Arte gratis en la CDMX
Ver pinturas, esculturas, fotografías y demás piezas de arte no tiene que se tan caro como adquirirlas. Por eso hicimos una lista con las mejores exposiciones este mes, en la que verás pinturas clásicas, luces neón, fotografías y más.
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Exposiciones de arte gratis
Tania Franco Klein. Proceed to the Route
Colores fuertes, luces tenues, mujeres con presencia escénica. Así son las fotografías con las que Tania Franco Klein retrató Dior Cruise 2019, la colección de la casa de alta costura Christian Dior que se inspiró en el entrañable estilo de las escaramuzas. Como Franco Klein compartió en sus redes sociales: se trató de uno de los eventos más importantes para la fotógrafa mexicana. La artista comienza 2019 con una exposición individual en ALMANAQUE Fotográfica de la CDMX. La obra de la fotógrafa explora las prácticas sociales de las sociedades occidentales del siglo XXI, como la obsesión por la juventud, el ocio, el consumo y la desconexión emocional. En la exposición Proceed to the Route, Franco Klein retrata mujeres al borde del abismo emocional, quienes han sido absorbidas y destrozadas por la sociedad en la que viven; al borde de una carretera buscan un nuevo camino que les permita vivir y no sólo sobrevivir. Los colores y las escenas evocan dimensiones paralelas, que son iguales a las nuestras; en las que el vacío emocional destroza a tal punto que sólo se puede comenzar desde cero. La carrera de Tania es relativamente joven, pero eso no significa que carezca de experiencia o reconocimiento. Por el contrario, su trabajo ha sido ampliamente reconocido y ha colaborado en publicaciones con The Guardian, British Journal of Photography y Vogue Italia, sólo por mencionar algunos. Ha expuesto en diversos puntos de Europa, Estados Unidos y México y ha ganado el Sony World Phot
Las tinieblas sobre la faz de la tierra
Una serie de obras que “no necesitan explicación” y al mismo tiempo buscan “detonar reflexiones sobre la vida y la muerte”, según su autor, conforman el núcleo de la exhibición Las tinieblas sobre la faz de la tierra del artista Bosco Sodi, en la Galería Hilario Galguera. Se trata de 10 pinturas en las que predominan el blanco de titanio, el carbón negro y el aserrín —con las características formales que son ya el sello del artista—, a las que se suman 12 esculturas de barro que Sodi comenzó a trabajar luego de la pérdida de un ser querido. El artista mexicano pasó un año produciendo estas piezas que, a decir suyo, se desarrollaron de forma orgánica: “Toda esta obra la hice en el estudio de Nueva York. En mi proceso no hay ensayos, simplemente comencé a experimentar e ir viendo resultados. […] Quería trabajar con el blanco y el negro, que son colores opuestos, para hacer una obra que hablara de la dualidad, de la constante lucha entre la luz y la oscuridad, la vida y la muerte, el alma y el cuerpo”, cuenta. Sin adherirse a una cosmovisión en particular, Sodi pretende que el espectador extraiga de las piezas sus propias conclusiones; sin embargo, la exposición sugiere un diálogo entre pintura y escultura, lo que exige una reflexión sobre las disciplinas, el papel del artista, su relación con los materiales y el trabajo manual. Esto inevitablemente propone un discurso. ¿Hay otro eje conceptual además de la obvia dualidad? Hay muchos espacios negros en los lienzos como para
Héctor Zamora. Movimientos emisores de existencia
Movimientos emisores de existencia es un performance del artista mexicano radicado en Protugal Héctor Zamora, que tendrá lugar el 5 de febrero (11:30am) en la galería LABOR. Un conjunto de vasijas de barro crudo colacadas en el piso serán pisadas por mujeres con atuendos negros, deformándo el material con diferentes fuerzas. Este último trabajo de Zamora está inspirado en la figura icónica de la mujer cargando una vasija sobre la cabeza para transportar agua o alimentos. Tratándose de una tarea asignada históricamente a las mujeres en diversas culturas, Zamora invierte el papel de la acción colocando la vasija a los pies de las mujeres. Regularmente, las acciones de Zamora que mezclan el cuerpo y la materia se convierten en instalaciones, por lo que verás los restos, a veces ecultóricos, de dicho performance hasta el 16 de marzo. La revisión antropológica que Héctor Zamora hace de las vasijas, nos trasportan a contextos diferentes, desde las vasijas griegas hasta las utilizadas por poblaciones mexicanas. Una de las lecturas de Movimientos emisores de existencia plasmada en comunicado de prensa es que "el acto de pisar estas vasijas es la expresión de una voluntad de poder que se hace presente por medio de en un movimiento orgánico que las transforma en vulvas, simbolizando una toma de control, una reivindicación del placer, de una sexualidad libre". Recomendado: 10 exposiciones que debes ver durante la semana del arte.
