Edward Hopper, Noctámbulos, 1942
Photograph: Courtesy The Art Institute of Chicago/Friends of American Art Collection

Las mejores pinturas de todos los tiempos

Desde el retrato de Jan Van Eyck hasta la obra maestra de Gustav Klimt, las siguientes pinturas famosas han superado la prueba del tiempo

Por Howard Halle
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La pintura es un antiguo medio que data desde hace 40,000 años atrás, cuando los primeros seres humanos aplicaron ocre y carbón a las paredes de una cueva para crear imágenes de animales o plantillas de sus propias huellas. En otras palabras, la pintura estuvo presente en el nacimiento del pensamiento simbólico, precediendo a la palabra escrita por alrededor de 35,000 años. Incluso con el inicio de la era moderna y la introducción de la fotografía, el cine y la tecnología digital, la pintura sigue siendo un medio de expresión que persiste a pesar de los pronunciamientos sobre su muerte.

Es imposible mencionar cuántas obras han sido creadas durante milenios, lo que sabemos es que solo un porcentaje relativamente pequeño se consideran clásicos y se han vuelto familiares para el público. No es coincidencia que estos clásicos son producidos por algunos de los artistas más famosos de todos los tiempos. Esto puede parecer obvio, pero deja abierta la pregunta de qué combinación de talento, genio y circunstancia conduce a la creación de una obra maestra. Quizás la respuesta más simple es que reconoces una de estas pinturas cuando la vez, ya sea en alguno de los muchos museos de Nueva York o en instituciones en cualquier otra parte del mundo. Nosotros, por supuesto, tenemos nuestra opinión sobre lo que hace que tengan ese grado y los presentamos aquí en nuestra lista de las mejores pinturas de todos los tiempos.

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Las pinturas más famosas de todos los tiempos

Leonardo da Vinci OPERA OMNIA
Leonardo da Vinci OPERA OMNIA
Foto: Cortesía Opera Omnia

1. Leonardo Da Vinci, Mona Lisa, 1503

Pintado entre 1503 y 1517, el atractivo retrato de Da Vinci ha sido perseguido por dos preguntas desde el día en que se hizo: ¿Quién es el sujeto y por qué está sonriendo? A lo largo de los años se han presentado varias teorías: que es la esposa del comerciante florentino Francesco di Bartolomeo del Giocondo (por eso, el título alternativo de la obra, La Gioconda); que ella es la madre de Leonardo, Caterina, evocada de los recuerdos de la infancia de Leonardo; y finalmente, que es un autorretrato.

En cuanto a esa sonrisa famosa, su calidad enigmática ha enloquecido a las personas durante siglos. Cualquiera que sea la razón, la mirada de calma sobrenatural de la Mona Lisa coincide con el paisaje idealizado detrás de ella, que se disuelve en la distancia a través del uso de la perspectiva atmosférica de Leonardo.

Johannes Vermer, La joven de la perla, 1665
Johannes Vermer, La joven de la perla, 1665
Photograph: Courtesy CC/Flickr/Nat507

2. Johannes Vermer, La joven de la perla, 1665

El estudio de Johannes Vermeer de 1665 sobre una mujer joven es sorprendentemente real y sorprendentemente moderno, casi como si fuera una fotografía. Esto entra en el debate sobre si Vermeer empleó o no un dispositivo pre-fotográfico llamado cámara oscura para crear la imagen.

Dejando eso de lado, la modelo es desconocida, aunque se especuló que podría haber sido la criada de Vermeer. Él la representa mirando por encima de su hombro, mirando a los ojos del espectador como si intentara establecer una conexión íntima a lo largo de los siglos. Técnicamente hablando, la obra no es un retrato, sino un ejemplo del género holandés llamado tronie: un adorno en la cabeza significaba más una naturaleza muerta, que un intento de capturar el parecido.

