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[title]A lo largo de casi dos décadas, Noah Baumbach ha construido un cine íntimo y preciso, donde las emociones familiares, la memoria y las contradicciones personales se vuelven materia narrativa. Desde The Squid and the Whale hasta Marriage Story, su filmografía explora lo que ocurre cuando la vida privada se quiebra. Con Jay Kelly, su nueva película, el director lleva esas obsesiones al terreno de la fama, el desgaste emocional y las historias que se esconden detrás del éxito.
En Jay Kelly, Baumbach sigue a un actor consagrado (George Clooney) que, tras recibir un reconocimiento importante, emprende un viaje por Europa junto a su representante. Lo que inicia como un desplazamiento profesional se convierte en un recorrido interno marcado por los silencios afectivos, las oportunidades perdidas y la vida que quedó a los márgenes del brillo mediático.
En entrevista para Time Out México, Baumbach habla sobre su proceso creativo, el trabajo con su elenco y la manera en que sigue encontrando nuevas capas en su propio territorio emocional.
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¿Cómo elegiste a George Clooney?
Necesitábamos a un gran actor, pero también a alguien con quien el público ya tuviera una historia, igual que los personajes tienen una historia con Jay Kelly. George lo entendió enseguida; bromeó diciendo: “Tienes suerte de que haya dicho que sí, porque solo tres personas en el mundo podrían hacer esto”. Y probablemente tenía razón.
No habría hecho la película sin él. Está en el ADN del proyecto. Es una estrella de cine, carismático y magnético, pero también un actor extraordinario. Trabaja muchísimo, aunque él lo minimice. En escenas como la del bosque o el momento con su padre, ves grietas reales en su fachada. Es hermoso. También necesitábamos un elenco capaz de sugerir una vida completa incluso con una sola línea, porque la película recuerda constantemente que el mundo no gira alrededor de un solo personaje: todos tienen su propia historia.
La historia de Timothy habla de envidia, traición y oportunidades perdidas. ¿Qué te interesaba del éxito en el sentido de que alguien puede lograrlo y aun así dejar a otros atrás?
Me interesaba mostrar que incluso cuando alguien consigue todo lo que quería, eso puede convertirse en otra barrera para conocerse de verdad. Todos vivimos entre quién creemos ser y quién realmente somos, y el personaje refleja esa brecha. Usar a un actor famoso me permitía explorar esa idea porque ya viven interpretándose a sí mismos.
Esta es tu primera colaboración con Emily Mortimer en el guion. ¿Cómo trabajaron juntos? ¿Cómo fue su proceso?
La elegí por instinto; confío mucho en su inteligencia y humor. Tenía ideas sueltas y ella reaccionó de forma que me ayudó a ordenarlas. Nos reuníamos a diario y hablábamos. En una colaboración real aparece una “tercera voz”: el guion se vuelve algo que no es de uno ni del otro, sino de lo que surge entre ambos.
La historia podía ser cínica, pero se siente muy humana. ¿Cómo evitaste caer en la ironía o la amargura?
Nunca vi al personaje desde el cinismo. Le tengo afecto porque, pese a su ego e inmadurez, sabe que necesita cambiar. Su viaje nace de él mismo, no de una obligación. Me conmueve la gente que decide transformarse, y escribí a todos los personajes entendiendo sus razones.
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