Las mejores series de televisión

Ya sea por Netflix, televisión abierta o privada, tienes que checar estas series televisivas

Imagen de la serie original de Netflix, Glow
Foto: Cortesía Netflix

¡También puedes disfrutar desde tu casa! Para esos momentos en los que sólo quieres estar en el sillón, con un buen trago y viendo la tele, te decimos cuáles son las series que no debes perderte.

Series de televisión imperdibles

Supongamos que Nueva York es una ciudad
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Supongamos que Nueva York es una ciudad

Si hay tres cosas que necesitamos en este punto de 2021 (o extensión de 2020), esas son: viajes que nos saquen del sillón que hemos calentado los últimos 10 meses, risas que sean consecuencia de verle el lado “divertido” a todo y shows breves. Eso es apenas la punta del iceberg de la nueva serie de Netflix, Supongamos que Nueva York es una ciudad (Pretend It's a City). Aunque, claro, al descubrir el nombre de su protagonista (Fran Lebowitz) deducirás que no será un usual viaje a la Gran Manzana y las gracias no brotarán de los apuntes más amigables. Con el pretexto de llevarnos por el subterráneo, los cruces tumultuosos y las vistas de los rascacielos de Manhattan, Martin Scorsese (con rol de director, productor y entrevistador en este documental) en realidad rinde su cámara ante la mordaz personalidad de su amiga Fran Lebowitz, escritora conocida en Manhattan (y para muchos la Dorothy Parker de esta época) por su cáustico humor y sus observaciones agudas acerca de la vida en la ciudad que domina desde los setentas —cuando el escenario no era el más Friends—.  No te angusties si el nombre de la autora de Social Studies no te es familiar, esa no es restricción para disfrutar de esta serie; de hecho, pareciera que su objetivo es mostrar al mundo no neoyorkino las aristas del personaje. Retomando el formato de una anterior colaboración juntos (Public Speaking, 2010), Supongamos que Nueva York es una ciudad tiene como columna vertebral entrevistas entre Scorsese y Lebowitz —en un speakeasy de la ciudad o sobre una réplica miniatura de la misma—, y se complementa con imágenes de archivo de charlas entre ella y figuras como Spike Lee y Olivia Wilde.  Foto: Cortesía Netflix. De esta forma, Pretend It's a City te conduce por sintéticas reflexiones de temas profundos y te estampa tres segundos después contra el sarcasmo de su protagonista: Fran apunta hacia aquello que no está tan en el foco de la vida LGBT, del #MeToo, de la hostilidad de sus vecinos, del consumismo, de la tecnología y más, solo para hacerte soltar la carcajada de inmediato —casi en todos los casos—.  Aunque la idolatría del realizador hacia su protagonista es muy evidente —en ocasiones te vas a reír más de las reacciones de Martin, que de las declaraciones de la entrevistada—, el retrato final de Fran no tiene la intención de mostrarla perfecta. El diálogo que atestiguas, y que en ocasiones se torna monólogo, te lleva a entender por qué hay equilibrio entre seguidores y detractores de la escritora. Por el aire snob de sus declaraciones y los acentos de soberbia que hay en sus afirmaciones, seguramente no desearás encontrártela nunca en el metro de Nueva York. Eso sí, querrás escuchar cada detalle de su experiencia laboral con Andy Warhol o cómo es que porta mancuernillas hechas por el gran Alexander Calder o el día en que Leo DiCaprio le salvó una estancia en un avión. Con sus siete capítulos de 30 minutos o menos, Supongamos que Nueva York es una ciudad no hará que te despegues de tu sillón —vas a maratonear, te lo aseguramos—, pero sí te hará olvidar que estás en él desde hace 10 meses o más. Supongamos que Nueva York es una ciudad. Por Netflix

