Eventos de arte y cultura en mayo 2019 en la CDMX
Recuerda que mayo es uno de nuestros meses favoritos, pues el en 2018 se declaro oficialmente Mayo, Mes de los Museos en la CDMX. Así que prepárate para recorridos especiales, eventos únicos y una Noche de Museos especial. Te recomendamos las mejores exposiciones de arte, fotografía, obras de teatro y funciones de danza a los que podrás asistir durante el mes de mayo.
Recomendado: Museos gratis en la CDMX.
Eventos de arte en la CDMX
Susurros en la niebla. Punto, línea y mancha
El dibujo siempre es parte del proceso artístico. Ver un boceto dibujado es como estar en los entresijos de, por ejemplo, una pintura; te revela más de ella. Pero también es una forma de expresarse por sí misma cuando no se ve como un inicio, sino como una técnica. Susurros en la niebla. Punto, línea y mancha expone diversas obras de artistas emergentes mexicanos los cuales dibujan sus obras para poder decirle al mundo lo que sienten, piensan y creen. La historia del dibujo como técnica nos remonta hasta la prehistoria. Los cavernícolas delineaban en las paredes de las cuevas diversas figuras extraídas de la realidad, como animales, vegetación y hasta personas. Se podría decir que es la forma más básica para hacer arte. Sin embargo, desde ese entonces y hasta nuestros días se fue perfeccionando. Algunas obras clave de artistas consagrados son dibujadas, como pueden ser los autorretratos de Da Vinci y hasta aquel dibujo de un hombre con brazos y piernas estiradas, llamado Hombre de Vituvrio (1490), en el que Leonardo expuso las proporciones del cuerpo humano. Además, se dibuja para hacer los planos de las mejores construcciones arquitectónicas del mundo. El dibujo lo puede hacer todo. La Galería José María Velasco presenta en esta exposición 41 piezas de tres jóvenes artistas mexicanos: Víctor Lucero, Mayra León y Gerardo Rivera Kura. Los tres exploran las posibilidades y límites del dibujo y narran historias a través de sus obras. Utilizan principalmente tinta y pintura a
En vivo desde el Met de Nueva York
¿Tu sueño es ver una ópera en The Metropolitan Opera de Nueva York, pero la operación de tu perrito te dejó sin fondos para tu viaje de este año? ¡No te preocupes! Una vez más, el Auditorio Nacional trae la temporada 2018-2019 de En Vivo desde el Met de Nueva York con seis reestrenos y cuatro nuevas producciones que serán transmitidas vía satelital en la pantalla gigante del recinto mexicano. La temporada comienza el sáb 6 de cotubre con Aída, ópera de Giuseppe Verdi que relata la trama épica entre Aída, princesa capturada como esclava con dirección a Egipto, y Radamés, el comandante encargado de dirigirla y deberá decidir entre su amor hacia la princesa o su lealtad a su rey. Nicola Luisotti es el encargado de dirigir a la prestigiosa rusa Anna Netrebko, quien protagoniza esta obra junto a Anita Rachvelishvili y Aleksandrs Antonenko. Sansón y Dalila (sáb 20 de octubre), de Camille Saint-Saëns, se estrena en el Met bajo la dirección de Mark Elder. Esta historia bíblica épica relata la historia de Sansón, quién pierde su gran fuerza cuando Dalila, su amada, lo traiciona y le corta el cabello, perdiendo así su fuente de vigor. Sus protagonistas, Elīna Garanča y Roberto Alagna, tienen una gran trayectora artística en el Met, y trabajarán a lado del ganador del premio Tony Darko Tresnjak. Octubre cierra con Puccini y La Fanciulla del West (sáb 27), una obra que fue encargo del Met y que albergó su estreno mundial en 1910. La historia cuenta las peripecias de Minnie, una dueñ
συν χρόνος (Sin Khronos): un viaje atemporal a través de la geometría en el arte
En griego "συν χρόνος" (sin khronos) son dos vocablos que hacen referencia a la sincronía, así como a la simultaneidad de hechos y fenómenos en un mismo plano. A partir de esto, el curador de la exposición Daniel García Usabiaga hace una vinculación entre obras de valor histórico que presentan el arte cinético y óptico (op art) y obras contemporáneas que siguen la misma línea. Las paredes de la Galería RGR albergan 10 obras modernas y cinco contemporáneas que conviven y hacen evidente la continuidad de un discurso abstracto geométrico. Las piezas están realizadas con diferentes técnicas y materiales, que pasan por la pintura, los textiles y paralelamente hacen un contacto con la tecnología. Dentro de la parte moderna observarás el emblemático trabajo del venezolano Carlos Cruz-Diez con las piezas Cromointerference Mécanique B12 (1970) y Physichromie 247 (1966), dos obras que jugarán con tu sentido de la vista. A su vez, Victor Vaseraly expone Keple Gestalt (1968), cuyos trazos parecieran que salen de su contorno material. Por la parte contemporánea no te puedes perder la pieza Tetralineados fluo vert (2018) de Elías Crespin, una secuencia de cuadrados fluorescentes que dan la impresión de mantenerse flotando en el aire y que generan diferentes coreografías a lo largo del tiempo. De igual manera, Paul Muguet expone Petate No. 3 (2018) y Secuencia No. 24 (2017), inspiradas en los textiles de diferentes regiones del país. En medio de la sala se encuentra Red and black sun II
