Eventos de arte y cultura en noviembre en la CDMX

La risa de Mozart, esa tan genuina y contagiosa que puede escucharse en cada escena de la película Amadeus (Milos Forman, 1984) se expande a sus óperas, venciendo así cualquier estigma de que ésta expresión es pesada, aburrida o excesivamente dramática. Para muestra, Las bodas de Fígaro, ópera de cuatro actos en la que una pareja de enamorados debe sortear toda clase de enredos que incluyen celos, deseos e infidelidades. Antes de que se lleven a cabo las bodas, Susana y Fígaro revelan la eterna relación, algunas veces opresiva y otras confianzuda, entre sirvientes y patrones. Uno de los títulos mayores de la ópera bufa regresa al escenario del Palacio de Bellas Artes de la mano de Mauricio García Lozano, quien a la par de su quehacer como director de éxitos teatrales shakesperianos, como Macbeth, Romeo y Julieta y Ricardo III, es uno de los más aplaudidos directores escénicos de ópera. De hecho, con Las bodas de Fígaro cierra una trilogía de montajes de piezas compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart: Don Giovanni y Cossi fan tutte, las cuáles llevó ya a escena, fusionando así las dos pasiones que han regido su trayectoria: el teatro y la música. “Una de mis búsquedas ha sido la de regresar el teatro a la ópera y, en ese sentido, esta es una gran oportunidad porque se trata de una gran obra de teatro con una música sublime. Mis procesos, sean de teatro o de ópera son de descubrimiento: me abro para percibir el mundo de los cantantes y, a partir de sus intuiciones, hallar un d

¿Qué somos capaces de hacer por ver a nuestros seres más queridos siempre con vida? ¿Qué haríamos con tal de ver a la mujer que nos dio la vida alegre y con deseos de seguir luchando? Una de las opciones de los dramaturgos ingleses Duncan Macmillan y Jonny Donahoe es crear una lista de todo aquello, grande o pequeño, que sea capaz de maravillar a cada uno de los sentidos de un individuo. Dicho listado no podía haber caído en mejores manos: Sebastián Sánchez Amunátegui, director de comedias ácidas y entrañables como La lechuga y El loco y la camisa, enfrenta nuevamente –con una deliciosa traducción de Pilar Ixquic Mata– un texto agridulce que habla sobre la depresión materna y cómo trastoca, silenciosa e invisible, la vida de un hombre desde la infancia hasta la adultez. El montaje es sencillo, concreto y demandante para actor y público. Lo más sutil del estilo de Sánchez Amunátegui está puesto sobre la escena. Amén del director, esta obra le corresponde a su actor y productor; Pablo Perroni y su personaje se plantan en el escenario con una sonrisa, así entendemos que ambos están mimetizados. Él cuenta su historia, comparte el soundtrack de su vida, invita a algunos miembros del público para que lo ayuden a recrear momentos fundamentales y, por supuesto, desgrana una lista infinita de cosas maravillosas –una más sorprendente y certera que la otra–, a partir de los sólidos recursos del guión y el encanto del actor. Se trata de un evento teatral que, desde una genuina humilda

Escrita y dirigida por Alejandro Ricaño, El amor de las luciérnagas es una obra que ha conquistado al público mexicano por más de seis años.  María, llena de melancolía por una ruptura amorosa, emprende un viaje a una pequeña ciudad en Noruega para refugiarse de sus recuerdos. Acompañada de una maleta, la joven escritora de cuentos para niños comenzará una búsqueda de ella misma. La obra retrata a una mujer que llega hasta el fin del mundo para darse cuenta que debe reencontrarse. El personaje interpretado por Adriana Montes de Oca se desdobla en tres etapas de su vida. Tras cada diálogo, una mujer cede la voz a la otra para dar vida a María en un cambio vertiginoso. Las tres son diferentes y retratan precisamente esa transición en el personaje, en el que los sueños y las emociones de la adolescencia marcan la vida actual de María. La historia, divertida y conmovedora, se amalgama perfectamente con la escenografía, con apenas algunos elementos de utilería, y la iluminación. Del techo penden decenas de focos que recuerdan esa luz que emiten las luciérnagas, como los recuerdos intermitentes que invaden esta puesta en escena. El elenco de esta temporada que termina el 10 de diciembre se complementa con Sara Pinet, Ana Zavala, Sofía Sylwin, Ximena Sastrías, Assira Abbate, Hamlet Ramírez, Luis Eduardo Yee, Pablo Marín, Andrés Torres Orozco y Ricardo Rodríguez (alternando funciones). Recomendado: Las mejores obras de teatro en cartelera en la CDMX.