Invincible
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Invincible

La plataforma de Amazon encontró una mina de oro con The Boys, serie en la que mostró que todas las reglas de Marvel y DC se podían romper, llevado a los superhéroes a un lugar totalmente oscuro. La producción no solo se convirtió en uno de los shows con más reproducciones de su catálogo, además hizo que llegaran al nivel de Netflix y Disney+ en el ranking mundial.Ese éxito los motivó a seguir la misma línea: ahora estrenan la serie Invincible, basada en el popular cómic homónimo de 2002 creado por Robert Kirkman, justo cuando su nombre no era automáticamente relacionado con The Walking Dead. Sangre, humor negro, golpes y mucho drama es lo que tendremos en esta serie animada que se espera sea una de las mejores de 2021.Invincible nos presenta a Mark Grayson, el típico adolescente de preparatoria que un día descubre que su papá es en realidad Omni-Man, el superhéroe más poderoso del planeta y miembro de Guardians of the Globe. También se entera de que al cumplir 17 años empezará a desarrollar poderes, por lo que su padre lo entrenará para convertirlo en su sucesor. Ahora su vida girará entorno a controlar sus habilidades, tener a la chica de sus sueños y entrar a la universidad. Hasta aquí todo parece la típica historia del origen de un héroe, pero lo que la hace destacar de todas las demás es su tono violento y sorprendentes giros de tuerca. Más allá de Mark, el show nos entrega varias historias secundarias que van desarrollándose de manera alterna para conectar con la principal y explotar. No olvidemos que Robert Kirkman es el productor ejecutivo, así que procuró que la serie fuera lo más fiel al cómic y por esta razón quiso plasmar el lado bueno y malo de lo que significa tener súperpoderes y vivir con ellos. El estilo visual replica lo que Cory Walker y Ryan Ottley hicieron en la historieta: tenemos mucho color, escenarios espectaculares y un cuidado impecable; por ejemplo, si estamos en un lugar que acaba de ser destruido, las texturas casi nos hacen sentir el polvo en nuestros ojos. En un universo de cultura pop repleto de héroes y villanos, parece que nada nos puede sorprender, pero aquí los personajes son tan atractivos y complejos que cuando crees que los conoces te asombran al revelar su verdadera personalidad. Además, los actores que prestan su voz son de primera clase: Steven Yeun (Minari) es el protagonista; mientras Nolan es el ganador del Oscar J.K. Simmon (Whiplash) y Sandra Oh la mamá. El mismísimo Luke Skywalker, Mark Hamill, es Art Rosebaum; sin olvidar a Jon Hamm, Ezra Miller, Zachary Quinto y Seth Rogen. Pero si hay algo que debe emocionar a los fans de The Walking Dead es que Sonequa Martin-Green, Khary Payton y Lauren Cohan participan. ¡¿Qué?! ¿Lauren y Steven en la misma producción? OMG! Glenn y Maggie 4ever. Invincible, que constará de ocho capítulos, es un verdadero homenaje a los superhéroes porque nos transmite toda la emoción, la angustia y sobre todo la ridiculez que siempre trae este tipo de historias. Será una buena acompañante de la serie The Boys. Así que todos los que esten necesitados de una reinvención al género y mucha violencia sin sentido, sean bienvenidos al universo que Prime Video está creando —que no es apto para niños ni personas de estómago sensible—. Invincible Prime Video. Estreno: Viernes 26 de marzo.  Recomendado: Resumen de la segunda temporada de The Umbrella Academy por capítulos. 

WandaVision
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WandaVision

Después de todo el drama de Avengers: Endgame, Disney+ presenta WandaVision, la serie que funciona como entrada a la cuarta fase del Universo Cinematográfico de Marvel, que en un principio arrancaría con Viuda Negra con Scarlett Johansson, pero que gracias a la pandemia, tuvo que reestructurarse.Para entender mejor qué está pasando en esta serie en la que Wanda y Vision son los protagonistas, llega nuestro resumen semanal en el que desmenuzamos detalladamente cada capítulo para que no se nos vaya ni un detalle. De la mano de Stivi de Tivi, sigue los pasos de la Bruja Escarlata y Visión en esta miniserie de Disney+. Recomendado: Resumen de la tercera temporada de Dark por capítulos.