Cabello/Carceller. Borrador para una exposición sin título (Cap. III)
Por la mañana, llego con uno de mis mejores amigos de la universidad al MUAC; nos debíamos una visita al museo y había tantas cosas emocionantes que compartir que no pude evitar sugerir ver la exposición Cabello/Carceller. Borrador para una exposición sin título (Cap. III), porque sabía que nos dejaría pensando y reflexionando: ¿Qué hace a una mujer una mujer? y ¿qué hace a un hombre un hombre? La muestra de Cabello/Carceller se presentó en el pabellón español de la última edición de la Bienal de Venecia y toma como punto de partida el juicio que se realizó en contra de Elena/Eleno de Céspedes; una mujer mulata y esclava que vivió en la España del siglo XVI, donde se casó y tuvo un hijo antes de desaparecer, para reaparecer varios años más tarde como Eleno de Céspedes, cirujano de la corte y casado con una mujer. Por supuesto, la Santa Inquisición le juzgó por hermafrodita; por haber pretendido ser un hombre. Su castigo a pagar se puede leer desde muchos lugares: le impidieron volver a nombrarse como hombre, ejercer como médico-cirujano, se anuló su matrimonio y se le regresó a su rango de esclava. La opresión interseccional que se aplicó contra Elena/Eleno de Céspedes es la base de la crítica que Cabello/Carceller hacen a lo largo de su obra: ¿Las personas sólo pueden ser hombres o mujeres? ¿y si alguien quiere ser ambos?, ¿y si alguien no quiere ser ninguno? El cuestionamiento y destrucción de los binarismos de género remiten a Judith Butler, una de las teóricas más imp
Carsten Höller. Sunday
El artista alemán, Carsten Höller, presenta 37 de sus piezas por primera vez en México en la exposición titulada Sunday. El trabajo del artista con base en Suecia alude al arte relacional, es decir, se centra en las relaciones que se crean entre los espectadores que interactúan entre sí, con la pieza y con el espacio, más no en el objeto artístico. Por lo anterior, la muestra curada por Juana A. Gaitán no cuenta con fichas, explicaciones ni recorridos guiados; las posibilidades de esparcimiento y, por ende, reflexivas, dentro del museo son infinitas. Al ingresar me recibió la instalación Decision Tubes, una gran estructura de red y metal suspendida a cinco metros de altura por la que puedes deambular para elegir alguno de sus caminos. Mi decisión me llevó a un tragaluz (probablemente en la parte más alta de la estructura), desde ahí constaté que Höller no solo quería que interactuara físicamente con la obra, sino dejarme a la deriva para tomar mis propias decisiones y así crear un vínculo único e irrepetible con su obra: recordé mi miedo adquirido a los juegos mecánicos y vi de cerca el techo del patio que funciona como un reloj natural al filtrar la luz durante el paso del día. Nunca antes el público se había apropiado del patio central del museo de una manera tan lúdica como ahora. Para ingresar a la sala uno del Museo Tamayo tuve que atravesar un corredor de puertas automáticas de espejos (Six Sliding Doors), en un juego entre lo que se ve y lo que no. Una vez que me r
Brassaï. El ojo de París
El artista húngaro Gyula Haláz (1899-1984), mejor conocido como Brassaï, tiene un lugar especial por haber fotografiado las noches de París, Francia como nadie, cuando arribó a dicha ciudad con el sueño inconcluso de ser pintor a principios de los veinte, en donde también realizó trabajos periodísticos que incluían sus propias imágenes.Brassaï no solo destacó por exhibir estéticamente a prostitutas, vagabundos, personas, paisajes oscuros en todo sentido y luz, sino también por ser uno de los primeros fotógrafos en diseccionar el paisaje urbano para retratar símbolos, vestigios y formas involuntarias. De esta manera, visibilizó de forma importante el grafiti que sucedía en las calles de París de los años veinte y treinta. Curiosamente, el “fotógrafo de la noche”, como se le nombra, también es conocido por haber dado luz a la fotografía como una expresión artística y no solo como algo de carácter documental o un oficio. Luego de presentarse en Barcelona, Madrid y San Francisco, la exposición Brassaï. El ojo de París llega a la CDMX con más de 200 imágenes agrupadas temáticamente en las categorías: París de noche, Placeres, París de día, Grafitis, Minotaure, Lugares y cosas, Personajes, Sociedad, Cuerpo de mujer, Retratos. Artistas, escritores, amigos, La calle y Sueño. En las imágenes de la vida nocturna de París vemos el dominio con maestría del artista para tomar fotografías nítidas y pensadas con exposiciones largas y tripoide, alejado de la espontaneidad y movimiento de l
