Exposiciones gratuitas en la CDMX

La sensibilidad con la que Graciela Iturbide inmortaliza los paisajes cotidianos en sus composiciones fotográficas es y ha sido un referente para la construcción de un imaginario cultural mexicano, sensibilidad que la ha convertido en la máxima exponente de la fotografía en México. No por nada en 2008 recibió el premio Hasselblad, uno de los más importantes alrededor de la fotografía en el mundo. A partir de lo anterior, el Palacio de Cultura Citibanamex-Palacio de Iturbide presenta la exposición Graciela Iturbide: Cuando habla la luz, una muestra que reúne 270 fotografías realizadas de 1972 a 2017, bajo la curaduría de Juan Rafael Coronel Rivera. La exposición se divide en 20 módulos e incluye principalmente fotografías impresas en plata sobre gelatina, la técnica más empleada por la artista. Durante tu visita al recinto encontrarás imágenes que resaltan paisajes y personajes de Ecuador, Francia, India, Cuba, Estado de México, Oaxaca y muchas otras ciudades; obras realizadas tras una serie de viajes que nutrieron su obra desde los setenta. Una de sus fotografías más famosas que verás es Nuestra señora de las iguanas (1979), en la que Iturbide retrató a una vendedora de iguanas originaria de Huchitan, Oaxaca. Constatarás la evolución del trabajo de Iturbide, desde las composiciones que muestran la belleza física hasta su obsesión por la simetría en sus últimas series fotográficas. El recorrido es extenso, por lo que tendrás que tener una gran paciencia para contemplar la g

En los últimos años, fotografías como en la que se ve un niño de tres años encontrado muerto en la costa de Turquía (Nilufer Demir) o la escena de una niña hondureña que llora desesperadamente ante uno de los guardias fronterizos (John Moore) han convertido a los fotógrafos en íconos de luchas sociales. Ellos han conmovido al mundo al denunciar actos indescriptibles, patentando el poder de las imágenes ante los hechos. Así es como la fotografía, más allá de brindarnos escenas estéticamente bellas o impresionantes, nos da pauta para cuestionarnos respecto a nuestra propia realidad. Como un símil de dicho planteamiento, las propuestas que integran la XVIII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen nos presentan una exploración de México a través de la imagen. Esta hazaña representa una búsqueda sobre el acontecer social y su complejidad, atendiendo temáticas como la guerra contra el narcotráfico, la violencia, el cuerpo y la vivienda desde un punto de vista arquitectónico, entre otros. Luego de casi cuatro décadas desde la primera Bienal de Fotografía en el país, el Centro de la Imagen organiza una vez más este concurso reflejo de las transformaciones del medio fotográfico. Esta edición 18 se conforma por cerca de 300 piezas de 24 artistas, seleccionados luego de la revisión de 585 postulaciones que formaron parte del certamen. La muestra, curada por el equipo del Centro de la Imagen, nos da un panorama de los materiales, soportes y discursos que abordan los fotógrafos con

Movimientos emisores de existencia es un performance del artista mexicano radicado en Protugal Héctor Zamora, que tendrá lugar el 5 de febrero (11:30am) en la galería LABOR. Un conjunto de vasijas de barro crudo colacadas en el piso serán pisadas por mujeres con atuendos negros, deformándo el material con diferentes fuerzas.  Este último trabajo de Zamora está inspirado en la figura icónica de la mujer cargando una vasija sobre la cabeza para transportar agua o alimentos. Tratándose de una tarea asignada históricamente a las mujeres en diversas culturas, Zamora invierte el papel de la acción colocando la vasija a los pies de las mujeres. Regularmente, las acciones de Zamora que mezclan el cuerpo y la materia se convierten en instalaciones, por lo que verás los restos, a veces ecultóricos, de dicho performance hasta el 16 de marzo.  La revisión antropológica que Héctor Zamora hace de las vasijas, nos trasportan a contextos diferentes, desde las vasijas griegas hasta las utilizadas por poblaciones mexicanas. Una de las lecturas de Movimientos emisores de existencia plasmada en comunicado de prensa es que "el acto de pisar estas vasijas es la expresión de una voluntad de poder que se hace presente por medio de en un movimiento orgánico que las transforma en vulvas, simbolizando una toma de control, una reivindicación del placer, de una sexualidad libre".  Recomendado: 10 exposiciones que debes ver durante la semana del arte. 

