Eventos de arte y cultura en noviembre en la CDMX

El Museo Dolores Olmedo festeja su 25 aniversario renovando la museografía de su colección permanente, incluyendo obras de Frida Kahlo que se encontraban hasta hace muy poco de gira internacional. Verás emblemas como Unos cuantos piquetitos. En total son 20 pinturas hechas por Frida Kahlo y 27 por Diego Rivera. Pocas veces, como visitantes, nos cuestionamos el porqué de la colocación de los objetos al interior de un museo. Sin darnos cuenta, esa disposición influye en nuestra interpretación o goce estético, y gracias a eso puedes experimentar con obras que quizás ya conocías.En el caso del Museo Dolores Olmedo, la nueva propuesta es imaginativa y narrativa; al comenzar el recorrido te reciben los autorretratos de Frida y Diego Rivera, posteriormente verás dos piezas elementales para los artistas: el retrato de Alicia Galant y El matemático, las cuales inauguran la formalización de ambos como pintores. Sucesivamente, la exposición de pintura te muestra las influencias que motivaron a dicha pareja sentimental en la construcción de sus discursos con piezas de arte prehispánico, artesanías mexicanas y las distintas etapas tanto de su vida como de su trabajo. Al final, la Sala Fernando Gamboa deja un sabor dulce con el colorido decorado de sus paredes y las muy presentables catrinas. Las obras de dichos artistas del siglo XX han sido presentadas en conjunto como en separado en países como Alemania, Canadá, Estados Unidos, Italia, Rusia, Hungría y  Francia y han roto records de vi

Fantasía, uso desmedido de ornamentos, simbolismos, surrealismo, líneas, arquitectura y autenticidad son solo algunas palabras con las que podemos definir al artista de origen italiano —nacionalizado mexicano—, Pedro Friedeberg. Seguramente lo recuerdas porque en su afán de escaparse de la funcionalidad, en los sesenta creó la famosa Silla Mano, una mano cuya palma sirve de asiento y los dedos de respaldo, como mobiliario y como escultura en diferentes escalas. A sus 82 años de edad, Pedro ha sido expuesto en museos en países como Alemania y Estados Unidos y por supuesto en México en recintos como el Museo del Palacio de Bellas Artes y el Museo de Arte Moderno. Hoy, se encuentra preparando una serie de obras de gran formato, pinturas, dibujos, arte objeto y mobiliario; más de 30 piezas, en su mayoría nuevas, para una exposición individual que abrirá en noviembre 2019 en la galería MAIA Contemporary, donde en 2011 presentó la muestra Extravagancias y Pendejadas, en ese entonces bajo el nombre FIFTY24MX. Mientras llega el 21 de noviembre, fecha de inauguración de la que pudiera ser la exposición del artista más importantes en las últimas décadas, visita su instalación Original Múltiple en la nueva Galería Metro, que celebra los 50 años de creación de este transporte desde la estación Bellas Artes.  Recomendado: Exposiciones de pintura en la Ciudad de México.

Nacida en 1964, Adriana Varejão es una de las artistas líderes de Brasil habiendo participado en diversas exposiciones internacionales, entre ellas, la Bienal de São Paulo, Tate Modern en Londres y en el MoMA en Nueva York. Su obra tiene como base argumental al período colonial brasileño y utiliza técnicas mixtas como óleo, tela y escultura de madera para transmitir la idea de recuperación cultural. Un elemento recurrente en su trabajo son los azulejos, que parecen tener carne de algún ser vivo. Dichos elementos sugieren la unión entre los objetos del pasado y la historia viva del presente, entre lo real y lo abstracto, ya que los modelos de azulejos fueron tomados de edificios importantes de Portugal, España o Brasil y la acción de “rellenarlos” con carne hace alusión a la introducción de esos elementos a una nueva cultura. En cierta forma, los edificios son la superficie visible de una ciudad, su piel que enseña las cicatrices de su historia, los cambios y las nuevas modas. En la pieza Figura de convite I la artista presenta una antigua alegoría europea que invita a una fiesta de caníbales, una ilustración típica de los autores europeos que exageraban a los pueblos nativos de américa, que en realidad no sabían nada de ellos. Sin embargo, bajo esta nueva perspectiva, la obra se apropia de dicho discurso burlón y como si fuese una continuación de la “antropofagia brasileña” crea una nueva versión auténtica que expresa que si bien Brasil fue una colonia, ellos devoraron la c