Losing Alice
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Losing Alice

Ya pasaron 10 años desde que la televisión israelí se ha convertido en referencia al crear series. Sus producciones han conquistado al público de todo el mundo, incluso los últimos grandes éxitos en la TV americana como Homeland, Euphoria o In Treatment son remakes gringos de populares programas de Israel. Aprovechando el talento y la originalidad, AppleTV+, estrena la serie Losing Alice el viernes 22 de enero, la segunda producción israelí que han distribuido (la primera fue Tehran). Aquí nos presentan a Alice, una directora que se siente frustrada porque su carrera ya se ha estancado hasta que conoce a Sophie, una joven y atractiva mujer que acaba de escribir un guion que obsesiona a la protagonista a tal grado de quererlo dirigir, aunque tenga que sacrificar muchas cosas, entre ellas su matrimonio. Esta producción fue creada y producida por la directora americana-israelí Sigal Avin, quien ha tenido una gran carrera en el medio audiovisual. La realizadora, junto a la actriz Ayelet Zurer (Man of Steel), Gal Toren y Shai Avivi nos contaron sobre el estreno de esta serie y la presencia femenina en la televisión israelí. ¿Cómo nace la idea de Losing Alice? Sigal Avin: Todo empezó con una imagen en mi cabeza que por años no me pude sacar: dos mujeres que se conocen en un tren. Una es una directora madura y la otra una joven femme fatale. Al escribir el guion, esa era la imagen que quería seguir y de ahí empecé a crear lo que iban a decir. Ese momento fue el que explotó la creación de la serie y lo pueden ver en los primeros minutos del primer episodio. Foto: Cortesía AppleTV+ Losing Alice es un programa totalmente distinto. ¿Qué les llamó la atención para aceptar el papel?Ayelet Zurer: Lo que me atrajo fue el guion. Es muy raro que llegue un trabajo como este, especialmente si eres mujer. Algo complejo y real. Los personajes son multidimensionales y el camino abarca varios lugares, nunca sabes a donde va, crees que tomará este camino y se va para otro y luego otro. Alice, mi personaje, tiene un viaje alejado del blanco o negro, algo tipo gris como la vida y eso disfruté. También me atrajo la idea de ver a Alice perderse con Alicia en el mundo de las maravillas, lo que te pasa cuando estás en esa búsqueda y el precio que debes de pagar. Eso me llamo la atención de una manera muy personal. Gal Toren: Hago a un actor que interpreta a otro personaje dentro del show. Me parece tan interesante y refrescante por tener la oportunidad de hacer una versión parecida a mí, pero que va a los más profundo de mí ser dejándome llevar. Shai Avivi: Mi conexión con el personaje que interpreto y con todo el guion fue que sentí que Sophie me hablaba a mí, aunque suene cliché. Es un personaje peligroso en el mal sentido de la palabra, que podría interpretarlo alejándome totalmente de mí; si funciona ese será el mayor regalo para mí como actriz. La serie presenta mujeres que se atreven a salir de lo establecido por la sociedad. ¿Era esa la intención principal?Sigal Avin: Era muy importante para mí plasmar eso, porque generalmente cuando vemos mujeres cruzando líneas es porque deben de proveer a su familia, porque el hombre está enfermo, acaba de morir o por alguna razón heroica y quería presentar a una mujer que cruza las líneas porque ella lo desea, por placer y para ella misma como lo suelen hacer los personajes masculinos. Me encantaría ver más mujeres como Alice en la pantalla. Losing Alice es un show con fuerte presencia femenina. ¿Cuál es la importancia de que esto se pueda ver a nivel mundial?Gal Toren: Para mí es necesario que tengamos más shows cargados de presencia femenina y sobre todo que sea dirigido, creado y producido por mujeres fuertes, aquí todo el ambiente es 90% femenino. Yo di la poca presencia masculina. Es muy importante dar una voz real en la que los hombres no interfieren en la creación principal. Shai Avivi: Qué bueno que mencionas el ambiente laboral, porque para mí fue mi inspirador trabajar con mujeres de compañeras, desde la dirección hasta en la actuación. Aprender en el set de estas poderosas compañeras fue enriquecedor. Ver a Sigal en la silla de dirección haciéndo su trabajo fue una experiencia única ya que nadie y mucho menos los hombres hubieran podida entender los sentimientos y las situaciones. Balancear la satisfacción personal con la familiar. Se puede ser exitosa y ambiciosa sin tener que ser considerada manipuladora o agresiva. Desconozco la situación de las mujeres dirigiendo y actuando en Israel. ¿Me pueden comentar un poco al respecto de esto?Sigal Avin: Probablemente y lamentablemente como en el resto del mundo hay un pequeño porcentaje de mujeres dirigiendo a comparación de los hombres. En películas tal vez hay un poco más, pero en televisión no hay mujeres dirigiendo. Ayelet Zurer: La respuesta es similar en todo el mundo. Tengo la fortuna de tener una larga carrera trabajando y solo me han dirigido tres mujeres directoras, entonces ahí está la balanza. Esa es la situación. Pero ahora, sobre todo hace tres años, he visto la diferencia; aunque no te puedo asegurar si en la televisión en Israel ha cambiado como lo ha hecho en Estados Unidos. Por ejemplo, el tema de la sexualidad femenina en la televisión israelí lleva tiempo tocándose en el cine y muy poco en la TV. Lo maravilloso de Losing Alice es que la directora usa un lenguaje cinematográfica para hablar de una mujer directora lo cual funciona perfecto de esa manera. Shai Avivi: En Israel, este show es totalmente diferente a todo lo que ves en la pantalla. No hay nada como Losing Alice que toque esos temas, generalmente son sobre religión o militares. Entonces, un show sobre los lados oscuros de las mujeres es demasiado original y arriesgado no solo para Israel sino hasta para la plataforma AppleTv+ y eso lo agradezco mucho. Ver a mujeres ambiciosas, el miedo de envejecer y la amistad entre mujeres es algo universal. Losing Alice AppleTV+. Estreno: Viernes 22 de enero.