Este musical ha sido aplaudido por el público amante de los musicales por representar una opción de fácil lectura sumamente emotiva. Luego de una segunda temproada en el Teatro Milán, Papi piernas largas regresa para despedirse en el Teatro Hidalgo. Esta temporada conserva, a manera de homenaje, los elementos de dirección que Maru Dueñas (q.e.p.d) dejó.  Desarrollada en el año 1909, esta historia que  inicia con un destino sin esperanza tiene dos características que la hacen entrañable; la primera, que el abismo de la ignorancia es superado por el deseo del conocimiento y la segunda que la imaginación es una de las mejores cualidades de los seres humanos; y sin duda no hay mejor forma para contar esta fantástica historia, que con un musical.Un orfanato es el hogar y la cárcel de Jerusha Abbott, la huérfana más grande del lugar. Esta joven tenaz e imaginativa es llamada por la directora para recibir una noticia que cambiará su vida: un benefactor pagará sus estudios y manutención en la universidad a cambio de que ella le escriba cartas que él no va a contestar.Este misterioso y alto hombre es imaginado por la joven como un anciano caritativo; así que decide nombrarlo Papi piernas largas y crea a través de sus cartas una relación cercana con él. Jerusha le cuenta a su benefactor el mundo que se abre ante ella; el conocimiento, la literatura, el arte y la belleza que encuentra en todo. El hombre que lee sus historias resulta ser un joven y apuesto caballero que se encariña de l

Ya sea dentro de un condominio, un edificio o cruzando una acera, todos hemos tenido que lidiar con nuestros vecinos. Cuando la gota ya derramó el vaso, la convivencia y bienestar corren grave peligro, y justo esto es lo que está a punto de ocurrir en el Edificio San Miguel. Alfonso Borbolla, Gabriela Guraieb, Montserrat Marañón, Mario Monroy, Alejandro Morales y Carmen Ramos dan vida al comité vecinal de esta obra. Cada uno de estos actores nos presenta personajes tan detallados que en conjunto con la dramaturgia —de la también actriz Gabriela Guraieb— nos hacen parte de su comunidad. Incluso a algunos asistentes se les da la oportunidad de participar directamente en esta junta extraordinaria que parecería la reunión perfecta, pero que carece de toda cordialidad y civilidad. Esta divertida puesta, dirigida por Angélica Rogel, nos presenta personajes cotidianos y un poco arquetípicos que viven en la mayor parte de los vecindarios; una excelente oportunidad para reírse de uno mismo. Edificio San Miguel está bajo la producción de Petit Comité, que apuesta por el talento mexicano y lo mismo monta obra internacionales de gran formato como la celebrada La divina ilusión, que puestas íntimas como Obsesión. En esta nueva producción sale avante gracias a un grupo de jóvenes actores que cuentan con el talento necesario para la comedia. 