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Sandro Botticelli
Sandro Botticelli
Photograph: Courtesy CC/Flickr/arselectronica

3. Sandro Botticelli, El nacimiento de Venus, 1484-1486

El nacimiento de Venus de Botticelli fue el primer desnudo de cuerpo entero no religioso de la antigüedad, y fue hecho para Lorenzo de Medici. Se afirma que la figura de la Diosa del Amor sigue el modelo de Simonetta Cattaneo Vespucci, cuyos favores supuestamente fueron compartidos por Lorenzo y su hermano menor, Giuliano. Venus es vista siendo llevada a la tierra en una concha gigante por los dioses del viento Zephyrus y Aura mientras la personificación de la primavera aguarda en la tierra con una capa.

Como era de esperar, Venus atrajo la ira de Savonarola, el monje dominicano que dirigió una ofensiva fundamentalista sobre los gustos seculares de los florentinos. Su campaña incluyó la infame "Hoguera de las vanidades" de 1497, en la que objetos "profanos" (cosméticos, obras de arte, libros) fueron quemados en una pira. El nacimiento de Venus estaba programado para su incineración, pero de alguna manera escapó de la destrucción. Sin embargo, Botticelli estaba tan asustado por el incidente que dejó de pintar por un tiempo.

'Noite Estrelada' (1889), Vincent van Gogh
'Noite Estrelada' (1889), Vincent van Gogh
© DR

4. Vincent van Gogh, La noche estrellada, 1889

La pintura más popular de Vincent Van Gogh, La noche estrellada, fue creada por Van Gogh en el manicomio de Saint-Rémy, donde se había comprometido en 1889. De hecho, La noche estrellada parece reflejar su turbulento estado mental en ese momento, ya que el cielo nocturno cobra vida con remolinos y orbes de pinceles aplicados frenéticamente que brotan del yin y el yang de sus demonios personales y de su asombro por la naturaleza.

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James Abbott McNeill Whistler, Arreglo en Gris y Negro No. 1, 1871
James Abbott McNeill Whistler, Arreglo en Gris y Negro No. 1, 1871
Photograph: REX/Shutterstock/Universal History Archive

5. James Abbott McNeill Whistler, Arreglo en gris y negro No. 1, 1871

La madre de Whistler, o Arreglo en gris y negro No. 1, como se titula en realidad, habla de la ambición del artista de perseguir el arte por el arte. James Abbott McNeill Whistler pintó la obra en su estudio de Londres en 1871, y en ella, la formalidad del retrato se convierte en un ensayo en forma. La madre de Whistler, Anna, es representada como uno de varios elementos encerrados en una disposición de ángulos rectos. Su expresión severa encaja con la rigidez de la composición, y es algo irónico notar que a pesar de las intenciones formalistas de Whistler, la pintura se convirtió en un símbolo de la maternidad.

pintura
pintura
Pintura: Gustav Klimt

6. Gustav Klimt, El Beso, 1907-1908

Opulentamente dorado y con un diseño extravagante, El beso, el retrato de la intimidad de Gustav Klimt de fin de siglo, es una mezcla de simbolismo y Jugendstil de Viena (la variante austriaca del Art Nouveau).

Klimt describe a sus temas como figuras míticas modernizadas por exuberantes superficies de motivos gráficos actuales. La obra es un punto culminante de la "fase dorada" del artista entre 1899 y 1910 cuando a menudo usaba pan de oro, una técnica inspirada en un viaje de 1903 a la Basílica de San Vitale en Rávena, Italia, donde vio los famosos mosaicos bizantinos de la iglesia.

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Jan van Eyck, El retrato de Arnolfini, 1434
Jan van Eyck, El retrato de Arnolfini, 1434
Photograph: Courtesy CC/Flickr/Centralasian

7. Jan van Eyck, El retrato de Arnolfini, 1434

Una de las obras más significativas producidas durante el Renacimiento del Norte. Se cree que esta composición es una de las primeras pinturas ejecutadas en óleos. Un retrato doble de cuerpo entero, supuestamente retrata a un comerciante italiano y una mujer que puede o no ser su novia. En 1934, el famoso historiador de arte, Erwin Panofsky, propuso que la pintura es en realidad un contrato de boda. Lo que se puede decir de manera confiable es que la pieza es una de las primeras representaciones de un interior que utiliza una perspectiva ortogonal para crear una sensación de espacio que parece contigua a la del espectador; se siente como una pintura en la que podrías entrar.