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I May Destroy You
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I May Destroy You

¿Alguna vez te ha pasado algo realmente terrible y, en medio de todo, has logrado reírte un poco? Ese es potencialmente el truco más inteligente del nuevo programa de Michaela Coel, I May Destroy You. Es una historia de una violación y muchas otras transgresiones terribles que orbitan a su alrededor, pero aún así, te hace reír. Incluso si es solo un pequeño resoplido mientras lloras en la pantalla de tu computadora. Y eso hace que todo se sienta muy, muy real. El drama generacional, que está escrito y parcialmente dirigido por Michaela Coel —protagonista de Chewing Gum—, se compone de 12 episodios de media hora y se emitirán semanalmente en HBO. La historia sigue a Arabella (Coel), una personalidad de las redes sociales que se ha hecho famosa con un libro en PDF llamado Crónicas de un milenio Fed-Up y ahora está luchando por cumplir con la fecha límite de sus editores para el libro número dos. Una noche, decide dejar el trabajo de lado e ir a bailar. Cuando llega la mañana, su memoria está borrada y tiene recuerdos de haber sido agredida sexualmente. Encontrar las respuestas al misterio de la noche perdida de Arabella es la fuerza impulsora del programa, al igual que las preguntas sobre el consentimiento en general: ¿qué significa si alguien se quita el condón cuando le has pedido que no lo haga, o si te mienten sobre su relación? (Alerta de spoiler: ambos son malos). Pero las fortalezas de I May Destroy You van mucho más allá del tratamiento sensible de estos temas. Además d

Alguien tiene que morir
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Alguien tiene que morir

Todo lo que toca Manolo Caro se convierte en oro; ya sea el reboot de una película —Perfectos desconocidos—, una serie o una obra de teatro, el director mexicano se ha convertido en uno de los cineastas más famosos de los últimos años. Su paleta de color, sus extraños personajes y su obsesión con actrices como Cecilia Suárez —¡ya suéltala!— y Mariana Treviño se han convertido en elementos distintivos de sus proyectos.Después de cerrar oficialmente La casa de las flores, vuelve con Alguien tiene que morir, una miniserie que se desarrolla en España durante los cincuenta. La historia nos presenta a Gabino (Alejandro Speitzer), un joven que vuelve a su natal España después de estudiar varios años en México. Al llegar a su casa, no solo se enfrentará a los reclamos de su familia, traerá bastantes problemas porque llegará con su amigo Lázaro —el debut en la actuación de Isaac Hernández—, un bailarín que se enfrentará al clasismo y los prejuicios, creando problemas a Gabino. Este es el primer acercamiento de Manolo Caro al género dramático y lo hizo a la perfección. Las locaciones se convierten en personajes que soportan la historia y las actuaciones no se quedan a trás: Carmen Maura, la abuela Amparo, es una de las villanas más horribles que hemos visto en Netflix, y Cecilia Suárez —quien de nueva, nueva, nueva cuenta trabaja con Caro— no se queda atrás con su interpretación de Mina, una mexicana que va de viaje a Europa, conoce a Gregorio (Ernesto Alterio) y se queda en España; sí, ella es la madre de Gabino. Claro que además de la experiencia histriónica del elenco, las increíbles actuaciones de Alguien tiene que morir se deben a que los personajes están bien delineados y cada uno tiene una historia que nos da más información sobre sus acciones. La serie entreteje exitosamente temas como la homofóbia, el clasismo, el racismo y hasta algunos tabúes de la España durante el Franquismo. Vale precisar que Manolo Caro no profundiza en el episodio histórico; éste solo sirve como contexto para el desarrollo de una subtrama. A pesar de que contó con la colaboración y expertiz del guionista español Fernando Pérez, fue un gran acierto no darle tanto peso a ese punto. Manolo explota perfectamente los elementos que tiene; desde los actores hasta los vestuarios y locaciones y presentan una serie que te mantendrá pégado a la pantalla los tres capítulos consecutivos. Sin duda querrás que el director deje a un lado la comedia y experimente más con este tipo de contenidos. Alguien tiene que morir Netflix. Estreno: Viernes 16 de octubre. Recomendado: Entrevista con Manolo Caro sobre Alguien tiene que morir.