En esta exposición verás a dos artistas por demás sugerentes. Por una parte, el trabajo de Gabriel de la Mora (Ciudad de México, 1968), a partir de pinturas que aluden a su propio desgaste, nos evoca el paso del tiempo; y por otra, la artista Sofie Muller (Ghent, 1974), a partir de la escultura, realiza una reflexión sobre el cuerpo y su fragilidad temporal. En Pentimento resulta atractiva la forma en la que la galería Proyectos Monclova provoca el diálogo entre los artistas. En el caso de Mora, a partir de exponer sus pinturas al ambiente, crea un efecto natural de deterioro que se incorpora a la pintura en su colorido original; quizás una metáfora a lo que le ocurre al propio cuerpo humano. No obstante, el artista explica su propia obra como “una analogía al daño causado por el hombre sobre el paisaje”, en una suerte de revertimiento. Mientras que Muller emplea alabastro —piedra blanca y traslucida—, evocando las consecuencias de lo infructuosa que resulta la vida; sus piezas muestran partes del cuerpo en su desgaste y en su fragilidad. El contraste de dicho material con otras texturas revelan el impacto del deterioro que pretende hacer presente. Por otro lado, la artista presenta peculiares y dramáticos dibujos hechos con sangre sobre el propio alabastro, que en palabras de ella "apelan a la fragilidad del cuerpo humano mediante el uso de materiales naturales y orgánicos”.  En conjunto, las dos propuesta resultan una metáfora a lo que nos ocurre como humanos, una poé

El artista norteamericano Rashid Johnson es un afrodescendiente nacido en 1977 y su trabajo está repleto de la carga cultural que significa pertenecer a ese sector en su nación, es por ello que utiliza materiales como el jabón negro, la manteca de karité y las plantas tropicales. Por otro lado, sus obras que puedes ver en el Museo Tamayo también son de introspección y un recorrido por la psique individual del artista. Desde la primera sala se hace evidente la capacidad del artista para transmitir la ansiedad, sensación clave alrededor de la muestra, pues como espectador te puedes sentir sobrepasado por la desesperación que muestran los rostros con cuencas vacías de los personajes creados por Rashid, pero si lo meditas darás cuenta de cómo el artista plasma a la ansiedad como un malestar global, que puede tomar como presa a cualquiera de nosotros. Es en ese discurso donde toma la palabra otro concepto clave en Los senderistas: la identidad. Johnson explora con el performance y la instalación la sensación de la falta de pertenencia o la pertenencia equivocada, lo cual conlleva a cargar con una identidad falsa o construida por alguien más. Aunque el artista retoma lo anterior desde su perspectiva como afrodescendiente, pararte frente a la instalación The crisis —gran estructura que combina lo natural con lo artificial, la difamación con lo real y lo auténtico con lo falso— es una gran oportunidad para que te preguntes ¿cuáles son los estereotipos que otros te han cargado a ti?

¿Es posible apreciar el arte a través de otros sentidos que no sean la vista y el oído? La respuesta se encuentra en Epifanía de los sentidos. Esta exposición colectiva apuesta por una apreciación de las obras desde la inmersión sensorial. Forma parte del Gallery Weekend, aunque su duración no no es de una semana; inicia el 6 de septiembre y termina el 18 de enero en Galería L.  El olfato es el eje rector de la muestra, pues son tres olores propuestos por los artistas perfumeros de Xinú los que guían a las obras. Las esencias fueron creadas a partir de la variedad de plantas de América y dichos aromas son traducidos en imágenes por las artistas Sofía Ortíz, Sandra Pani y Elvira Smeke.  Sandra Pani parte del prehispánico Copal para generar sus 13 piezas plásticas. Sofía Ortíz juega con la fenomenología del cuerpo para crear un dibujo monocromático que representa la exuberancia de las plantas. Mientras que Elvira Smeke plasma el ciclo de la vida con ayuda de diferentes especies florales.  Felipe Pérez Santiago es el creador de tres piezas musicales: Copála, OroNardo y Vórtice Ensamble. Cada una tiene diferente ritmo lo que evoca diferentes sentimientos. Complementando estas piezas se encuentra un material audiovisual que está sujeto a los instrumentos que forman parte de ellas. Para apelar al sentido del tacto Rodete Studio preparó algunas piezas de joyería, constituidas de materiales como oro, plata, vidrio transparente y resinas. Tienen formas que van acordes a la temátic