Gráfica en el exilio: Josep Renau en el periodo mexicano
La Casa Lago de la UNAM conmemora los 80 años del exilio español en México (1939–2019) con la exposición: Gráfica en el exilio: Josep Renau en el periodo mexicano. Verás por primera vez en México la serie de fotomontajes intitulada The American Way of Life, considerada preámbulo del pop art. Josep Renau (1907-1982) fue un multitalentoso artista español que, como muchos otros de sus compatriotas en la década de los 30, tuvieron que emigrar a México debido a las fuertes tensiones políticas que concluyeron en el franquismo. A su llegada a suelo nacional, y después de algunos días difíciles, comenzó a trabajar en la gráfica y el arte como lo hizo en su país natal. Su labor le llevó a realizar las portadas de las revistas mexicanas Futuro y Lux, crear carteles del cine de oro mexicano y conocer a los muralistas Rivera y Siqueiros. En la famosa serie del pintor y muralista, The American Way of Life, observarás la técnica del fotomontaje, una especie de collage con archivos de fotografía, muy parecidos a los que se verían en el pop art. En esta serie darás cuenta cómo Renau critica a la sociedad estadounidense en plena Guerra fría, con obras como Miss bistec de Chicago que golpea sarcásticamente el consumismo del vecino del norte que moldea a cualquiera —persona o animal— a capricho del comprador, o La prensa hidráulica que vislumbra la vorágine de explotación laboral que el capitalismo introduce como modelo de vida. Con obras que despiertan el “apetito” tanto intelectual como li
De prodigios y maravillas. Obras selectas de la colección Franz Mayer
De prodigios y maravillas. Obras selectas de la colección Franz Mayer expone obras del gran coleccionista alemán Franz Mayer. De entre más de once mil objetos se han seleccionado alrededor de 80 para hacer un recorrido por el México de la colonia; observarás las artes decorativas y el diseño que había en ese entonces.La exposición hace énfasis en el periodo novohispano e incluye todo lo necesario para conocer más de nuestro país. Hay desde piezas textiles como rebozos y zarapes del siglo XIX, pasando por muebles que son una de las más grandes muestras del arte decorativo de dicho periodo, hasta pinturas como retratos de la realeza. También te encontrarás con mueblería de lujo que la clase alta traía de países como India, Alemania y España. Algunas de las piezas ya estaban en las salas permanentes del museo y 32 son exhibidas por primera vez. El estar juntas invita a una nueva lectura. Uno de los siete núcleos temáticos abarca la cultura mexicana del siglo XVIII. Muestra un mapa del centro de la ciudad que te invita a compararla con la CDMX de hoy, que sorprendertemente conserva demasiados edificios antiguos. Uno de ellos, por ejemplo, es el propio Museo Franz Mayer, antiguo Exconvento San Juan de Dios. Cuando veas los muebles, las esculturas, las cigarreras, la vestimenta y los libros que aquí se juntan, te sentirás de la clase alta que habitaba México en la época colonial. Y, conocerás el exquisito gusto que tenía Franz Mayer y la dedicación que ponía en una de sus más gr
Atl. Fuego, Tierra y Viento, sublime sensación
Desde el 11 de abril, las salas del Museo Nacional de Arte (MUNAL) albergan Atl. Fuego, Tierra y Viento, sublime sensación, exposición dedicada a la incansable labor del artista jalisciense, conocido como Dr. Atl, uno de los grandes pintores y artistas del siglo XX y quién, en palabras de la directora del recinto Carmen Gaitán "es capaz de mover a las masas con su trabajo y es el creador de una invaluable crónica artísica de la orografía de nuestro país". Más de 130 piezas entre fotografías, dibujos, litografías, libros, retratos de Atl, y por supuesto, pinturas. No sólo son obras de él, sino que sus obras dialogan con otros importantes paisajistas mexicanos, así que prepárate para viajar por el Eje neovolcánico a través del trabajo de José María Velasco, Carlos Rivera, Joaquín Clausell, entre otros. Atl. Fuego, Tierra y Viento, como los elementos, está dividida en cuatro salas que exploran su interés y devoción por la geología y la vulcanología, expresados en un respeto a la naturaleza que se materializa en paisajes de gran calidad y formato. Por supuesto, el nombre de Dr. Atl está intricadamente enlazado con el Volcán Paricutín, en Michoacán, por lo que se muestra parte de su gran acervo artístico en el que narra el nacimiento y erupción de la montaña entre 1943 y 1945. El vínculo del artista con el géiser va aún más allá, pues de acuerdo con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, recientemente se descubrió la escritura de una propiedad que Murillo compró en
Orozco, Rivera y Siqueiros. La exposición pendiente.