The Crown
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The Crown

En cuanto a momentos históricos, este es uno de lo más importantes en la política inglesa. Es el 4 de mayo de 1979 y la primera mujer en ser Primera Ministra del Reino Unido se para afuera del número 10 de la calle Downing. Apoyada por el partido conervador, da al conglomerado de reporteros entusiasmados su primera entrevista como ministra. “Me esforzaré incesantemente para cumplir con la confianza que el pueblo de Gran Bretaña ha depositado en mí”, entona en esa voz inconfundible de maestra severa, antes de citar a San Francisco de Asís: “En donde hay discordia, traigamos armonía”, empieza seriamente. Debajo de un peinado con demasiado spray para el cabello, la Dama de acero se disuelve en una risa al estilo de la actriz Gillian Anderson.  Entendí por qué me pidieron que interpretara a Thatcher. Es decir, ella y yo tenemos muchas similitudes, que no voy a compartir con ustedes. En la cuarta temporada de la serie de Netflix The Crown, Anderson se convierte en la sexta actriz en compartir una habitación con la reina Isabel II (actualmente Olivia Colman). Su media naranja es el creador del show, Peter Morgan; "Un día él dijo: “Hmm… ¿Crees que serías capaz de interpretar a Margaret Thatcher?”’, recuerda Anderson. “Entendí por qué me preguntaba. Quiero decir, Thatcher y yo tenemos algunas similitudes, las cuales no compartiré con ustedes. Pero si no hubiera pensado que podría ser capaz de hacerlo, hubiera dicho: “¿Cómo te atreves?”’.  Es la parte previa al encierro de 2020 y la notable transformación de Anderson no es la única en evidencia. Estamos en el lote trasero de los estudios Elstree, Hertfordshire, una vez hogar de la casa de Big Brother. Ahora, alberga una recreación fiel de la casa de ladrillos negros de la Primera Ministra; o más bien, su primer piso. Encima y detrás se asoma una gran pantalla verde, en la cual se van a añadir el resto de los edificios a través de efectos especiales. Del otro lado del lote se encuentra el palacio de Buckingham. Es como si los dos hubieran sido puestos deliberadamente en esa posición, en una especie de duelo de miradas arquitectónico. Esto es apropiado si consideras que la cuarta temporada aborda las tensiones en la relación entre la Sra. Margaret Thatcher e Isabel II: 11 años en los cuales, gracias al estilo divisorio y las políticas de Thatcher, hubo más discordia que armonía.“Son dos mujeres que parecen haber tenido mucho en común, aunque al mismo tiempo tan poco”, dice el productor ejecutivo y director Benjamin Caron. “Para su primera audiencia, estaba interesado en espejear a estas dos mujeres, para que te de la sensación de que son muy similares y se deberían de llevar bien. Claro, conforme progresa, en realidad no lo hacen”, comenta. Como señala Caron, ninguna de las juntas de la Reina con la Primera Ministra fueron grabadas. Es, por lo tanto, cauteloso de que alguien trate las audiencias del show como históricas más que dramáticas. Pero The Crown sí se esfuerza por lograr autenticidad en su recreación de una era —esta vez son los ochenta—, tanto a través de los sets en Elstree como el uso de locaciones, muchas en Londres. Foto: Cortesía Netflix.A parte del palacio, muy poca de la capital está restringida para el show. “Me sigo pellizcando para que podamos cerrar la calle The Mall”, dice Caron. “Tuvimos a Emma Corrin, que está interpretando a Lady Diana Spencer, conduciendo a lo largo de ella con la cabeza fuera de la ventana de un taxi, con el verdadero Palacio Buckingham atrás de ella. Se sintió bastante descarado”, comenta el productor.De regreso en Elstree, me dan un tour fascinante de lugares tan extrañamente familiares como las habitaciones de la Reina (su cama es diminuta) y la sala de gabinete, dominada por esa larga mesa en la cual se han tomado tantas grandes decisiones.  Para Anderson, todo fue muy abrumador al principio: “Cuando llegue por primera vez para una prueba de peluca, estaba caminando casualmente en la sala del gabinete y en este cuarto masivo en donde estaba la mesa de Thatcher”, recuerda la actriz. “De repente, sentí el peso de lo que había ausmido”, recalca.Pero entonces la llevaron al departamento sobre el número 10, en dónde la Primera Ministra llevaba a cabo las reuniones con su círculo íntimo. “Tanta atención, esfuerzo, cuidado, amor y detalle había sido puesto en él”, dice Anderson. Aquí, interesantemente, su miedo se disipó. Era casi como si, en medio de la meticulosa recreación de este espacio semidoméstico, hubiera encontrado —¿nos podemos atrever a decirlo?— el corazón de Thatcher. “Había algo reconfortante en entrar a ese set. Me sentía como si todo fuera a estar bien”.  Y esa es la clave para The Crown: así como es sobre grandes momentos históricos, es también realmente personal.  The Crown Netflix. Estreno: Domingo 15 de noviembre. Recomendado: 10 estrenos imperdibles en Netflix para ver en noviembre.