Hay historias familiares que son dignas de ser contadas y secretos de ser expuestos, pero ¿cuáles serían las consecuencias de contarle esos secretos al mundo, cuando cada uno de los involucrados tiene perspectivas diferentes? Esto es una ficción cuenta las pericias de la familia Benson, cuya historia está apunto de ser publicada en un libro por Emi, la hija menor.  La dirección de José Caballero nos presenta una obra de teatro abierta a posibilidades con personajes complejos, en la que destaca la extraordinaria actuación de Mariana Fernández —miembro de InViolet Theater Company de Nueva York—, quien junto a Juan Carlos Colombo, Pedro de Tavira y Ana Isabel Esqueira, esta última fuera de tono en comparación con los demás actores, nos conmueven revolviendo recuerdos personales. La propuesta escenográfica de Juan José Tagle es atractiva a la vista, con una paleta de colores viva que responde a la iluminación y nos transporta fácilmente de una colorida sala-comedor a una librería en una lluviosa ciudad de Nueva York.  Esto es una ficción nos habla no solo de una pequeña familia en Nueva Jersey, sino también un poco de nosotros y las relaciones entre hermanos; lo mismo inquebrantables que llenas de resentimientos. También refiere al amor desde una década en la que un simple gusto se tenía traducir en este sentimiento, hasta la época actual en la que cada vez es más aterrador establecer un vínculo emocional. Lo anterior es la riqueza de esta obra; sin embargo, el ritmo de la obra

La risa de Mozart, esa tan genuina y contagiosa que puede escucharse en cada escena de la película Amadeus (Milos Forman, 1984) se expande a sus óperas, venciendo así cualquier estigma de que ésta expresión es pesada, aburrida o excesivamente dramática. Para muestra, Las bodas de Fígaro, ópera de cuatro actos en la que una pareja de enamorados debe sortear toda clase de enredos que incluyen celos, deseos e infidelidades. Antes de que se lleven a cabo las bodas, Susana y Fígaro revelan la eterna relación, algunas veces opresiva y otras confianzuda, entre sirvientes y patrones. Uno de los títulos mayores de la ópera bufa regresa al escenario del Palacio de Bellas Artes de la mano de Mauricio García Lozano, quien a la par de su quehacer como director de éxitos teatrales shakesperianos, como Macbeth, Romeo y Julieta y Ricardo III, es uno de los más aplaudidos directores escénicos de ópera. De hecho, con Las bodas de Fígaro cierra una trilogía de montajes de piezas compuestas por Wolfgang Amadeus Mozart: Don Giovanni y Cossi fan tutte, las cuáles llevó ya a escena, fusionando así las dos pasiones que han regido su trayectoria: el teatro y la música. “Una de mis búsquedas ha sido la de regresar el teatro a la ópera y, en ese sentido, esta es una gran oportunidad porque se trata de una gran obra de teatro con una música sublime. Mis procesos, sean de teatro o de ópera son de descubrimiento: me abro para percibir el mundo de los cantantes y, a partir de sus intuiciones, hallar un d

Homo Box Machina es un experimento multimedia que encuentra la inspiración en los aspectos técnicos usados en el teatro denominados mecanismos de tramoya, empleados para los cambios de escenario y los efectos especiales. En esta obra cada escena es un cuadro audiovisual conformado por un diseño sonoro envolvente con música original y distintos ejes estéticos y conceptuales. Presentada como un ensayo, esta obra experimental se basa en la importancia de la construcción de significados de placeres estéticos en los espectáculos teatrales. Verás nueve escenas que no usan actores ni diálogos y que procuran dar un recorrido por los mecanismos del placer, la violencia, el erotismo, la fantasía y la contemplación.  Este proyecto fue creado a raíz del trabajo de 40 personas, el colectivo de diseñadores Engranaje Invertebrado y la compañía El Rinoceronte Enamorado. El equipo estuvo bajo la dirección escénica, diseño escenográfico e iluminación de Daniel Primo y Caín Coronado, quienes buscan resaltar el papel de los técnicos detrás del escenario.  Todo este esfuerzo se materializó en un giroscopio, una pantalla solar girable, persianas, pantallas moleculares, una pantalla cónica, gasa, una pantalla de retroproyección, una multipantalla, además de un amplio equipo de iluminación y audio. Homo Box Machina tendrá lugar todos los miércoles a las 8:30pm, del 31 de octubre al 28 de noviembre en el Teatro Rafael Solana.