El 13 de septiembre de 1973 era el día esperado. Tras varios años de visitas de Estado, la apertura de la ambiciosa exhibición llamada Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura Mexicana marcaba el inicio de, lo que se perfilaba, una fructífera relación entre México y Chile, la cual aprovecharía los intercambios culturales para estrechar los vínculos. La muestra sería acogida por el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago e incluía 169 pinturas, dibujos y grabados de los pintores mexicanos. Un año antes, el Instituto Nacional de Bellas Artes de México adquirió las 1,417 piezas de la colección personal del Dr. Álvar Carrillo Gil, que estaba conformada por obras de los más importantes pintores mexicanos del siglo XX, destacando las piezas de José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siquieros. Los intercambios entre los Jefes de Estado de Chile y México, consolidados con la éxitosa visita de Salvador Allende a nuestro país, permitieron que las cancillerías organizaran jornadas culturales en Chile, dentro de las cuales, la muestra de los mexicanos se presentaría acompañada de una exhibición de artesanías y una de libros mexicanos. Pero la muestra no se abrió. Dos días antes, el 11 de septiembre de 1973, Augusto Pinochet lideró un golpe de Estado que concluyó con la muerte de Allende y la desarticulación de su gobierno, la instauración de una dictadura militar y la salida de cientos de exiliados, tanto chilenos como de otros países del cono sur. La historia no terminó ah
Eventos de teatro y danza en la CDMX
La divina ilusión
Esta obra del dramaturgo canadiense Michel Marc Bouchard (Tom en la granja), nos cuenta la historia de dos jóvenes seminaristas de principios del siglo pasado. Por un lado, Talbot, el mayor de una familia numerosa que tiene la esperanza de sacar de la miseria a su familia al convertirse en sacerdote. Por otro lado, Michaud es un amante del arte dramático y fanático de ”la divina” Sara Bernhardt, famosa actriz que se encuentra de gira por su ciudad en Quebec. Ante la visita de la diva, la iglesia se opone con fervor, al grado de enviar a dichos jóvenes a impedir que su obra de teatro se presente en el lugar. Estos seminaristas, interpretados por los actores Dalí González y Eugenio Rubio, remarcan con su fuerza actoral y carisma los conflictos de los que escribe Bouchard: la contraposición de las clases sociales, el poder de la iglesia católica y los dilemas personales ante el deber ser. Pese a la anécdota sencilla y el humor ligero, poco a poco se van develando acontecimientos oscuros y profundos sobre el sufrimiento que rodea a los personajes. La divina ilusión reflexiona también sobre el papel del arte en general. Ahí la importancia de recurrir a la figura de la gran diva de principios de siglo, Sarah Bernhardt, interpretada magistralmente por Pilar Boliver. El personaje de esta actriz es muy importante, pues además de estar basado en un persona real, su figura no es sólo el pretexto para hablar de doble moral e hipocresía, es un detonante de la importancia y el efecto del
Villa dolorosa
Irina, la menor de tres hermanas, cumple años y ha decidido celebrarlo. Con lo que no contaba es que este año y los dos siguientes su festejo será malogrado a causa de la infelicidad que cada día se apodera de sus hermanas Olga y Masha, de su hermano Andrei y hasta de su amigo Georg. Alemanes con nombres rusos debido a la fascinación de sus padres por el teatro de Antón Chéjov; una tragicomedia impuesta desde el nacimiento.La dramaturga alemana Rebekka Krisheldorf juega con la pieza chejoviana y pone a un grupo de personajes de la época actual a vivir situaciones muy similares a las del texto original, es decir, igualmente patéticas y, por ello sumamente risibles. Silvia Ortega Vettoretti adapta y dirige esta versión libre y la convierte en un festín escénico que divierte y lastima, hay en su propuesta una síntesis y precisión de palabras y elementos que conmueven y, al mismo tiempo, torna el escenario en una lupa que permite disfrutar del más mínimo gesto, de la más sutil acción de cualquiera de esos seis infelices. La escenografía, iluminación y vestuario de Carolina Jiménez y el diseño sonoro de Pablo Mondragón hacen brillar este reloj que camina con impecable exactitud gracias a las actuaciones de Renata Wimer, Daniela Zavala (alterna con Paula Watson), Mahalat Sánchez, José Carriedo, Sheyla Flores y Salvador Hurtado. Alemanes con nombres de rusos hablando en español mexicano. Una joya de este año teatral.