Bosch leaderbox
Bosch leaderbox
Photograph: Courtesy CC/Flickr/Centralasian

8. Hieronymus Bosch (El Bosco), El jardín de las delicias, 1503-1515

Este tríptico fantástico generalmente se considera un precursor distante del surrealismo. En verdad, es la expresión de un artista medieval tardío que creía que dios y el diablo, el cielo y el infierno eran reales. De las tres escenas representadas, el panel izquierdo muestra a Cristo presentando a Eva a Adán, mientras que la derecha presenta las depredaciones del infierno; menos claro es si el panel central representa el cielo. En la visión ardiente del infierno de El Bosco, un enorme par de orejas empuñan un cuchillo fálico y ataca a los condenados, mientras un rey insecto con pico de pájaro sentado en su trono que es a la vez un orinal, devora a los condenados antes de defecarlos rápidamente. Este motín de simbolismos ha sido en gran medida inmune a la interpretación, lo que puede explicar su atractivo generalizado.

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A Sunday on La Grande Jatte - 1884
A Sunday on La Grande Jatte - 1884
Courtesy The Art Institute of Chicago/Helen Birch Bartlett Memorial Collection

9. Georges Seurat, Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1884-1886

La obra maestra de Georges Seurat, que evoca el París de La Belle Epoque, en realidad representa una escena suburbana de clase trabajadora fuera del centro de la ciudad. Seurat a menudo hizo de este medio su tema, que difería de las representaciones burguesas de sus contemporáneos impresionistas.

Seurat rechazó el enfoque de capturar el momento de Manet, Monet y Degas, optando por la sensación de permanencia intemporal que se encuentra en la escultura griega. Y eso es exactamente lo que obtienes en esta procesión de figuras tipo friso cuya quietud está en consonancia con el objetivo de Seurat de crear un paisaje clásico en forma moderna.

Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907
Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907
Photograph: Courtesy CC/Flickr/Wally Gobetz

10. Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907

El lienzo del arte del siglo XX, Las señoritas de Avignon, marcó el comienzo de la era moderna al romper decisivamente con la tradición representativa de la pintura occidental, incorporando alusiones a las máscaras africanas que Picasso había visto en el museo etnográfico de París en el Palacio del Trocadro. El ADN que lo compone también incluye La visión de San Juan de El Greco (1608–14), que ahora cuelga en el Museo Metropolitano de Arte. Las mujeres representadas son en realidad prostitutas en un burdel en la Barcelona natal de la artista.

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Pieter Bruegel “El viejo”, Las espigadoras 1565
Pieter Bruegel “El viejo”, Las espigadoras 1565
Photograph: Courtesy the Metropolitan Museum of Art

11. Pieter Bruegel “El viejo”, Las espigadoras, 1565

Esta composición fue una de las seis creadas sobre el tema de las estaciones. Probablemente sea a principios de septiembre. Un grupo de campesinos a la izquierda corta y agrupa el trigo maduro, mientras que a la derecha, otro grupo toma su comida del mediodía. Una figura es sacada debajo de un árbol con los pantalones desabrochados. Esta atención al detalle continúa a lo largo de la pintura como una procesión de observaciones cada vez más granulares que retroceden en el espacio. Fue extraordinario por un tiempo cuando los paisajes servían principalmente como telones de fondo para pinturas religiosas.

Édouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863
Édouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863
Photograph: Courtesy CC/Wikimedia Commons/RMN (Musee d'Orsay)/Herve Lewandowski

12. Édouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863

La escena de picnic de los parisinos de Manet causó un escándalo cuando debutó en el Salon des Refusés, la exposición alternativa compuesta por obras rechazadas por los jurados del Salón anual, la exposición de arte oficial de la Academia de Bellas Artes que estableció estándares artísticos en Francia.