Gangs of London
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Gangs of London

Para que el realizador Gareth Evans se convirtiera en un referente del cine de artes marciales moderno solo tuvo que hacer dos películas: The Raid (2011) y The Raid 2 (2014). Con eso se puso bajo la lupa de los consumidores más exigentes de este género. El mundo esperaba con ansias que continuara la saga indonesia que había empezado, pero todos se sorprendieron cuando el cineasta gales anunció que su tiempo lo enfocaría en una serie de televisión que estaba cocinando desde hace varios años: el resultado fue Gangs of London, una serie británica que estrenó en abril de este año y de inmediato se convirtió el show más popular en Reino Unido. En noviembre, la plataforma StarzPlay la trae en exclusiva para Latinoamérica y esto me llena de felicidad porque desde que la vi, la ingresé a mi lista de lo mejor de 2020. El programa nos lleva al corazón del crimen organizado británico, en donde conocemos cómo el equilibrio entre las familias que controlan la mafia se tambalea en el momento en que Finn Wallace (Colm Meaney), el líder durante 20 años, es asesinado. Todo indica que su impulsivo hijo, Sean Wallace (Joe Cole), se quedará en el puesto, pero las familias rivales de Jamaica, Albania y Pakistán no quieren permitirlo; poco a poco se ira desatando una guerra. En medio de todo este caos conocemos a Elliot Finch (Sope Disiru), un policía encubierto que trata de integrarse a la organización de los Wallace para conocer todos los secretos. ¿Algo me faltó contarles? Claro, no podemos olvidar que también debemos descubrir quien estuvo de detrás de la muerte de Finn. Foto: Cortesía Starzplay. El debut de Gareth Evans en la televisión ha superado todas las expectativas, y es que a pesar de todo lo que aprendió en sus trabajos previos lo aplica en Gangs of London, vemos un crecimiento en su lenguaje visual. Ahora, la logística en producción ya le hace los mandados y con gran agilidad mueve la cámara para que todo fluya de manera natural, sin sentir un abrupto cambio. Sus películas están llenas de espectaculares secuencias de acción y violencia que emocionan hasta los huesos, pero la historia era su punto débil ya que le costaba ahondar el lado humano cuando tenía una hora y media para presentarnos una divertida carnicería. En este show tiene nueve episodios para explorar la psicología de los personajes y llevarlos hasta niveles altísimos. Al final, el drama es el eje central de la historia en la que los giros de trama están a la orden del día. En cierta parte me recordó a Game Of Thrones, y no porque parte de su elenco sale aquí (la hermosa Michelle Fairley, como siempre siendo la matriarca de una familia a que todos quieren eliminar); sino por ser una serie coral con una selección nutrida de personajes que esconden diferentes secretos y motivaciones. Jamás me voy a cansar de la adrenalina que me provoca ver a integrantes de varias familias luchar por el poder sin importar a quién tienen que quitar de frente para obtenerlo. Londres es otro personaje más que se hace presente con dos dualidades: una ciudad amable y llena de color que de un momento a otro da un giro gótico y despiadado. Están invitados a disfrutar de un drama poderoso cargado de tintes políticos en el que realmente dudas si puedes confiar hasta de tu propio hermano. Las actuaciones son elegantes para contrarrestar todo el nivel de nerviosismo que nos provocan mientras las vemos. Es importante decir que no es para estómagos débiles, porque lo que nos entregan es visualmente salvaje y explícito. Hasta me atrevo a decir que nunca había visto algo parecido en la televisión. El gran estreno del año se llama Gangs of London y ya la pueden disfrutar en México. Gangs of London StarzPlay. Estreno: Domingo 15 de noviembre. Recomendado: 10 series animes que deberías estar viendo.