Romeo y Julieta
Mauricio García Lozano está obsesionado con Romeo y Julieta. Y gracias a esto nos dio su tercera versión en cinco años del clásico de Shakespeare, probablemente la más redonda y fácil de crear empatía con el público. El director —uno de los creadores teatrales más prolifero del país— tomó lo esencia del clásico fundamental de la dramaturgia inglesa y lo materializó en un montaje dinámico, actual y enternecedor. Esta adaptación de Romeo y Julieta se centra en la juventud e inocencia de los amantes de Verona, acierto replicado en el espíritu y tono de cada uno de los personajes, en la elección de los énfasis del texto, y en la escenografía (Mario Marín del Río) y la coreografía (Vivian Cruz) que habitan todo el espacio del Foro Lucerna para acortar distancia entre una historia del siglo XVI y nosotros. Vemos a jóvenes Montesco y jóvenes Capuleto vestidos en escasas prendas blancas y de tonos beige, que se entallan al cuerpo como si nada se tuviera y fuera la misma piel de la juventud robada la que hablara. Encabezan esta pléyade los actores Miguel Jiménez (Manada) y Assira Abbate (Los ojos): él, da un toque personalísimo a un Romeo cuya empresa de contradicciones se complementa con su interpretación de matices; ella, encaja a la perfección con el carácter efusivo, fuerte y al mismo tiempo frágil que debe tener una Julieta. Juntos, nos regalan momentos íntimos poderosos que coronan las decisiones e intenciones de Mauricio frente a un texto tan vigente en nuestros días, no por
Edipo: nadie es ateo
La fe y la verdad son dos conceptos que han intentado regir la vida del hombre desde que es hombre, aunque sea desde sus polos opuestos: la duda y la mentira. En la más reciente obra de David Gaitán, dichos conceptos son puestos sobre la mesa a fin de actualizar el clásico griego de Sófocles, Edipo Rey, un texto que gracias a la lectura que hizo de él Sigmund Freud a principios del siglo XX, se convirtió en un referente de la cultura universal más allá del teatro. Una larga mesa y varias sillas son dispuestas en el escenario por Alejandro Luna —el mayor escenógrafo mexicano —, también responsable de la iluminación. Alrededor o encima de ella desfilan los tres personajes centrales de esta tragedia revitalizada que está ubicada en la atemporalidad, pero con claros guiños a situaciones políticas y sociales actuales. A partir del mito de los reyes a los que les fue anunciado que su propio hijo mataría a su padre y desposaría a su madre, Gaitán propone un discurso filosófico y político que no es digerible a simple escucha, pero que se va construyendo a través de una actualización ácida y divertida de los personajes y su situación de monarcas atemorizados por una peste que azota a su pueblo, sin saber que el mal proviene de su propio palacio. No importa que sigan estando en Tebas: la peste es reconocible en cualquier país, en cualquier tiempo. La ambición por el poder como estatus social, el sexo como eterno extinguidor de epidemias íntimas, la retórica como perenne controladora
El testamento de María
Todos conocemos la historia de los últimos días del profeta Jesús, de cómo su muerte y su historia cambiaron al mundo. La Biblia cuenta la historia del hijo de Dios, dicho texto fue compuesto por cada uno de sus dicipulos. En la obra de teatro El testamento de María conoceremos la perspectiva de la madre. En este monólogo vivimos la experiencia que tuvo una madre que perdió a su hijo, una mujer humilde que por su ignorancia sigue sin comprender la política de su época y cargando durante meses la culpa de no saber dónde quedó el cuerpo de su hijo. Sin duda, una historia muy similar a la de cientos de madres en nuestro país en la actualidad. Entre aromas, sí aromas, y acciones sencillas, la interpretación de Luly Garza nos lleva a un viaje de emociones que van desde la risa hasta el estremecimiento. Y esto no es sorpresa pues el texto es del exitoso y premiado escritor irlandés Colm Tóibín (Brooklyn, 2009) y dirigido en México por Itari Marta. El testamento de María es además respaldado por su trayectoria, pues desde su estreno en Broadway (2013) con Fiona Shaw bajo la dirección de Debora Warner, se llevo la nominación a mejor obra en los Tony Awards, Maryl Streep prestó su voz para el audiolibro, el monólogo ha sido presentado en Londres y Barcelona, y desde su primer temporada en nuestro país sigue teniendo mucho que decir.