ICE NEWS & FREEWAY FETISHES
El año pasado, la Galería OMR presentó el trabajo del francés Yann Gerstberger durante la sexta edición de Salón ACME. Ahora, su trabajo más reciente será expuesto en ICE NEWS & FREEWAY FETISHES, la primera exposición individual de Gertsberg dentro de OMR que mostrará tapices hechos de materiales para el hogar, piezas escultóricas, así como un mural de tiza creado ex profeso. El trabajo de Yann Gerstberger se caracteriza por la combinación de imágenes y recursos que comprenden desde el surrealismo hasta el arte popular nigeriano, inspirado por técnicas como el grafiti y por imágenes digitales. En sus últimos trabajos, se ha dedicado a crear tapices a partir de trapeadores teñidos a mano, dándole peso a la textura de la imagen final, que en conjunto con elementos discontinuos, inocentes, tropicales y primitivos; constituyen un nuevo universo entre lo figurativo y lo abstracto. Por otro lado, sus esculturas antropomórficas se crean con los objetos que encontramos en los mercados de la Ciudad de México, objetos que se reconfiguran para representar a los personajes que trabajan dentro de los mismos mercados. Gerstberger transforma las imágenes e utiliza los colores y figuras exuberantes para conectar el imaginario popular con el mundo. Recomendado: 10 exposiciones que debes ver durante la semana del arte.
XVIII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen
En los últimos años, fotografías como en la que se ve un niño de tres años encontrado muerto en la costa de Turquía (Nilufer Demir) o la escena de una niña hondureña que llora desesperadamente ante uno de los guardias fronterizos (John Moore) han convertido a los fotógrafos en íconos de luchas sociales. Ellos han conmovido al mundo al denunciar actos indescriptibles, patentando el poder de las imágenes ante los hechos. Así es como la fotografía, más allá de brindarnos escenas estéticamente bellas o impresionantes, nos da pauta para cuestionarnos respecto a nuestra propia realidad. Como un símil de dicho planteamiento, las propuestas que integran la XVIII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen nos presentan una exploración de México a través de la imagen. Esta hazaña representa una búsqueda sobre el acontecer social y su complejidad, atendiendo temáticas como la guerra contra el narcotráfico, la violencia, el cuerpo y la vivienda desde un punto de vista arquitectónico, entre otros. Luego de casi cuatro décadas desde la primera Bienal de Fotografía en el país, el Centro de la Imagen organiza una vez más este concurso reflejo de las transformaciones del medio fotográfico. Esta edición 18 se conforma por cerca de 300 piezas de 24 artistas, seleccionados luego de la revisión de 585 postulaciones que formaron parte del certamen. La muestra, curada por el equipo del Centro de la Imagen, nos da un panorama de los materiales, soportes y discursos que abordan los fotógrafos con
Cuerpo. La tradición de la ruptura
El arte de Auguste Rodin, Salvador Dalí, Henry Moore, Louis McClellan Potter, Sarah Bernhardt, Arturo Martini y Marisole Wörner Baz invade el Atrio de San Francisco con una exposición de 10 esculturas que marcaron el cambio de la estética del cuerpo a través del tiempo; desde el Renacimiento, pasando por las vanguardias como el surrealismo, hasta la modernidad. La exposición toma como eje central la réplica en bronce de Lacconte y sus hijos, pieza de Agesandro, Athenodoro y Polidoro de Rodas realizada en el siglo I a. de C. Esta es una obra clave del arte grecorromano clásico. El resto de las escultruas posan como referente de la evolución de la