Arte gratis en la CDMX

Fantasía, uso desmedido de ornamentos, simbolismos, surrealismo, líneas, arquitectura y autenticidad son solo algunas palabras con las que podemos definir al artista de origen italiano —nacionalizado mexicano—, Pedro Friedeberg. Seguramente lo recuerdas porque en su afán de escaparse de la funcionalidad, en los sesenta creó la famosa Silla Mano, una mano cuya palma sirve de asiento y los dedos de respaldo, como mobiliario y como escultura en diferentes escalas. A sus 82 años de edad, Pedro ha sido expuesto en museos en países como Alemania y Estados Unidos y por supuesto en México en recintos como el Museo del Palacio de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno. Hoy, se encuentra preparando una serie de obras de gran formato, pinturas, dibujos, arte objeto y mobiliario; más de 30 piezas, en su mayoría nuevas, para una exposición individual que abrirá en noviembre 2019 en la galería MAIA Contemporary, donde en 2011 presentó la muestra Extravagancias y Pendejadas, en ese entonces bajo el nombre FIFTY24MX. Mientras llega el 21 de noviembre, fecha de inauguración de la que pudiera ser la exposición del artista más importantes en las últimas décadas, visita su instalación Original Múltiple en la nueva Galería Metro, que celebra los 50 años de creación de este transporte desde la estación Bellas Artes.  Recomendado: Exposiciones de pintura en la Ciudad de México.

Detrás de bambalinas, pintar puede ser un ejercicio de reflexión acerca de los materiales, los soportes, las superficies, los efectos sensibles, las perspectivas y sus consecuencias simbólicas. Ello se deja ver en los trabajos que la galería Proyectos Monclova reúne y exhibe en la exposición Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue. Cada artista con su peculiar propuesta apela a los límites de lo que comúnmente entendemos por pintar. Así, tenemos a James Benjamin Franklin, quien crea soportes para sus piezas utilizando tela de yeso, mallas de alambre y tableros de espuma, pasando por Elsa-Louise Manceaux, quien investiga la forma de producción pictórica en relación con la gráfica y el dibujo; hasta SANGREE que, desde una perspectiva transdisciplinaria, alude al fenómeno de la cultura popular, la historia del arte, la arqueología y lo prehispánico, así como algunas de las preocupaciones humanas más fundamentales. Por su parte, Néstor Jiménez, en un proyecto espacial, expone pinturas que representan distintas caras de los edificios de la U. H. Aztlán, en la emblemática Iztapalapa, fundada y construida por el Frente Popular Francisco Villa en un elocuente gesto político. Recomendado: Exposiciones de pintura en la CDMX.

En esta exposición verás a dos artistas por demás sugerentes. Por una parte, el trabajo de Gabriel de la Mora (Ciudad de México, 1968), a partir de pinturas que aluden a su propio desgaste, nos evoca el paso del tiempo; y por otra, la artista Sofie Muller (Ghent, 1974), a partir de la escultura, realiza una reflexión sobre el cuerpo y su fragilidad temporal. En Pentimento resulta atractiva la forma en la que la galería Proyectos Monclova provoca el diálogo entre los artistas. En el caso de Mora, a partir de exponer sus pinturas al ambiente, crea un efecto natural de deterioro que se incorpora a la pintura en su colorido original; quizás una metáfora a lo que le ocurre al propio cuerpo humano. No obstante, el artista explica su propia obra como “una analogía al daño causado por el hombre sobre el paisaje”, en una suerte de revertimiento. Mientras que Muller emplea alabastro —piedra blanca y traslucida—, evocando las consecuencias de lo infructuosa que resulta la vida; sus piezas muestran partes del cuerpo en su desgaste y en su fragilidad. El contraste de dicho material con otras texturas revelan el impacto del deterioro que pretende hacer presente. Por otro lado, la artista presenta peculiares y dramáticos dibujos hechos con sangre sobre el propio alabastro, que en palabras de ella "apelan a la fragilidad del cuerpo humano mediante el uso de materiales naturales y orgánicos”.  En conjunto, las dos propuesta resultan una metáfora a lo que nos ocurre como humanos, una poé