Colores fuertes, luces tenues, mujeres con presencia escénica. Así son las fotografías con las que Tania Franco Klein retrató Dior Cruise 2019, la colección de la casa de alta costura Christian Dior que se inspiró en el entrañable estilo de las escaramuzas. Como Franco Klein compartió en sus redes sociales: se trató de uno de los eventos más importantes para la fotógrafa mexicana. La artista comienza 2019 con una exposición individual en ALMANAQUE Fotográfica de la CDMX. La obra de la fotógrafa explora las prácticas sociales de las sociedades occidentales del siglo XXI, como la obsesión por la juventud, el ocio, el consumo y la desconexión emocional. En la exposición Proceed to the Route, Franco Klein retrata mujeres al borde del abismo emocional, quienes han sido absorbidas y destrozadas por la sociedad en la que viven; al borde de una carretera buscan un nuevo camino que les permita vivir y no sólo sobrevivir. Los colores y las escenas evocan dimensiones paralelas, que son iguales a las nuestras; en las que el vacío emocional destroza a tal punto que sólo se puede comenzar desde cero. La carrera de Tania es relativamente joven, pero eso no significa que carezca de experiencia o reconocimiento. Por el contrario, su trabajo ha sido ampliamente reconocido y ha colaborado en publicaciones con The Guardian, British Journal of Photography y Vogue Italia, sólo por mencionar algunos. Ha expuesto en diversos puntos de Europa, Estados Unidos y México y ha ganado el Sony World Phot

Una serie de obras que “no necesitan explicación” y al mismo tiempo buscan “detonar reflexiones sobre la vida y la muerte”, según su autor, conforman el núcleo de la exhibición Las tinieblas sobre la faz de la tierra del artista Bosco Sodi, en la Galería Hilario Galguera. Se trata de 10 pinturas en las que predominan el blanco de titanio, el carbón negro y el aserrín —con las características formales que son ya el sello del artista—, a las que se suman 12 esculturas de barro que Sodi comenzó a trabajar luego de la pérdida de un ser querido. El artista mexicano pasó un año produciendo estas piezas que, a decir suyo, se desarrollaron de forma orgánica: “Toda esta obra la hice en el estudio de Nueva York. En mi proceso no hay ensayos, simplemente comencé a experimentar e ir viendo resultados. […] Quería trabajar con el blanco y el negro, que son colores opuestos, para hacer una obra que hablara de la dualidad, de la constante lucha entre la luz y la oscuridad, la vida y la muerte, el alma y el cuerpo”, cuenta. Sin adherirse a una cosmovisión en particular, Sodi pretende que el espectador extraiga de las piezas sus propias conclusiones; sin embargo, la exposición sugiere un diálogo entre pintura y escultura, lo que exige una reflexión sobre las disciplinas, el papel del artista, su relación con los materiales y el trabajo manual. Esto inevitablemente propone un discurso.  ¿Hay otro eje conceptual además de la obvia dualidad? Hay muchos espacios negros en los lienzos como para

El año pasado, la Galería OMR presentó el trabajo del francés Yann Gerstberger durante la sexta edición de Salón ACME. Ahora, su trabajo más reciente será expuesto en ICE NEWS & FREEWAY FETISHES, la primera exposición individual de Gertsberg dentro de OMR que mostrará tapices hechos de materiales para el hogar, piezas escultóricas, así como un mural de tiza creado ex profeso. El trabajo de Yann Gerstberger se caracteriza por la combinación de imágenes y recursos que comprenden desde el surrealismo hasta el arte popular nigeriano, inspirado por técnicas como el grafiti y por imágenes digitales. En sus últimos trabajos, se ha dedicado a crear tapices a partir de trapeadores teñidos a mano, dándole peso a la textura de la imagen final, que en conjunto con elementos discontinuos, inocentes, tropicales y primitivos; constituyen un nuevo universo entre lo figurativo y lo abstracto. Por otro lado, sus esculturas antropomórficas se crean con los objetos que encontramos en los mercados de la Ciudad de México, objetos que se reconfiguran para representar a los personajes que trabajan dentro de los mismos mercados. Gerstberger transforma las imágenes e utiliza los colores y figuras exuberantes para conectar el imaginario popular con el mundo.  Recomendado: 10 exposiciones que debes ver durante la semana del arte. 

El arte de Auguste Rodin, Salvador Dalí, Henry Moore, Louis McClellan Potter, Sarah Bernhardt, Arturo Martini y Marisole Wörner Baz invade el Atrio de San Francisco con una exposición de 10 esculturas que marcaron el cambio de la estética del cuerpo a través del tiempo; desde el Renacimiento, pasando por las vanguardias como el surrealismo, hasta la modernidad.  La exposición toma como eje central la réplica en bronce de Lacconte y sus hijos, pieza de Agesandro, Athenodoro y Polidoro de Rodas realizada en el siglo I a. de C. Esta es una obra clave del arte grecorromano clásico. El resto de las escultruas posan como referente de la evolución de la estética y de las corrientes que rompieron con el canon académico, destacando la figura de Rodin como padre de la escultura moderna. Con la llegada de las vanguardias surgió la ruptura en los sesenta y setenta, con un enfoque en la expresión de lo no visible, el mundo interior y la esencia de lo invisible. En este sentido, vemos la obra del británico Henry Moore, quien exploró la figura humana de forma abstracta: su obra sintética prescinde de todo adorno para conseguir lo esencial. Por su parte, observamos piezas de Salvador Dalí, quien jugó con la anatomía para desafiar las leyes científicas y moldear el mundo del inconsciente desde el surrealismo.  También se encuentran las esculturas de dos mujeres artistas que trasgredieron con sus discursos estéticos: Sarah Bernhardt, modeló el dolor de la pérdida con Después de la tempestad