estética y de las corrientes que rompieron con el canon académico, destacando la figura de Rodin como padre de la escultura moderna. Con la llegada de las vanguardias surgió la ruptura en los sesenta y setenta, con un enfoque en la expresión de lo no visible, el mundo interior y la esencia de lo invisible. En este sentido, vemos la obra del británico Henry Moore, quien exploró la figura humana de forma abstracta: su obra sintética prescinde de todo adorno para conseguir lo esencial. Por su parte, observamos piezas de Salvador Dalí, quien jugó con la anatomía para desafiar las leyes científicas y moldear el mundo del inconsciente desde el surrealismo. También se encuentran las esculturas de dos mujeres artistas que trasgredieron con sus discursos estéticos: Sarah Bernhardt, modeló el dolor de la pérdida con Después de la tempestad
Graciela Iturbide: Cuando habla la luz
La sensibilidad con la que Graciela Iturbide inmortaliza los paisajes cotidianos en sus composiciones fotográficas es y ha sido un referente para la construcción de un imaginario cultural mexicano, sensibilidad que la ha convertido en la máxima exponente de la fotografía en México. No por nada en 2008 recibió el premio Hasselblad, uno de los más importantes alrededor de la fotografía en el mundo. A partir de lo anterior, el Palacio de Cultura Citibanamex-Palacio de Iturbide presenta la exposición Graciela Iturbide: Cuando habla la luz, una muestra que reúne 270 fotografías realizadas de 1972 a 2017, bajo la curaduría de Juan Rafael Coronel Rivera. La exposición se divide en 20 módulos e incluye principalmente fotografías impresas en plata sobre gelatina, la técnica más empleada por la artista. Durante tu visita al recinto encontrarás imágenes que resaltan paisajes y personajes de Ecuador, Francia, India, Cuba, Estado de México, Oaxaca y muchas otras ciudades; obras realizadas tras una serie de viajes que nutrieron su obra desde los setenta. Una de sus fotografías más famosas que verás es Nuestra señora de las iguanas (1979), en la que Iturbide retrató a una vendedora de iguanas originaria de Huchitan, Oaxaca. Constatarás la evolución del trabajo de Iturbide, desde las composiciones que muestran la belleza física hasta su obsesión por la simetría en sus últimas series fotográficas. El recorrido es extenso, por lo que tendrás que tener una gran paciencia para contemplar la g
Museos, galerías y centros culturales gratis
Museo Soumaya Casa Guillermo Tovar de Teresa
Durante 25 años, la Fundación Carlos Slim ha buscado que el público mexicano se acerque al arte y la cultura a través de sus dos recintos, Museo Soumaya de Plaza Loreto y Museo Soumaya Plaza Carso. Para celebrar este primer cuarto de siglo, un nuevo espacio se une a la familia: la Casa Guillermo Tovar de Teresa. El museo, ubicado en el corazón de la colonia Roma, enaltece la vida del historiador Guillermo Tovar de Teresa (1956-2013), antiguo cronista de la ciudad y último propietario del inmueble donde se ubica el museo, quien fue tanto asesor de arte para Presidencia de la República como para el propio Carlos Slim, con quien sostuvo una entrañable amistad. Tovar de Teresa manifestó un profundo interés, respeto y amor por las manifestaciones culturales de nuestro país, lo que lo impulsó a adquirir una vasta colección de artesanías, pinturas, esculturas, así como numerosos libros. Esto se muestra aquí. La pinacoteca de Tovar está conformada por obras que datan entre el siglo XVI Y XIX, todas de artistas novohispanos, mexicanos, o extranjeros que manifestaron respeto y admiración por nuestro país en sus piezas. Dentro de ellos, podemos nombrar a Baltazar de Echave y Rioja, José María Estrada, Miguel Cabrera, Simón de Pereyns y Édouard Pingret. Decirlo así suena vacío, pero lo cierto es que todas las obras tienen una razón de ser dentro de la colección: ya sean retratos de ancestros, regalos heredados de generación en generación, pinturas interconectadas entre sí o costurer
