en nuestras acciones cotidianas. Algunas de las creaciones que verás son el autorretrato que le da nombre a la exhibición, el paisaje El día de mi primera comunión y la instalación Violentando la armonía elaborada a partir de una anécdota vivida en su infancia donde incendió un árbol de navidad. "En esta pieza conforme pasa el tiempo intervengo y coloco más cera sobre ella; es ahí donde violento el espacio", asegura Solano. También encontrarás las ilustraciones que realizó para la serie de cuentos We Can´t Make You Younger, del escritor Benoît Loiseau.  "Creo que esta exposición es el paso más claro que he dado hasta ahora, para dejarle claro al público que el tema en mi obra soy yo", considera el pintor. Desafiando a

El aprecio por la cultura japonesa en México surgió en 1614 con la llegada al puerto de Acapulco de la primera misión liderada por el samurái Hasekura Tsunenaga. Tiempo después, en 1897, cuando arribaron los primeros colonos japoneses a Soconusco, Chiapas —bajo la encomienda del almirante Enomoto Takeaki—, se reforzó el mestizaje cultural entre ambos países hasta convertirse en el tema central de esta exhibición del Museo Franz Mayer. Iroha. Diálogos en el arte. Japón-México evidencia la relación de 120 años entre estos dos mundos a través de objetos, caligrafía, técnicas y ornamentación. “En el siglo XVII y XVIII mercancías y personas eran transportadas mediante galeones, ésta fue la primera etapa de intercambio cultural. Posteriormente se hicieron presentes en la cultura popular y en el arte: en la cerámica, los textiles, los muebles, el arte, el diseño y más reciente en la gastronomía”, cuenta Karina Ruiz Ojeda, cocuradora de la exhibición. Destaca una instalación de armaduras samurái —en especial una que data de 1612— elaborada en acero, cuero, laca, madera y seda; y una katana confeccionada en el año 1227 con acero, madera y plata. Además de una cantina que perteneció a una familia mexicana que vivió en Japón durante la primera mitad del siglo XX. “Incluye un juego de copas, charolas y coctelera, tanto el mueble como todos los utensilios que contiene están elaborados en laca y concha. Junto a esta serie, conviven ornamentos novohispanos de la Colección Museo Franz Maye

Sonrisas maliciosas, miradas macabras y figuras extrañas son sólo parte de lo que encontrarás en Monstruosismos y nueva figuración, la exposición que reúne 43 piezas que rompen con los estándares preconcebidos de la belleza y con el supuesto de lo que el arte debe ser, mostrar y provocar al espectador. Monstruosismo es el término que se acuñó para clasificar a aquellas obras que transgreden los patrones de belleza, de lo verdadero y lo justo, y se caracteriza por mostrar figuras humanoides cuyos rostros y cuerpos sufren de alguna deformación o distorsión; además de mostrar la bestia escondida detrás de la apariencia pulcra de la humanidad. Bajo la curaduría de Daniela Tarazona, el Museo Mural Diego Rivera acoge la segunda parte del montaje realizado en diciembre de 2016 en el Museo de Arte Moderno llamado de la misma manera a la presentada en esta ocasión. Ahora compuesta por piezas de artistas como José Luis Cuevas, Arnold Belkin, Vladimir Rusakov, Diego Rivera, José Clemente Orozco, Jorge González Camarena, Helio Montiel, Juan O’ Gorman, Xavier Esqueda y Rafael Coronel. Destaca el grabado en gran formato Las meninas caribeñas, de "Vlady" Rusakov en el que verás entidades extrañas resultado de una fusión entre humanos y animales. También encontrarás esculturas, dibujos, gráfica y fotografías provenientes del acervo MAM y cinco colecciones públicas y privadas.  En el espacio lúdico del museo se encuentra la instalación La sombra del monstruo-ser, de Rubén Maya. Seres dotad