En vivo desde el Met de Nueva York
¿Tu sueño es ver una ópera en The Metropolitan Opera de Nueva York, pero la operación de tu perrito te dejó sin fondos para tu viaje de este año? ¡No te preocupes! Una vez más, el Auditorio Nacional trae la temporada 2018-2019 de En Vivo desde el Met de Nueva York con seis reestrenos y cuatro nuevas producciones que serán transmitidas vía satelital en la pantalla gigante del recinto mexicano. La temporada comienza el sáb 6 de cotubre con Aída, ópera de Giuseppe Verdi que relata la trama épica entre Aída, princesa capturada como esclava con dirección a Egipto, y Radamés, el comandante encargado de dirigirla y deberá decidir entre su amor hacia la princesa o su lealtad a su rey. Nicola Luisotti es el encargado de dirigir a la prestigiosa rusa Anna Netrebko, quien protagoniza esta obra junto a Anita Rachvelishvili y Aleksandrs Antonenko. Sansón y Dalila (sáb 20 de octubre), de Camille Saint-Saëns, se estrena en el Met bajo la dirección de Mark Elder. Esta historia bíblica épica relata la historia de Sansón, quién pierde su gran fuerza cuando Dalila, su amada, lo traiciona y le corta el cabello, perdiendo así su fuente de vigor. Sus protagonistas, Elīna Garanča y Roberto Alagna, tienen una gran trayectora artística en el Met, y trabajarán a lado del ganador del premio Tony Darko Tresnjak. Octubre cierra con Puccini y La Fanciulla del West (sáb 27), una obra que fue encargo del Met y que albergó su estreno mundial en 1910. La historia cuenta las peripecias de Minnie, una dueñ
El feo
La belleza como valor de una persona frente a su sociedad es algo cada vez más inserto en el pensamiento contemporáneo. Por eso, el señor Lette, protagonista de esta obra, experimenta una travesía interna y externa en la que pasa de darse cuenta que es feo a convertirse en el galán de moda, para finalmente llegar al desencanto del éxito efímero y de la copia barata de lo bello.En esta propuesta traducida al español por la actriz y directora Stefanie Weiss, lo trágico se torna en genuina diversión. Víctor Weinstock por fin concreta este proyecto acariciado por mucho tiempo y vierte en su dirección una gran dosis de humor ácido y clownesco, enfatizando así los errores en los que cae un hombre obsesionado con su aspecto. Diversos personajes se mueven a su alrededor lo mismo para apoyarlo en su absurda empresa que para confrontarlo. El elenco de El feo (Marius von Mayenburg) destaca por la diversidad de sus procedencias; un ensamble que se antoja ver: Reynaldo Rossano, Karina Gidi, Sergio Bonilla y Artús Chávez. Hombres y mujeres rodean a la víctima de un mundo que juzga y castiga a aquellos que osan no tener tez blanca y cuerpo de gimnasio, aunque sus virtudes, inteligencia y capacidades estén comprobadas. Recomendado: Musicales increíbles para ver en la CDMX.
Mi hijo sólo camina un poco más lento
La enfermedad como temática central o como base de un conflicto está presente desde el inicio del teatro contemporáneo —si tomamos las obras de Ibsen y Strindberg como punto de partida del concepto. En el caso de este texto del dramaturgo croata Ivo Andric, la enfermedad de Branko, el hijo, parece ser el eje central de la historia; pero muy pronto nos damos cuenta que no es así: la enfermedad ni siquiera se nombra y la invalidez que dejó como secuela es lo menos grave dentro de ese pequeño entorno familiar en el que vive el joven de 25 años. Regresa esta obra a la La Teatrería, que tiene todos los elementos del gran teatro; comenzando por el director Diego del Río, quien suma al montaje experiencia y solidez. Como de costumbre, entrega un trabajo limpio y sobrio que pone énfasis en explotar las aristas sentimentales del texto y sus personajes a fin de lograr en el público emociones y conmociones. Para ello cuenta con un espléndido reparto, de esos que cualquier productor llamaría “de ensueño”. La muy amplia familia que estelariza esta historia está representada por: Montserrat Marañon, Kaveh Parmas, Concepción Márquez, Rubén Cristiany, Jerry Velázquez, Ana Gonzáles Bello, Lourdes del Río, Anahí Allué, Aída del Río, Pedro Mira, Rodolfo Zarco y Angélica Bauter alternando funciones. Sin embargo no todos tienen las mismas oportunidades de aparecer en escena; Gidi y Márquez cargan con el mayor peso y quienes llevan los personajes mejor trazados por el dramaturgo. Andric present
Argonáutika