Complejo Cultural Los Pinos
"¿Quién diría que nos dejarían entrar a Los Pinos?", me decía el conductor del taxi que me llevó hasta la entrada del espacio residencial ubicado en el Bosque de Chapultepec, ahora abierto al público. Antes de llegar, el conductor aprovechó para contarme una anécdota sobre un expresidente y sus parrandas, así como su gusto por los autos que encontraría dentro del recinto. ¿Cómo no sorprenderse? Si pasaron 84 años desde la creación de Los Pinos bajo el mandato del entocnes presidente Lázaro Cárdenas en 1934, para que los ciudadanos pudieran conocer su interior. Algo similar sucedió durante el mismo mandato de Cárdenas, cuando decidió no vivir en el Castillo de Chapultepec (como lo habían hecho sus antecesores) para que todos pudieran visitarlo, lugar que posteriormente se convirtió en el Museo Nacional de Historia. Dicho espacio residencial llevaba por nombre La Hormiga, pero la nostalgia y el romanticismo gestado por el General Cárdenas llevo a renombrarlo como Los Pinos, en honor a la finca en donde conoció a su esposa doña Amalia Solorzano. Y para hacer honor del nombre, mandó a plantar algunos pinos en sus alrededores, mismos que siguen creciendo en los jardines. Puedes iniciar tu recorrido por alguna de las dos puertas, la puerta uno se encuentra sobre Parque Lira. Aquí te encontrarás con los cañones usados en la batalla de Molino del Rey en 1947 durante la invasión estadounidense, así como el monumento funerario de la batalla que contiene los restos óseos de los mexic
Museo de Sitio de Chapultepec
Tras cinco años viviendo en la CDMX, creía que ya era una experta en Chapultepec: sé llegar al castillo, al Museo de Antropología, al Museo de Arte Moderno, al Museo Tamayo y al zoológico. Así que cuando me dijeron sobre el nuevo Museo de Sitio de Chapultepec surgieron muchas dudas en mi cabeza, pero probablemente la más importante era ¿Chapultepec de verdad necesita otro museo? La respuesta es sí. Este museo es único pues te cuenta la historia del bosque como un espacio que se ha transformado y creado a partir de las interacciones humanas que han tenido lugar ahí. El recinto te recuerda que el bosque era un territorio sagrado para las culturas prehispánicas, en el que tuvieron presencia los toltecas, los teotihuacanos, los tepanecas y los mexicas, en torno a este se crearon leyendas al tiempo que se explotaban sus vastos recursos naturales, incluyendo uno de los acueductos más importantes para la población de Tenochtitlan. También te cuenta que el bosque fue cercado por las autoridades novohispanas para que fuera espacio de disfrute de los españoles, quienes aprovecharon su variedad en flora y fauna para caza y esparcimiento. Es a partir de la independencia que el bosque adquiere aún más importancia, tanto para la historia del país como para la construcción espacial de la ciudad, ya que es escenario y testigo de los cambios políticos del país: cómo olvidar la hazaña de los niños héroes en 1847 ante la invasión estadounidense, o que el Castillo de Chapultepec se volvió resi
Bodega ACME