Las objeciones más vociferantes al trabajo de Manet se centraron en la representación de una mujer desnuda en compañía de hombres vestidos con ropa contemporánea. Basado en motivos tomados de grandes artistas del Renacimiento como Raphael y Giorgione, Le Déjeuner fue un descarado envío de la figuración clásica, una combinación insolente de la vida moderna y la tradición de la pintura.

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Piet Mondrain, Composición con rojo, azul y amarillo, 1930
Piet Mondrain, Composición con rojo, azul y amarillo, 1930
Photograph: Courtesy Kunsthaus Zürich/Geschenk Alfred Roth/1987

13. Piet Mondrain, Composición con rojo, azul y amarillo, 1930

Una pequeña pintura (18 pulgadas por 18 pulgadas) que tiene un gran impacto histórico artístico. El trabajo de Mondrian representa una destilación radical de forma, color y composición en sus componentes básicos. Limitando su paleta a la tríada primaria (rojo, amarillo y azul), más blanco y negro, Mondrian aplicó pigmento en parches planos sin mezclar; en una disposición de cuadrados y rectángulos que anticipaban el minimalismo.

Diego Rodríguez de Silva y Velázuez, Las Meninas, o la familia del rey Felipe IV
Diego Rodríguez de Silva y Velázuez, Las Meninas, o la familia del rey Felipe IV
Photograph: Courtesy Museo Nacional Del Prado

14. Diego Rodríguez de Silva y Velázuez, Las Meninas, o la familia del rey Felipe IV

Una pintura de una pintura dentro de una pintura, la obra maestra de Velázquez consta de diferentes temas en uno: un retrato de la familia real de España y su séquito en el estudio de Velázquez; un autorretrato; una muestra casi de arte por arte del trabajo de pincel bravura; y una escena interior, que ofrece vislumbres de la vida laboral de Velázquez. Las Meninas también es un tratado sobre la naturaleza de la vista, así como un enigma que confunde a los espectadores sobre lo que están viendo exactamente. Es el equivalente en artes visuales de romper la cuarta pared, o en este caso, la pared del fondo del estudio donde cuelga un espejo que refleja los rostros del Rey y la Reina españoles. Inmediatamente esto sugiere que la pareja real está de nuestro lado del plano de la imagen, lo que plantea la cuestión de dónde estamos en relación con ellos. Mientras tanto, la representación completa de Velázquez de sí mismo en su caballete plantea la pregunta de si se está mirando en un espejo para pintar la imagen. En otras palabras, ¿los sujetos de Las Meninas (todos los cuales están fijando su mirada fuera del marco), nos miran o se miran a sí mismos?

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Francisco de Goya y Lucientes, La Maja desnuda, circa 1797-1800
Francisco de Goya y Lucientes, La Maja desnuda, circa 1797-1800
Photograph: Courtesy Museo Nacional Del Prado

15. Francisco de Goya y Lucientes, La Maja desnuda, circa 1797-1800

Definitivamente cómoda en su propia piel, esta mujer desnuda que miraba sin vergüenza al espectador causó un gran revuelo cuando fue pintada, e incluso metió a Goya en el agua caliente con la Inquisición española. Entre otras cosas, presenta una de las primeras representaciones de cabello público en el arte occidental. Por encargo de Manuel de Godoy, Primer Ministro de España, La Maja desnuda fue acompañado por otra versión con la modelo vestida. La identidad de la mujer sigue siendo un misterio, aunque se cree que es la joven amante de Godoy, Pepita Tudó.