Power Book II: Ghost
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Power Book II: Ghost

Curtis Jackson, mejor conocido como 50 Cent, se apoderó de la industria musical en los dosmiles, pero el rapero decidió cambiar de camino y enfocar todas sus energías para crear y producir la serie Power (2014), que se convirtió en uno de los shows más vistos en Estados Unidos durante seis temporadas. Ahora Curtis, con ganas de expandir el universo que creó, presenta cuatro spinoffs para darle otra vida a sus personajes. El primero en llega es Power Book II: Ghost, protagonizado por Tariq (Micheael Rainey Jr.) y Tasha (Maturi Naughton) para ver conocer los hechos ocurridos después del final de Power, y vienen acompañados por la nominada al Oscar Mary J. Blige y del ganador del Grammy, Clifford Smith Jr, mejor conocido como Method Man, uno de los fundadores de Wu-Tang Clan. Platicamos con Clifford sobre este show y la importancia de contar historias llenas de diversidad. ¿Cómo llegaste al Power Book II: Ghost? Me tocó audicionar para obtener el papel de Davis Maclean. Le mandaron a mi agente el guion y él me dijo que había personaje muy interesante, entonces lo leí, me gustó, fui a audicionar y me lo dieron porque les gustó lo que ofrecí. ¿Te pidieron audicionar a pesar de tener 20 años actuando y has estado en series como The Wire o The Deuce? Lo sé y no me gusta hacerlo, pero este show era algo nuevo para ellos y querían tener todos los elementos adecuados en el lugar correcto, por eso fueron cuidadosos. A veces una persona puede parecerse físicamente a un personaje, pero eso no la hace la adecuada. Es importante que vean cómo le das vida. Foto: Cortesía Starzplay. ¿Por qué crees que en un tiempo como el que estamos viviendo una serie como Power Book II: Ghost es tan importante? Por la diversidad. Power fue uno de los shows con más diversidad en la televisión. El elenco, los guionistas y creadores, eran gente de distintas comunidades y aquí se respetó eso ya que buscaron darle vuelta a lo que Hollywood ha estipulado. Si en otro programa necesitan a un abogado piensan en un hombre blanco, mientras que aquí deciden que sea una mujer latina; o si necesitan a un criminal ya sabes que será alguien de una minoría, y aquí los villanos son los blancos por lo que esta serie va unos pasos más adelantada que la industria. Cuando anunciaron que Mary J. Blige y tú trabajarían en el show, nos emocionamos porque sería una reunión desde que colaboraron en la canción “I'll Be There for you/You're all I Need to Get By” de 1995. ¿Cómo fue el reencuentro? Nosotros somos amigos, por lo que vernos es algo muy normal en nuestras vidas; aunque tristemente en la serie no hago muchas escenas con ella, pero si nos vimos en el set un par de veces. Nuestro primer Grammy lo ganamos juntos, ella es familia y hay cariño. Hace unos meses la invité a un show que hice en Nueva York y recuerdo que los dos estábamos fascinados de que nuestra vida ahora era pasar del escenario al set y viceversa. Nunca pensamos que eso nos pasaría, solo queríamos hacer música y pasarlo genial. Ahora es el pan de cada día. Para los que no están tan familiarizados con la serie Power y quieren verla, ¿Qué les dirías sobre el show? La belleza de este show es que a pesar de que forma parte del universo Power, no está pegada, lo que necesitas saber se explica al inicio de manera sencilla. Lo que le diría a todos es: si te gustan los guiones bien escritos e historias poderosas con buenas actuaciones entonces Power Book II: Ghost será lo que buscas. Es una de las series más diversas en la TV por lo que cada persona se sentirá identificado al estar viéndola. Power Book II: Ghost. Starzplay. Estreno: Domingo 6 de septiembre.

