Exposiciones de fotografía en la CDMX

El artista pensó que había que eliminar a los pájaros. Tumbado a sus 18 años en una playa de Niza, Yves Klein decidió que quería firmar el cielo con su nombre, pero esas manchas voladoras hacían agujeros sobre su lienzo. ¿Cómo podría desprenderse de ellos para alcanzar el abismo azul? Klein exploró esa posibilidad hasta 1962, cuando a sus 34 años fue víctima de una serie de infartos que lo condujeron a la muerte, a pesar de que gozaba de buena salud e incluso era cinta negra en judo.  La explicación de qué fue lo que terminó con su vida podría estar en el mismo método que empleó para realizar su cometido: el pintor francés inventó y patentó el Azul Internacional Klein (IBK, por sus siglas en inglés), un color de pigmento ultramarino intenso hecho con materiales tóxicos y peligrosos que utilizaba para crear obras que llegaban a ese vacío absoluto.  A pesar de las diferentes técnicas que experimentó, el artista se movía en un aspecto conceptual donde la idea de la obra era más importante que la ejecución. Alguna vez dijo que sus pinturas eran las cenizas de su creación. Se resistía a la idea de que la pieza era un fin por sí mismo y la entendía en función de lo único que nos pertenece: la vida. Quizá fue durante su entrenamiento en artes marciales en Japón cuando encontró resguardo en lo espiritual que hay en explorar más allá de lo material en los objetos.  Esa búsqueda por concebir el arte como experiencia lo llevó a realizar 1,200 obras. Algunas de ellas visitarán por pri

El mundo del arte no sólo se enriquece por aquellos que lo crean, también reside en la investigación y conservación de la producción artística; en el acervo como registro. Un ejemplo de esta labor es el trabajo realizado por Helen Escobedo, cuya trayectoria como escultora compaginó con la de gestora cultural. Esta última fue una faceta poco conocida, pero que obtuvo reconocimiento al frente de espacios como el Museo Universitario de Ciencias y Arte MUCA, la Galería Universitaria Aristos, el Museo de Arte Moderno y, por último, el Museo Universitario del Chopo, del que fue una de sus fundadoras. Expandir los espacios del arte. Helen Escobedo en la UNAM (1961-1979) es la primera muestra documental que le dedica el Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC a su trabajo como promotora de espacios culturales en la máxima casa de estudios, bajo la propuesta curatorial de Clara Bolívar y Elva Peniche —pertenecientes al Centro De Documentación Arkheia de la UNAM. La exposición está compuesta por más de 200 elementos provenientes en su mayoría del Fondo Helen Escobedo y el Fondo Histórico MUCA distribuidos en tres núcleos: el primero comprende el periodo de 1961 a 1967, en donde la artista mexicana estuvo a cargo de la programación de montajes en Estados Unidos y Europa. El segundo apartado se enfoca en el trabajo que Escobedo hizo después de la remodelación del MUCA en 1967; su impulso a un programa estudiantil que fomentara la investigación museográfica y el desarrollo de nuevos

David Alfaro Siqueiros convirtió en 1973 su casa de Polanco en un centro de análisis y experimentación para el arte público del porvenir. Hoy, la Sala de Arte Público Siqueiros es un espacio que propicia el diálogo en torno al arte contemporáneo. La primera muestra individual del israelí Ariel Schlesinger en la CDMX da continuidad a algunas inquietudes técnicas y artísticas del muralista mexicano.  Las estructuras son inconscientes se compone de obras poéticas, humorísticas y anárquicas, que utilizan la ingeniería para otorgarle nuevos usos y comportamientos a aparatos funcionales, para alejarlos de su propósito inicial y encaminarlos al desastre o al colapso. Entre las piezas destacadas de la muestra verás una instalación hecha por un conjunto de máquinas, columnas con tanques de gas que crean una burbuja de jabón y caen sobre una parrilla eléctrica para generar una coreografía de siniestros; también hay una pareja de enseres que se convierten en máquinas dispensadoras de refrescos fríos y calientes; unos nidos que sirven como ceniceros, dos bastidores vestidos con lienzos quemados entretejidos a través de unos orificios y fotografías de ventanas rotas sobrepuestas a un cristal fracturado, basadas en la película El chico, de Charlie Chaplin. También se encuentra la instalación del Proyecto Fachada, Pedazos y piezas ensambladas para mostrar la apariencia de un todo (dos veces G.O.), que realizó el artista israelí junto con el británico Jonathan Monk (se trata de la quinta

Existen personas que influyen tanto que se convierten en un referente en diversos ámbitos, tales como la caricatura, la pintura y la cinematografía. Este es el caso del colombiano Leo Matiz, quien figuró como uno de los máximos fotógrafos cuya obra tocaría al muralismo y a la época del cine de oro mexicano. El Museo Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta la exposición Leo Matiz: El muralista de la lente. A cien años de su nacimiento 1917-2017 con una selección de 81 fotografías; además de dibujos, caricaturas y notas periodísticas que en conjunto narran parte de la vida que tuvo este personaje en México. El estilo de Matiz se determina por su gran lenguaje estético con un equilibrio entre el brillo y la penumbra, la quietud, el movimiento y la atmósfera. Sin olvidar su característica más notoria: la alegría reflejada en sus piezas. La capacidad de lograr encuadres es atribuida a su preparación y a todos los oficios a los que se dedicó: fue caricaturista, publicista, galerista, conocedor de las reglas clásicas de composición y enterado del ejercicio periodístico. "En la muestra conocerás el trabajo de Matiz, cuyas imágenes fueron empleadas por los muralistas Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco para la elaboración de sus cuadros y murales, pues no siempre pintaban de memoria", cuenta el biógrafo del artista, Miguel Ángel Flórez Góngora. El también dibujante trabajó en un gran número de películas del cine mexicano; en ese lapso retrató a personalid