De entre las ferias de arte que suceden cada año en la CDMX, Salón ACME desde hace 6 años se ha caracterizado por brindar un espacio a artistas jóvenes y concentrar propuestas plurales de arte contemporáneo. Esta feria ya el año pasado extendió sus límites incluyendo a galerías de renombre en su evento, invitando a otros estados, consolidando su sala editorial y con Bodega ACME, un cuarto que exhibía obras de arte de ediciones anteriores. Y es esta última iniciativa, Bodega ACME, la que este mes de julio toma impulso y se planta en el segundo piso de Proyecto Público Prim con una sala de exhibición temporal y un despacho o showroom permanente. El objetivo es dar continuidad a los artistas que se presentan en ediciones anteriores de Salón —desde la primera hasta la última—, creando así un espacio de diálogo permanente entre artistas, productores, coleccionistas y público. El proyecto se fortalece con una plataforma digital que se lanzará en septiembre. La sala de exposiciones de Bodega ACME tendrá una muestra nueva, de corta duración, cada tres meses. Se trata de un gran salón de techos altos e iluminación natural con una arquitectura en deterioro y sin decoraciones o acabados especiales. Lo anterior crea una atmósfera inusual que juega con el espacio y da un toque de atemporalidad a las obras que aquí se presentan. Las piezas con las que abre esta sala son de Víctor del Moral, Ana Paula Santana, Sumie García, Morelos León Célis, Alberto Odériz, Francisco Muñoz, entre otros
Art Point
Caminar por Polanco, entre árboles, banquitas y locales, es una oportunidad de descubrir nuevas cosas, justo ahí se encuentra Art Point, un espacio de exhibición de arte, que desde el primer atisbo está lleno de vida y dinamismo. Es un punto de encuentro que muestra el arte mexicano cuya propuesta puede considerarse demasiado arriesgada o ecléctica para otros espacios. De acuerdo con la directora, Karen Rumbos, este espacio es creado para artistas cuya temática de sus piezas se adaptan a los espacios de exhibición al tiempo que los personaliza, de forma que ninguna obra se verá igual en dos espacios. No te sorprendas si en tu visita te encuentras con alguno de sus artistas y si la visitas recurrentemente notarás que el lugar no luce igual, pues el catálogo de obra es tan amplio que se renueva mensualmente. De acuerdo con Karen, “la galería pretende empujar la discusión sobre las barreras subjetivas del arte, de forma que la oferta artística dependa del trabajo, y de la creación e innovación que generen los artistas, y no de la escuela, el nombre o la recomendación del artista”. Aquí coinciden tanto artistas nacionales e internacionales que comienzan como quienes ya cuentan con más trayectoria, entre ellos Neon Caron, Alejandro Pinpon, AlquimiaMC y Sofía Castellanos. Verás pinturas, esculturas, fotografías y murales, así como obras de diseño y muebles. Las vastas posibilidades se reflejan en el acomodo de las piezas; de manera que conviven mariposas y calaveras con gorilas
Casa Equis
En la Santa María la Ribera me topé con un edificio rojo que pasa desapercibido, o bien, se confunde con un hotel de paso, pero alberga el departamento número siete, donde el arte es el inquilino. Hablo de Casa Equis, una galería creada hace tres meses por los artistas Diego Beyró (Argentina) y Carleti López (España). Al ingresar fui recibido por Roma, una amigable perrita que fue rescatada por Diego en la colonia Roma. Las blancas paredes del inmueble, incluso de la cocina, se encuentran repletas por obra gráfica que va desde collage, pintura, dibujo, fotografía, hasta técnica mixta. Hay piezas en venta de más de 30 artistas nacionales y extranjeros, con precios entre los $2,000 hasta los $20,000. El objetivo es ofrecer arte accesible e incitar a la creación de nuevos coleccionistas. Diego