Pablo Picasso, La Guernica, 1937
Pablo Picasso, La Guernica, 1937
Photograph: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia/Sucesion Pablo Picasso/VEGAP/2017

16. Pablo Picasso, La Guernica, 1937

Quizás la pintura más conocida de Picasso, La Guernica es un cris de coeur (El corazón llora) contra la guerra ocasionado por el bombardeo de 1937 de la ciudad vasca del mismo nombre durante la Guerra Civil española por aviones alemanes e italianos aliados con el líder fascista Francisco Franco. El gobierno de izquierda que se le opuso le encargó a Picasso que creara la pintura para el Pabellón español en la Feria Mundial de 1937 en París. Cuando cerró, La Guernica realizó una gira internacional, antes de terminar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Picasso prestó la pintura al MoMA con la estipulación de que sería devuelta a su España natal una vez que se restaurara la democracia, que fue en 1981, seis años después de la muerte de Franco en 1975 (el propio Picasso murió dos años antes de eso). Hoy, la pintura es ubicado en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

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Jean Auguste Dominique Ingres, La Gran Odalisca, 1814
Jean Auguste Dominique Ingres, La Gran Odalisca, 1814
Photograph: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Web Gallery of Art

17. Jean Auguste Dominique Ingres, La Gran Odalisca, 1814

Por encargo de la hermana de Napoleón, la reina Caroline Murat de Nápoles, La Gran Odalisca representó la ruptura del artista con el estilo neoclásico con el que se había identificado durante gran parte de su carrera. El trabajo podría describirse como manierista, aunque generalmente se lo considera una transición al romanticismo, un movimiento que abjuró de la precisión, formalidad y equilibrio del neoclasicismo a favor de provocar reacciones emocionales del espectador.

Esta representación de una concubina posada lánguidamente en un sofá es notable por sus extrañas proporciones. Anatómicamente incorrecta, esta figura enigmática y extraña fue recibida con burlas por los críticos de la época, aunque finalmente se convirtió en una de las obras más duraderas de Ingres.

Eugene Delacroix, La libertad guiando al pueblo, 1830
Eugene Delacroix, La libertad guiando al pueblo, 1830
Photograph: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Erich Lessing/Art Resource NY/Artres

18. Eugene Delacroix, La Libertad guiando al pueblo, 1830

Conmemorando la Revolución de julio de 1830, que derrocó al Rey Carlos X de Francia, La Libertad guiando al pueblo se ha convertido en sinónimo del espíritu revolucionario en todo el mundo. Combinando alegoría con elementos contemporáneos, la pintura es un emocionante ejemplo del estilo romántico, yendo por las entrañas con su personaje titular blandiendo el tricolor francés mientras miembros de diferentes clases se unen detrás de ella para asaltar una barricada sembrada de cuerpos de camaradas caídos. La imagen ha inspirado otras obras de arte y literatura, incluida la Estatua de la Libertad y la novela de Victor Hugo, Los miserables.

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Claude Monet, Impresión, sol naciente, 1874
Claude Monet, Impresión, sol naciente, 1874
Photograph: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Art Database

19. Claude Monet, Impresión, sol naciente, 1874

La figura definitoria del impresionismo, Monet, virtualmente le dio su nombre al movimiento con su pintura del amanecer sobre el puerto de Le Havre, la ciudad natal del artista. Monet era conocido por sus estudios sobre la luz y el color, y este lienzo ofrece un espléndido ejemplo con una ráfaga de pinceladas que representan el sol como una esfera naranja que se abre paso entre una nebulosa fusión de agua y cielo.

Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes, 1819
Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes, 1819
Photograph: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Cybershot800i

20. Caspar David Friedrich, El caminante sobre el mar de nubes, 1819

La adoración a la naturaleza, o más precisamente, el sentimiento de asombro que inspiró, fue una firma del estilo romántico en el arte, y no hay mejor ejemplo en ese sentido que esta imagen de un excursionista en las montañas, deteniéndose en un afloramiento rocoso para disfrutar de su entorno. Da la espalda al espectador como si estuviera demasiado cautivado con el paisaje como para darse la vuelta, pero su pose ofrece una especie de vista sobre el hombro que nos lleva a la vista como si lo estuviéramos viendo a través de sus ojos.