La compañía queretana Ícaro, que en 2017 fascinó al ámbito teatral con el montaje del musical Urinetown, vuelve a la carga ahora con un texto de la dramaturga estadounidense Mary Zimmerman, quien adapta el mito de Jasón y los argonautas, guerreros griegos que emprendieron una travesía dispuestos a obtener el Vellocino de Oro. Entre Ícaro y Jasón, está el trabajo de Miguel Septién, director de la compañía y de Argonáutika, obra que además tradujo. “A partir de Urinetown, a todo el equipo se le abrieron puertas y todos llegamos a la conclusión de que es increíble explorar en otros lados, pero también nos gusta crear juntos. Este texto reúne muchos de los valores que tenemos en la compañía: es de ensamble y todos son igual de importantes, es una obra que te fuerza a contar una historia épica y maravillosa de una forma extremadamente teatral. No es un musical, pero es una obra bastante musical. Sabemos que este, al igual que Urinetown, es un tipo de teatro que no se hace tanto en la CDMX”. Un texto escrito en el nuevo milenio por una autora desconocida en México, un proceso de ensayos en Querétaro, un estreno en la Ciudad de México y una temporada posterior en Querétaro. Argonáutika es una travesía con los riesgos y seguridades dignos de la mejor nave griega, de la que Pierre Louis, Andrea Biestro, Claudia Hernández, Elena del Río, Eduardo Siqueiros, José Ponce, Emilio Schoning, Sebastián Dante, Claudia Menchaca, Arantza Muñoz, Nayeli López, Paulina Barrientos, Yesenia Barajas
Ballet Nacional de Rusia Renacimiento: El lago de los cisnes y Romeo y Julieta
El Ballet Nacional de Rusia Renacimiento se presentará en la CDMX el próximo sábado 11 de mayo, para interpretar, en dos funciones, los clásicos El lago de los cisnes y Romeo y Julieta. Ambos espectáculos de danza clásica son dirigidos por la bailarina y coreógrafa Tatiana Panteleeva. Fundado en 1989 por Sergei Radchenko, el Ballet Nacional Ruso es una las primeras compañías independientes de ballet clásico en el mundo, con una trayectoria amplísima y un recorrido mundial en el cual presentan shows con música excepcional y coreografías perfectamente ejecutadas. Con la música del ruso Sergei Prokofiev, Romeo y julieta cuenta la historia clásica de desamor de William Shakespare. En sus inicios el teatro de Rusia en donde se presentaría la rechazó; con unas modificaciones en la coreografía y música, después logró consolidarse como un clásico del ballet. El compositor Piotr Ilich Chaikovsky realizó la música de El lago de los cisnes que se estrenó en 1877. La historia se basa en un cuento alemán. No fue hasta mediados del siglo XX que fue aceptada ampliamente alrededor del mundo. Actualmente se puede decir que es una de las bases del ballet moderno. La compañía rusa cuenta con más de 25 bailarines que se han presentado en casi todos los países de Europa y América Latina. Recomendado: 15 obras de teatro que debes ver en abril en la CDMX.
Eventos gratis
Susurros en la niebla. Punto, línea y mancha
El dibujo siempre es parte del proceso artístico. Ver un boceto dibujado es como estar en los entresijos de, por ejemplo, una pintura; te revela más de ella. Pero también es una forma de expresarse por sí misma cuando no se ve como un inicio, sino como una técnica. Susurros en la niebla. Punto, línea y mancha expone diversas obras de artistas emergentes mexicanos los cuales dibujan sus obras para poder decirle al mundo lo que sienten, piensan y creen. La historia del dibujo como técnica nos remonta hasta la prehistoria. Los cavernícolas delineaban en las paredes de las cuevas diversas figuras extraídas de la realidad, como animales, vegetación y hasta personas. Se podría decir que es la forma más básica para hacer arte. Sin embargo, desde ese entonces y hasta nuestros días se fue perfeccionando. Algunas obras clave de artistas consagrados son dibujadas, como pueden ser los autorretratos de Da Vinci y hasta aquel dibujo de un hombre con brazos y piernas estiradas, llamado Hombre de Vituvrio (1490), en el que Leonardo expuso las proporciones del cuerpo humano. Además, se dibuja para hacer los planos de las mejores construcciones arquitectónicas del mundo. El dibujo lo puede hacer todo. La Galería José María Velasco presenta en esta exposición 41 piezas de tres jóvenes artistas mexicanos: Víctor Lucero, Mayra León y Gerardo Rivera Kura. Los tres exploran las posibilidades y límites del dibujo y narran historias a través de sus obras. Utilizan principalmente tinta y pintura a
συν χρόνος (Sin Khronos): un viaje atemporal a través de la geometría en el arte
En griego "συν χρόνος" (sin khronos) son dos vocablos que hacen referencia a la sincronía, así como a la simultaneidad de hechos y fenómenos en un mismo plano. A partir de esto, el curador de la exposición Daniel García Usabiaga hace una vinculación entre obras de valor histórico que presentan el arte cinético y óptico (op art) y obras contemporáneas que siguen la misma línea. Las paredes de la Galería RGR albergan 10 obras modernas y cinco contemporáneas que conviven y hacen evidente la continuidad de un discurso abstracto geométrico. Las piezas están realizadas con diferentes técnicas y materiales, que pasan por la pintura, los textiles y paralelamente hacen un contacto con la tecnología. Dentro de la parte moderna observarás el emblemático trabajo del venezolano Carlos Cruz-Diez con las piezas Cromointerference Mécanique B12 (1970) y Physichromie 247 (1966), dos obras que jugarán con tu sentido de la vista. A su vez, Victor Vaseraly expone Keple Gestalt (1968), cuyos trazos parecieran que salen de su contorno material. Por la parte contemporánea no te puedes perder la pieza Tetralineados fluo vert (2018) de Elías Crespin, una secuencia de cuadrados fluorescentes que dan la impresión de mantenerse flotando en el aire y que generan diferentes coreografías a lo largo del tiempo. De igual manera, Paul Muguet expone Petate No. 3 (2018) y Secuencia No. 24 (2017), inspiradas en los textiles de diferentes regiones del país. En medio de la sala se encuentra Red and black sun II