Bien se dice que el perro es el mejor amigo del hombre, pues tiene la mayor virtud de todas: la lealtad. Esta es la historia de Jimena, una mujer amante de los perros: los cuida, los recoge de la calle, los adopta, ellos son su familia y sus compañeros, hasta que un día recibe el diagnóstico de que le quedan pocos días de vida. En el unipersonal Jimena Perrona, la actriz Lisbi Cuéllar con una alta energía alterna la narración con el personaje de Jimena para hacernos reflexionar sobre el valor de la vida. Junto con sus perros, Toña, Remigio, Canela, Pelos, Sargento y Murciélago, nos muestra la importancia de tomar las decisiones necesarias para tener la calidad de vida que deseamos y, sobre todo, ser leales a nosotros mismos. Escrita y dirigida por Emilio Urióstegi, Jimena Perrona nos cuestiona e inspira con un escenario lleno de posibilidades, aunque solo hay una silla. El cuidado trabajo actoral, junto con la música original de David Rodríguez y la iluminación de Raúl Farías, nos hace cómplices de un instante que nos invita, como diría Jimena, a “querer chuparle el jugo a la vida”.

Son actores, sí, pero no les es necesario memorizar e interpretar un libreto. Les basta una palabra o en éste caso, una anécdota de un personaje público y reconocido para crear una historia de enredos absurdos y verdades, según el ojo que las mire. Son improvisadores. Tras el éxito de varias temporadas de La Improlucha y de exitosos videos de YouTube en el canal Bala Buena, un amplio equipo de creadores escénicos vuelve a la carga, ahora valiéndose del formato de late night show y de un invitado especial de quien recrearán su vida a partir de una entrevista. Algo de la vida de tu actor, cantante o político favorito saldrá a la luz al momento de la improvisación-narración. Yuriria Sierra, el Diablito, Luis García, Tessa Ia y Verónica Toussaint son los primeros invitados. Angélica Rogel es la directora del proyecto: “Más allá de preguntarle al invitado lo que todo mundo le pregunta, buscaremos que nos cuente historias, que nos muestre fotografías, para que nosotros podamos reinventar esa historia”. La intención es que sea un espectáculo de largo aliento y que en posteriores temporadas puedan invitar a escritores, músicos y políticos. Alfonso Borbolla, Yuriria del Valle, Daniel García, Juan Carlos García, Piolo Juvera, Juan Carlos Medellín, Omar Medina, Mario Alberto Monroy, Karla Morales, Alejandra Rodríguez, José Luis Saldaña y la propia Angélica alternarán en cada función. Serán cuatro improvisadores entrevistando al invitado, todo acompañado de una banda musical en vivo. 

“Hoy el pueblo cantará con gran coraje y voluntad. Ésta es la música de un pueblo que reclama libertad”. La revuelta francesa regresa a los escenarios. Basada en la novela fundamental de Víctor Hugo, el musical Los miserables celebra 15 años de haberse presentado por primera vez en nuestro país, –17 años después del estreno de la versión inglesa– con un nuevo montaje y con un nuevo reparto selecto tras ocho meses de audiciones para actores y cantantes de México y Latinoamérica. La adaptación teatral y musical de la legendaria obra literaria, centrada en la búsqueda de redención del exconvicto Jean Valjean de nutre de la nueva producción que de 2014 a 2016 estuvo en Nueva York, la cual modernizó, estilizó y revitalizó todos los elementos del montaje original, a fin de hacerla más cercana al público del siglo XXI. Nuevamente OCESA es la casa productora de este espectáculo teatral que incluye canciones tan célebres dentro del ámbito de los musicales como “Soñé un sueño”, “Hoy el pueblo cantará”, “Un día más”, “Sola estoy” y “Sólo sillas en las mesas”, de la autoría de Claude Michel Schönberg y Alan Boublil. En esta ocasión, los elegidos para interpretar y darle vida a la partitura son actores y cantantes de España, Brasil, Argentina y México. El personaje de Jean Valjean lo asume el tenor español Daniel Diges, mientras que el brasileño Nando Pradho encarna a su enemigo, el policía Javert. La mexicana Morena Valdes y la argentina Diana Liparotti tienen los breves pero muy imp