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Théodore Géricault, la balsa de la medusa, 1818-1819
Théodore Géricault, la balsa de la medusa, 1818-1819
Photograph: Courtesy CC/Wikimedia Commons

21. Théodore Géricault, La balsa de la medusa, 1818-1819

Por puro impacto, es difícil superar La balsa de la medusa, en el que Géricault tomó un evento de noticias contemporáneo y lo transformó en un ícono atemporal. La historia de fondo comienza con el hundimiento en 1818 del buque naval francés frente a la costa de África, que dejó a 147 marineros a la deriva en una balsa construida apresuradamente. De ese número, solo quedaban 15 después de una prueba de 13 días en el mar que incluía incidentes de canibalismo entre los hombres desesperados.

La pintura más grande que el tamaño real, distinguida por una dramática composición piramidal, captura el momento en que la tripulación demacrada de la balsa ve un barco de rescate. Géricault realizó el lienzo masivo por su cuenta, sin que nadie lo pagara, y lo abordó como un periodista de investigación, entrevistando a sobrevivientes y realizando numerosos estudios detallados basados ​​en su testimonio.

Edward Hopper, Noctámbulos, 1942
Edward Hopper, Noctámbulos, 1942
Photograph: Courtesy The Art Institute of Chicago/Friends of American Art Collection

22. Edward Hopper, Noctámbulos, 1942

Una representación icónica del aislamiento urbano, Noctámbulos representa a los personajes en la noche dentro de un cuarto, en una barra de cafetería, con una ventana envolvente expansiva que casi ocupa toda la fachada del restaurante. Su interior brillantemente iluminado, la única fuente de iluminación para la escena, inunda la acera y los edificios circundantes, que de otro modo serían oscuros. El exterior de cristal del restaurante crea un efecto de vitrina que aumenta la sensación de que los sujetos (tres clientes y un empleado) están solos pero juntos. Es un estudio de alienación, ya que las figuras se ignoran cuidadosamente mientras se pierden en un estado de ensueño o agotamiento.

El restaurante se basó en uno demolido durante mucho tiempo en el vecindario de Greenwich Village de Hopper, y algunos historiadores de arte han sugerido que la pintura en su conjunto puede haber sido inspirada por el Café Terrace at Night de Vincent van Gogh, que estaba en exhibición en una galería que Hopper frecuentaba al mismo tiempo que pintó Noctámbulos. También es de destacar: La mujer pelirroja en el extremo derecho es la esposa del artista Jo, quien frecuentemente modelaba para él.

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Macel Duchamp, Desnudo descendiendo una escalera, No. 2, 1912
Macel Duchamp, Desnudo descendiendo una escalera, No. 2, 1912
Photograph: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Philadelphia Museum of Art

23. Macel Duchamp, Desnudo descendiendo una escalera, No. 2, 1912

A principios del siglo XX, los estadounidenses sabían poco sobre el arte moderno, pero todo eso cambió abruptamente cuando se realizó una incursión a los principales modernistas de Europa en el 69 Regimiento de Armería de la ciudad de Nueva York, en la avenida Lexington entre las calles 25 y 26. El espectáculo se tituló oficialmente como Exposición Internacional de Arte Moderno, pero desde entonces se lo conoce simplemente como el Armory Show. Fue un succès de scandale de proporciones épicas, lo que provocó una protesta de los críticos que llegaron a la primera plana de los periódicos.

En el centro estaba esta pintura de Marcel Duchamp. Una mezcla estilística de cubismo y futurismo, la descripción de Duchamp del sujeto titular en exposición múltiple evoca un movimiento a través del tiempo y el espacio, y se inspiró en los estudios de movimiento fotográfico de Eadweard Muybridge y Étienne-Jules Marey. La construcción plana de la figura provocó la mayor ira, convirtiendo la pintura en una barra de iluminación para el ridículo. El crítico de arte del New York Times lo denominó "una explosión en una fábrica de guijarros", y The New York Evening Sun publicó una versión satírica de dibujos animados de Desnudo con el título "The Rude Descending a Staircase (Rush Hour at the Subway)", en la que los viajeros se empujan y empujan unos a otros en su camino hacia el tren. Desnudo fue una de las pocas pinturas que Duchamp realizó antes de dedicarse a los experimentos conceptualistas (como Readymades y The Large Glass) por los que es conocido.

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