¿Es posible apreciar el arte a través de otros sentidos que no sean la vista y el oído? La respuesta se encuentra en Epifanía de los sentidos. Esta exposición colectiva apuesta por una apreciación de las obras desde la inmersión sensorial. Forma parte del Gallery Weekend, aunque su duración no no es de una semana; inicia el 6 de septiembre y termina el 18 de enero en Galería L.  El olfato es el eje rector de la muestra, pues son tres olores propuestos por los artistas perfumeros de Xinú los que guían a las obras. Las esencias fueron creadas a partir de la variedad de plantas de América y dichos aromas son traducidos en imágenes por las artistas Sofía Ortíz, Sandra Pani y Elvira Smeke.  Sandra Pani parte del prehispánico Copal para generar sus 13 piezas plásticas. Sofía Ortíz juega con la fenomenología del cuerpo para crear un dibujo monocromático que representa la exuberancia de las plantas. Mientras que Elvira Smeke plasma el ciclo de la vida con ayuda de diferentes especies florales.  Felipe Pérez Santiago es el creador de tres piezas musicales: Copála, OroNardo y Vórtice Ensamble. Cada una tiene diferente ritmo lo que evoca diferentes sentimientos. Complementando estas piezas se encuentra un material audiovisual que está sujeto a los instrumentos que forman parte de ellas. Para apelar al sentido del tacto Rodete Studio preparó algunas piezas de joyería, constituidas de materiales como oro, plata, vidrio transparente y resinas. Tienen formas que van acordes a la temátic

La luna, el único satélite natural que gira alrededor de la Tierra, el astro que ha dado inspiración y gran fascinación a los seres humanos a lo largo de la historia. La conquista del cuerpo celeste se concretó gracias a la carrera espacial de los sesenta culminada en julio de 1969,  cuando la misión Apolo 11 realizó el primer alunizaje. Tras cincuenta años de dicha hazaña, el artista francés Sebastien Girard, el Archive of Modern Conflict y la curadora Luce Lebart proponen un ensayo visual en el Fotomuro del Centro de la Imagen titulado El lado oscuro de la luna. Con una extensión de casi 50 metros, Girard trae hasta nuestros ojos una serie de fotografías que se han realizado de la luna durante varias épocas. La selección de tomas que forman el fondo del fotomuro fue sustraída de la cámara del Apolo 17, la última misión tripulada a la luna que se realizó en diciembre de 1972, mismas que fueron realizadas tras un error fotográfico fruto de la energía estática que se generó en la cámara del orbitador en el intento de capturar el lado oscuro de la luna. En la parte inferior de la instalación encontrarás fotos inéditas tomadas del astro que revelan distintas técnicas y usos de la fotografía: van desde la reproducción en albúmina de 1895, pasando por los anaglifos del fotógrafo francés de principios de siglo León Gimpel, hasta el material fotográfico de la NASA producido de 1962 a 1972. Además, encontrarás fotografías tomadas de películas como La mujer en la luna (1929) de Fr

Todos hemos volteado al cielo al menos una vez en la vida y nos hemos maravillado con el esplendor de la luna, ese satélite natural nos ha provocado un pensamiento profundo o simplemente nos ha otorgado un momento de contemplación en la inmensidad del infonito. Por ello, y por el cincuenta aniversario de la llegada del ser humano a la luna, el Centro de la Imagen nos ofrece una oportunidad renovada para reflexionar sobre nuestro satélite natural, su presencia física y su relación constante con la vida en la Tierra con la exposición De la A a la Z: viaje a la Luna. Dicha muestra reúne el trabajo fotográfico y en video del artista Leandro Katz. La idea de que el cuerpo celeste es un concepto comprendido por todos los seres humanos, se ha mantenido presente a lo largo de la trayectoria del argentino. Katz se sumergió en la lingüística, las escrituras secretas, los lenguajes antiguos (especialmente el maya) y la invención del lenguaje. Para así capturar 27 momentos de las fase lunar, transmutarlos y convertirlos en un alfabeto y en una máquina de escribir. Con esto, crea un nuevo lenguaje poético y desencadena el potencial de la luna como dispositivo verbal, al tiempo que construye nuevas realidades y experimenta con las existentes.  En la pared del recinto encontrarás el alfabeto lunar junto con su equivalencia en el español, así como una fotografía de la máquina de escribir creada por Katz. Sobre esta fotografía se encuentra una frase que solo puede ser leída a partir de los