Gráfica en el exilio: Josep Renau en el periodo mexicano
La Casa Lago de la UNAM conmemora los 80 años del exilio español en México (1939–2019) con la exposición: Gráfica en el exilio: Josep Renau en el periodo mexicano. Verás por primera vez en México la serie de fotomontajes intitulada The American Way of Life, considerada preámbulo del pop art. Josep Renau (1907-1982) fue un multitalentoso artista español que, como muchos otros de sus compatriotas en la década de los 30, tuvieron que emigrar a México debido a las fuertes tensiones políticas que concluyeron en el franquismo. A su llegada a suelo nacional, y después de algunos días difíciles, comenzó a trabajar en la gráfica y el arte como lo hizo en su país natal. Su labor le llevó a realizar las portadas de las revistas mexicanas Futuro y Lux, crear carteles del cine de oro mexicano y conocer a los muralistas Rivera y Siqueiros. En la famosa serie del pintor y muralista, The American Way of Life, observarás la técnica del fotomontaje, una especie de collage con archivos de fotografía, muy parecidos a los que se verían en el pop art. En esta serie darás cuenta cómo Renau critica a la sociedad estadounidense en plena Guerra fría, con obras como Miss bistec de Chicago que golpea sarcásticamente el consumismo del vecino del norte que moldea a cualquiera —persona o animal— a capricho del comprador, o La prensa hidráulica que vislumbra la vorágine de explotación laboral que el capitalismo introduce como modelo de vida. Con obras que despiertan el “apetito” tanto intelectual como li
David Chipperfield Architects
El paisaje de la ciudad se construye a partir de los edificios que la constituyen, y las personas que los habitan. Los edificios se crean a partir del diseño que los imagina, los materiales de los que están hechos y las historias que le dan vida. Por ello, la arquitectura se encarga de crear los escenarios en los que vivimos nuestras mejores aventuras y donde revivimos nuestros mejores recuerdos. David Chipperfield Architects, uno de los más importantes despachos de arquitectura del mundo, cree precisamente que la arquitectura es capaz de envolvernos como sujetos, a quienes no sólo nos cobija, sino que nos ayuda a estructurar nuestras aspiraciones humanas. Para dar muestra de su trabajo, y en el marco de MEXTRÓPOLI 2019, la firma se apropia del Museo de la Ciudad de México para presentar una selección de proyectos que muestran ese carácter individual y humano de cada edificación. Los proyectos elegidos para mostrar y examinar de forma detallada los procesos de diseño de la firma arquitectónica son la James Simon Galerie, nueva entrada del Museums Island Berlin; el Museo Jumex, que acoge la colección homónima en Polanco; el proyecto de restauración de la Galería Nacional de Berlín, ícono de la arquitectura del siglo XX; y SSENSE, el espacio que materializa el éxito de la plataforma de venta de ropa online en Montreal. Por lo anterior, la exposición David Chipperfield Architects presentará bocetos y modelos relacionados con el comienzo del proceso arquitectónico, el diseño
Opera Omnia. Las obras de arte en la era de la reproducción digital II
En 2015, las obras de Leonardo, Rafael y Caravaggio llegaron con gran éxito al Centro Nacional de las Artes con la Muestra imposible, en la que vimos cuatro salas con 57 reproducciones de sus pinturas más emblemáticas. Ahora, este mismo recinto le da la bienvenida a la segunda parte de su exposición, con otros tres grandes de la pintura renacentista: Giotto di Bondone, Piero della Francesca y Sandro Botticelli. Opera Omnia. Las obras de arte en la era de la reducción digital II es el título que recibe esta nueva exposición que reúne 60 reproducciones digitales en alta resolución y en tamaño original de los tres artistas italianos. Esta muestra permite apreciar obras maestras que se encuentran en diversos recintos del mundo y cuyo valor monetario e histórico hacen imposible su traslado. Entre las piezas que se instauran en la galería encontrarás piezas icónicas como La primavera (1478) y El nacimiento de venus (1486) de Botticelli, La flagelación (1460) de Piero della Francesca y el Nacimiento de Jesús (1306) de Giotto di Bondone. Durante tu recorrido podrás analizar cada detalle de las pinturas debido a su alta resolución, misma que hace visible hasta los más pequeños influjos del tiempo plasmado en las pinturas originales, algo que en los museos es difícil de notar. Uno de los principales objetivos de esta exposición es acercar al público la importancia que tuvo el renacimiento, cuna de grandes avances científicos, corrientes artísticas y de la filosofía humanista. A la p