y Carleti apuestan por las nuevas propuestas de arte contemporáneo y para ello ofrecen una residencia de dos meses, que lejos de representar a los artistas, busca apoyarlos a generar arte y exponerlo bajo la propia curaduría del autor. Para construir una comunidad más grande, se realizan convivencias entre artistas con la finalidad de generar dialogo constructivo, además de hacer sesiones de dibujo y un mercado para circular las piezas de arte. A pesar de tratarse de un espacio que acoge en su mayoría a artistas jóvenes de corta y mediana carrera, noté que la vasta colección cumple la premisa de provenir de artistas que más allá de ser accesibles, trabajan con un tema de trasfondo y un
Museo del Tatuaje
En su visita a la ciudad, el dueño del museo del tatuaje más grande del mundo en Ámsterdam, Henk 'Hanky Panky' Schiffmacher, descubrió la amplia colección de artículos sobre este arte que poseía el mexicano Antonio Serrano, conocido como Tony “el chacal”, y lo convenció de crear un museo. En 2014 se hizo realidad y en el mismo predio donde fundó hace 30 años su estudio de tatuajes, Tony creó el único museo en su tipo en México. Luego de una remodelación, el Museo del Tatuaje reabre sus puertas para hacer énfasis en la historia, tradición y usos ancestrales de este arte. Lo hace con una sala que te recibe con fotografías de los vestigios de una momia tatuada encontrada recientemente en Huajuapan de León, Oaxaca, así como una serie de fotografías de Lars Krutak, un antropólogo especialista en el tatuaje en la que vemos retratos de miembros de tribus ancestrales tatuados. En este primer piso también encuentras artefactos de latitudes como Japón y Filipinas con los que se tatuaba en diferentes épocas, así como una vasta recopilación de máquinas rudimentarias con las que se tatúa en la cárcel. El pasillo que te lleva al segundo piso del recinto es un gran muro con carteles, flyers y fotografías de datos curiosos; toparás desde la Barbie tatuada que fue censurada en los noventa hasta una foto de la primera momia documentada con tatuajes (3,200 a.c). Ya en el segundo nivel del museo, verás un amplio salón con revistas de colección y sobre todo con arte gráfica clasificados por es
Hashi Gallery
Para ser exactos México está a 10,797 kilómetros de distancia de las pagodas, el tren bala y el sushi. Seamos sinceros, viajar es increíble y es algo que todos debemos hacer pero para que un mexicano conviva en el país de los japoneses se necesita tomar un vuelo de aproximadamente 16 horas o más, es por eso que Omar Rosales, el director de Hashi Gallery, decidió crear un lugar que comparte con México parte del arte contemporáneo proveniente del país del sol naciente. El próximo nueve de febrero inaugurará en la colonia Roma, la primera galería en CDMX especializada en arte contemporáneo japonés. "Hashi" quiere decir puente y precisamente ese es el concepto principal del proyecto, la idea es contruir una conexión artística y cultural que parte del continente asiático para arrivar en el país del mariachi, el tequila y los tacos. El concepto nipón trae consigo el trabajo de varios japoneses como Yoshihiko Shikada, Saya Irie, Hiroaki Yamanaka, Mutsumi Tomosada, Kubo Hiroko y Yu Kasuya; todos ellos mostrarán más de 30 obras con temas que abarcan la naturaleza, el cuerpo y sus deformaciones, el espacio urbano y los objetos comunes convertidos en arte. Además esta galería incluirá el trabajo de artistas mexicanos contemporáneos, para que la amistad Japón-México atraiga a artistas, curadores, gestores culturales, académicos en las artes y público de ambas nacionalidades.