La música no sólo se escucha con el oído, se siente con todo el cuerpo. El acto de escuchar conlleva muchas cosas más que solo percibir sonidos armónicos; requiere interpretarlos e interiorizarlos, sentirlos. En este sentido, el Centro Cultural de España en México (CCEMX) junto con Musethica —asociación española que realiza conciertos en lugares como albergues, centros sociales, hospitales y hasta museos y salas de conciertos— presentan la exposición interactiva Vibraciones, para que de verdad sientas la música clásica. Inspirada en la relación que se establece entre el músico y el oyente, la muestra cuenta con instalaciones sonoras y visuales. Escucharás con tus huesos, piel, músculos y hasta con la palma de tu mano gracias a tecnologías que reproducen el sonido de manera sensitiva. Podrás pasearte por las cinco salas del CCEMX de manera libre para que tengas tu propia experiencia al interactuar con más de 30 videos y audios. La música de dichas piezas es parte del repertorio clásico interpretado por estudiantes y profesores de todo el mundo, quienes forman parte de Musethica. Vibraciones busca acercarte tanto a los músicos, quienes sienten las vibraciones del instrumento al tocarlo, como a las personas que no pueden escuchar de manera normal o, mejor dicho, que lo hacen de manera distinta a la tuya. Dicho en otras palabras, con las obras experimentarás otra manera de escuchar. Recomendado: Exposiciones para disfrutar el verano en la CDMX. 

El nombre de Acapulco 62 se originó por su primera ubicación en la Roma y hoy llega a una esquina de contrastes urbanos en la Santa María la Ribera, como una galería que se dedica a la difusión del arte contemporáneo con la intención primordial de fomentar la multidisciplinariedad de estilos. Los impulsores del proyecto, Boris Viskin y Alfonso Mena, buscan reducir las brechas que separan a los artistas y es por ello que Acapulco 62 no defiende o se sustenta en una sola línea estética, sino que impulsa el debate y la colaboración en torno a la experiencia estética más que en la obra en sí misma.  El lugar discreto y pequeño, con pocos distractores, no desperdicia el espacio. Detrás de un pequeño pasillo, encuentras un patio llamado “el revolcadero”, sí, como la famosa playa de Acapulco: el sitio ideal para discutir las piezas que acabas de observar o entrar en conversación con personas que aprecien las experiencias estéticas ajenas. Hay tapas y cerveza de barril en el menú.  La exposición que acompaña la reapertura de Acapulco 62, Impresentables nacionales a todo color 1era temporada, de Franco Aceves Humana, encaja perfectamente. Se compone de numerosos retratos de personajes non gratos de la reciente historia de México, creando un interesante contraste tanto en la paleta de colores que se usa para representar entes sombríos como en la distancia que crean los retratos, pues si bien un retrato o autoretrato generalmente despierta admiración y aprecio, la memoria hace que los

El Centro de la Imagen agrupa 88 copias de plata gelatina de Rodrigo Moya, el fotodocumentalista que retrató la desigualdad en Latinoamérica, en tres núcleos. Primero, Ciudad/Periferia establece la transición de las antiguas vecindades a una ciudad llena de unidades habitacionales (como el complejo de Tlatelolco), así como el traslado de las clases marginadas a la periferia y orillas de la Ciudad de México. Campo es el segundo núcleo y muestra imágenes de la caída económica y el abandono de las actividades primarias que dieron paso a la industrialización y al impulso del sector secundario en México; el fotógrafo retrata a las personas más afectadas por esta transición. Observarás la imagen que captura el momento en el que una maestra imparte clases en una escuela mientras en el pizarrón se lee: “La pobreza no es vergüenza”. Por último, Conmoción social muestra la catarsis gestada en las manifestaciones por parte de estudiantes, profesores y trabajadores ante las alzas de los precios después de la devaluación del peso durante 1955. De este periodo contemplarás una toma en la que un camión se incendia a los pies del Monumento a la Revolución. Esta exposición se complementa con la muestra Rodrigo Moya. México/Escenas en el Museo del Palacio de Bellas Artes.