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[title]El boricua ve en lo humano la materia prima para crear desde la multidisciplina, donde combina la fotografía, el performance y la música con sus raíces caribeñas. El resultado es una fusión de géneros como bachata, soul, reggaetón o bolero que suenan y se ven muy bien. Platicamos con Matt Louis sobre la inspiración para su EP, el despliegue de color en el escenario, su letra inspirada en Juanga y el salto de la foto a la música a propósito de su gira con su amigo Álvaro Díaz en la Ciudad de México.
¿Cómo nace la idea de crear tu arte en una multidisciplina global?
Para mí siempre ha sido importante que haya una conversación entre distintas disciplinas, ya que el arte no es plano, tiene múltiples lenguajes y capas. Vengo del mundo de la fotografía y lo visual, pues fui fotógrafo de Álvaro Díaz, quien ha sido un buen mentor en mi carrera. Esa sensibilidad visual viene de estar al servicio de otros artistas y entender cómo otras personas también disfrutan verse en el lente.
¿Cómo asumes la responsabilidad de dialogar con el legado de JuanGa y cómo impacta esto en tu proyecto musical?
Lo hago y navego con mucho respeto y amor, entendiendo que nada está escrito en piedra. El proyecto nace de una necesidad de explorar una movilidad mucho más dramática, trayendo al imaginario actual referencias de cantantes como Juan Gabriel. Siento que hemos olvidado a estos personajes grandes, efusivos y vulnerables porque nuestra industria actual está un poco obsesionada con la perfección y la imagen, olvidando que no somos solo imágenes, sino cuerpos. Trato de traer esa emoción a los escenarios y a las grabaciones para que no se sienta plano.
¿Cómo logras crear un refugio sonoro donde la comunidad pueda sentirse reflejada y libre?
Llevo relacionándome con la música casi toda mi vida. Quería explorar sensibilidades que sentía reprimidas por nuestros contextos sociales restrictivos, especialmente hacia el cuerpo masculino y su movilidad. Hacer música tenía que ser algo que me liberara. Trabajo con el productor William Russell, quien tiene una gran sensibilidad cinestésica y logra traducir mis inquietudes fusionando sonidos contrastantes del Caribe con un estilo más anglo. Actualmente, en mi etapa de composición, no estoy tan denso en la escritura, sino mucho más enfocado en la producción y en la forma en que utilizo mi voz.
¿Qué tan importante es mostrar vulnerabilidad y complejidad emocional, y cuál es el proceso creativo detrás de la fusión de géneros?
Confío mucho en las conexiones naturales. RaiNao, por ejemplo, es una buena amiga, nos conocimos mucho antes de que nuestros proyectos florecieran, e incluso ella coescribió mi primer tema conmigo. Admiro que ella no sobrepiensa al momento de crear y honra una exploración bruta y emocional. Esa es la tribu que me gustaría seguir encontrando a las y los artistas con los que pueda tener conversaciones cómodas e incómodas para romper esquemas.
¿Qué colores y emociones definen su experiencia como artista queer contemporáneo en el proyecto Gama?
He estado en colores densos y oscuros como el rojo, el negro y el violeta. Ahora mismo estoy trabajando en un álbum nuevo, tomando todo lo que conocí en *Gama* y llevándolo a un espacio mucho más exagerado e hiperbólico. Constantemente me empujo a límites desconocidos para romper el personaje y seguir deconstruyendo mi identidad artística.
¿Hasta qué punto la propuesta sonora funciona como un acto de resistencia y activismo para la comunidad LGBT en el contexto actual?
El simple hecho de que un artista queer exista y haga música en la industria ya es un acto de resistencia. Al estar afuera presentando mi trabajo, me doy cuenta de que también necesito exponerme y cuestionarme frente al público. A los artistas queer se nos suele encasillar en una sola narrativa, como si nuestro arte fuera exclusivo para un grupo, cuando en realidad nuestro queerness es solo un brillo adicional; tenemos mucho más que ofrecerle a todo el mundo.
¿Cuál es el mensaje definitivo o el espacio que quieres crear para tu público?
Libertad, disfrute y emocionalidad: los artistas somos un espejo para el público. Si soy capaz de liberarme, disfrutar, mostrarme vulnerable frente a ellos, mi comunidad va a sentir lo mismo, así lograremos hacer un espacio seguro.
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