BWSMX
Lo que antes fue la Galería Yautepec —uno de los espacios más activos en la escena del arte en la ciudad— hoy extiende sus líneas de acción para convertirse en una plataforma colaborativa para el arte contemporáneo. Lleva el nombre de las iniciales de su creador Brett William Schultz, quien a su vez es el director creativo de la Feria de Arte Material (Material Art Fair) y de 2008 a junio de 2017 también dirigió Yautepec.El espacio se conserva como una vitrina inesperada, dos ventanales completos abiertos hacia la calle, sobre Circuito Interior en la San Rafael con una iluminación y altura que favorece a la exposición de las obras, en un ambiente envolvente y más presentable. “Siempre me ha interesado colaborar de manera cercana con mis artistas y colegas”, comenta Brett quien intenta hacer de BWSMX una plataforma más flexible que lejos de representar artistas funcione como una oficina para el arte contemporáneo incluyendo a artistas que no pertenecen a ningún grupo y aprovechando el espacio para otras actividades artísticas. Prueba de esta línea de acción es el Sábado de Galerías, creado en conjunto con Issa Benítez de Proyecto Paralelo que reúne a diferentes galerías el último sábado de cada mes para invitar al público y ofrecerles algo diferente. A pesar de no contar con una lista fija de artistas, inauguró con una muestra de la artista chilena Fabiola Menchelli que ya pertenecía a su grupo y para la próxima edición de la Feria de Arte Material estará presente como exposi
ESPAC, Espacio de Arte Contemporáneo
Uno de los recintos que expone el trabajo de artistas nacionales que no rebasan los 30 años con propuestas experimentales que se alejan de los lugares comunes de la escena artística. Como Marco Treviño, Daniel Monroy, Cristóbal Gracia, Javier M. Rodríguez, Circe Irasema y Chantal Peñalosa. Reubicarse en la Anzures geográficamente le ha dado más visibilidad y le ha permitido extender su línea de contacto directo con el público. La fundadora Laura Orozco asegura que los tres ejes centrales de trabajo dedicados a la pintura contemporánea, nuevas propuestas y producción audiovisual siguen vigentes; sin embargo, la nueva casa tendrá una carta más amplia de charlas, ciclos temáticos, talleres y mesas de discusión. Cuenta con dos salas, un patio frontal, otra área multiusos ubicada al fondo —con un comedor que da más la sensación de querer sentarte y conversar con alguno de los exponentes de las muestras temporales— y una biblioteca con un repertorio moderado, pero simbólico de arte moderno y arte contemporáneo. conformado por textos de Boris Groys, Andréi Tarkovski; publicaciones del Museo Experimental El Eco, Museo Jumex y Museo Tamayo Arte Contemporáneo. Sin dejar los cuatro catálogos de sus exhibiciones Una red de líneas que se intersecan, Post New Mexicanismos, Como fantasmas que vienen de las sombras… y en las sombras, se van e Impresiones del tiempo, diseñados y editados por Alfonso Santiago, director de Ediciones Transversales. Para el 2018 expandirá las publicaciones de
Otros proyectos y muestras gratis
Museos gratis en domingo en la Ciudad de México
Seguro ya conoces los museos gratis de la CDMX pero aquí te decimos cuáles tienen entrada libre los domingos. También te recomendamos las mejores exposiciones de arte contemporáneo y las muestras de fotografía.
Central de Muros, el proyecto que enchula la Central de Abasto
La Central de Abasto (CEDA) es una microciudad que se rige con sus propias leyes, que funciona a su propio ritmo, un laberinto que te come y te escupe a su antojo. Es el mercado mayorista más grande del mundo con 327 hectáreas, recibe a diario a 500 mil personas, y en su aniversario 35 estrena algo que nunca se había visto ahí: un programa de muralismo contemporáneo.
Murales contemporáneos en la Ciudad de México
El muralismo no dejó de existir en México, sólo se ha transformado. Aunque ya no tiene una función primordialmente política como en la era de Diego Rivera o David Alfaro Siqueiros, el arte mural revive en los espacios públicos a través de artistas jóvenes que toman la calle como su lienzo.
Museos gratis por día en la Ciudad de México
En la ciudad hay varios museos que son gratis, pero te decimos los que te consienten un día a la semana, ya sea martes o domingo, y no te cobran la entrada.