Lovecraft Country
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Lovecraft Country

Durante 15 años, el nombre de Jordan Peele fue sinónimo de comedia en Estados Unidos, ya que trabajó en varios programas cómicos como Mad TV y Key & Peele; en éstos, además de protagonizar también escribía los guiones, llenos de crítica social. En 2017 sorprendió a Hollywood con el estreno de su opera prima ¡Huye!. De inmediato su nombre se cotizó y el cineasta lo aprovechó para financiar su siguiente filme, Nosotros, así como el reboot de la serie The Twilight Zone. Este mes, HBO estrena la nueva producción de este actor, guionista y director: Lovecraft Country, una serie de terror que explora las injusticias raciales de la década de los cincuenta en Estados Unidos. Aquí te contamos de qué va. En los primeros minutos nos muestran una batalla situada en una guerra, hermosamente fotografíada en blanco y negro para después ver naves extraterrestres coloridas con estilo retro y terminar con la presencia del mismísimo Cthulhu y eso que la serie aún no te ha mostrado su título de entrada. La cadena de televisión Premium se ha caracterizado por trasladar importantes sagas de novelas  a la pantalla chica que por su temática arriesgada no podrían encajar en otras televisoras, desde la homoerótica True Blood a la fantasía distópica de Westworld sin olvidar el fenómeno de Game Of Thrones. Ahora con su nueva propuesta tratan de continuar su linaje y demostrar que son los únicos que pueden trabajar con la ciencia ficción y obtener todos los premios posibles (recordemos que Watchmen obtuvo 26 nominaciones al Emmy, siendo la serie con más postulaciones en 2020). El show se sitúa en los sesenta y nos presenta el road trip de Atticus, un joven afroamericano en búsqueda de su papá que ha desaparecido misteriosamente, lo acompaña su tío George, un hombre que creo la guía de viaje para personas de color y su amiga Leti que además de ser activista lucha contra el machismo. Las criaturas a los que se ellos se enfrentan en su camino son peligrosísimas porque están sedientas de sangre, pero nada me provocó tanto miedo como ver el racismo y odio constante al que se enfrentan los protagonista y es que la gente a su alrededor les recuerda constante que por su color de piel no se merecen nada. Lovecraft Country que es producida por Jordan Peele y JJ Abrams, llega en un momento tan adecuado que hasta parece fue creada durante las manifestaciones de Black Lives Matter ocurridas en mayo y es que aunque la ley “Jim Crow” (que exigía segregación racial en las instalaciones públicas) fue abolida en 1965 parece que no se ha avanzado mucho. Aplausos a esa escena donde nos muestran las humillaciones y desigualdades a las que los afroamericanos se enfrentan a diario mientras en voz en off escuchamos el discurso que dio el escritor y activista James Baldwins en la universidad de Cambridge. Aquí los protagonistas son personas civilizadas, educadas y con hambre de conocimiento mientras que su contraparte (gente blanca) se comporta como despiadados animales que se dejan llevar por sus instintos primitivos y con los que no se puede dialogar, este hecho seguramente incomodará a varias personas a la hora de que vean el show y por esta razón celebro su existencia. Más allá del increíble nivel de producción y del cuidadoso diseño de vestuario, lo que realmente me atrapó fue la química que existe en el elenco, quieres verlos juntos todo el tiempo. Hay magia entre ellos. Siento que voy a sufrir mucho porque con solo un episodio ya me siento involucrado con la vida los protagonistas y no quiere que les pase nada, pero este camino no será fácil para ninguno de ellos. Otro punto a su favor es que escuchamos piezas musicales de dignos representas de la época como Nina Simone y de repente salen canciones de Rihanna y hasta Marilyn Manson, definitivamente aquí no les da miedo de jugar con todo lo que tienen. Lovecraft Country es una fantasía gótica cargada de crítica racial que jamás olvida la razón por la que fue creada: para entretener. Recomendado: 10 estrenos en Netflix para ver en agosto.

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