El aprecio por la cultura japonesa en México surgió en 1614 con la llegada al puerto de Acapulco de la primera misión liderada por el samurái Hasekura Tsunenaga. Tiempo después, en 1897, cuando arribaron los primeros colonos japoneses a Soconusco, Chiapas —bajo la encomienda del almirante Enomoto Takeaki—, se reforzó el mestizaje cultural entre ambos países hasta convertirse en el tema central de esta exhibición del Museo Franz Mayer. Iroha. Diálogos en el arte. Japón-México evidencia la relación de 120 años entre estos dos mundos a través de objetos, caligrafía, técnicas y ornamentación. “En el siglo XVII y XVIII mercancías y personas eran transportadas mediante galeones, ésta fue la primera etapa de intercambio cultural. Posteriormente se hicieron presentes en la cultura popular y en el arte: en la cerámica, los textiles, los muebles, el arte, el diseño y más reciente en la gastronomía”, cuenta Karina Ruiz Ojeda, cocuradora de la exhibición. Destaca una instalación de armaduras samurái —en especial una que data de 1612— elaborada en acero, cuero, laca, madera y seda; y una katana confeccionada en el año 1227 con acero, madera y plata. Además de una cantina que perteneció a una familia mexicana que vivió en Japón durante la primera mitad del siglo XX. “Incluye un juego de copas, charolas y coctelera, tanto el mueble como todos los utensilios que contiene están elaborados en laca y concha. Junto a esta serie, conviven ornamentos novohispanos de la Colección Museo Franz Maye

Con más de 40 años en el negocio, el ojo de este artista florentino se vuelve el guía ideal para realizar un recorrido a través de los espacios más exclusivos que hay en las galerías del Vaticano y conocer así espacios reservados para los clérigos de alto nivel.  Massimo Listri. Esplendores de la Roma papal reúne una serie de 54 fotografías que el italiano tomó entre los años 2011 y 2016 en lugares como el Museo Gregoriano Profano, la Biblioteca Apostólica, la Sala Redonda, el Gabinete de Laocoonte, la Sala de los Animales, la Escalera Simonetti, la Galería de las Esculturas, la Sala Principal, la Galería de los Candelabros y el ingreso al histórico Museo Pío Clementino. Listri es considerado uno de los mayores referentes que hay en la fotografía de interiores, adicto a los espacios y lugares; durante su larga trayectoria ha capturado la esencia de sitios de gran belleza arquitectónica e importancia artística y cultural. Muchos de estos lugares los retrató mientras trabajaba en la icónica revista de arte FMR. México es el primer país que recibe la colección completa de fotografías del Vaticano secreto, exhibida en el Museo Nacional de San Carlos hasta el 27 de julio, para después partir a otros estados de la República.

Una crónica de la nota roja en México. De Posada a Metinides y del Tigre de Santa Julia al crimen organizado reúne alrededor de 350 piezas, en las que se incluyen fotografías, dibujos, grabados, maquetas, hojas volante, videos y escritos encontrados en las escenas de los crímenes que han formado parte del contenido noticioso del país. Está compuesta en parte por el trabajo del padre de la fotografía de nota roja Enrique Metinides, con un homenaje por su trayectoria y su labor, la cual fundó un estilo que se refleja en las portadas de las publicaciones nacionales. “Me tocaron casos increíbles, pero ahorita el más espantado soy yo”, cuenta Metinides sobre la situación que se vive en México.  Esta muestra se basa en el libro de Carlos Monsiváis Los mil y un velorios. Crónica de la nota roja en México (1994), que narra casos como los asesinatos de Gregorio, Goyo, Cárdenas, Higinio, El Pelón, Sobera y Juana Barraza, La Mataviejitas.  Además, está conformada por parte de la colección fotográfica sobre este tema que el mismo Monsiváis coleccionó a lo largo de su vida, cuya curaduría la realizó Rafael Barajas, El Fisgón, reconocido caricaturista del periódico La Jornada. Este material en conjunto expone la crudeza de un género periodístico vigente; así como a los personajes que lo han registrado, entre ellos, José Guadalupe Posada, Nacho López, los hermanos Casasola, Fernando Brito y Teresa Margolles.

¿Qué son los espacios sin las personas que los habitan? Ésta es una de las premisas de Candida Höfer, considerada como una de las representantes más destacadas de la fotografía contemporánea. El trabajo de la artista alemana ha retratado los colores, estructuras y espacios de recintos emblemáticos del mundo. Ha servido para acercarnos a la vida inaccesible y privada de estas construcciones a través de su lente meticuloso y detallista, colmado de luz. Durante varias décadas la egresada de la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf —conocida por haber revolucionado a la fotografía— ha capturado numerosos edificios, señalados como insignias de las ciudades más cosmopolitas, como el Museo del Louvre, en París, la Galería Uffizi, en Florencia y el Teatro de La Scala de Milán. En 2015, durante su estancia en México, la alemana fotografió 15 espacios públicos emblemáticos de los estados de Jalisco, Guanajuato, Puebla, Oaxaca y la CDMX. El resultado fue una composición de más de 20 fotografías de gran tamaño y 13 en formato pequeño, que serán expuestas en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en colaboración con la Galería OMR. Entre la selección que podremos observar está el interior del Palacio de Bellas Artes y el edificio Basurto en la Ciudad de México, el Teatro Juárez en Guanajuato y el Teatro Degollado en Guadalajara; así como calles y caminos que comprenden la historia de la arquitectura mexicana.