Exposiciones de arte contemporáneo en la CDMX

Para realizar una revisión a la producción artística en torno al sonido durante las últimas tres décadas en México, el Laboratorio Arte Alameda y el Museo Ex Teresa Arte Actual presentan la exposición Modos de oír: prácticas de arte y sonido en México. En esta se exploran conceptos como resonancia, tensión, vibración e intensidad, a través del trabajo de más de 170 artistas. Las piezas invitan a una reflexión sobre las vías creativas que involucran al sonido como expresión artística. El Laboratorio Arte Alameda hace un recuento de los artistas que utilizaron nuevas formas de ver la música, por medio de pentagramas que llevan a otro nivel la práctica de la lectura musical. Destaca la serie de Gabriel de la Mora Inscripciones sonoras sobre tela, un políptico de 110 piezas que descansa sobre una de las paredes del recinto. Además de una sala de escucha para obras acusmáticas y una serie de instalaciones que vinculan el arte, la ciencia y el sonido, y que involucran al visitante en una experiencia sensorial. Por su parte, el Museo Ex Teresa Arte Actual exhibe una gran estructura del arquitecto Mauricio Rocha. Es una instalación de tres pisos con una selección de grabaciones históricas que dan cuenta de los momentos importantes dentro de la creación sonora experimental en México. Durante tu recorrido por la exposición, encontrarás el trabajo de artistas como Ariel Guzik, Ana Paula Santana, Carlos Amorales, Fernando Ortega, Lorena Mal y Edgar Aragón.

Todo lo otro es la exposición retrospectiva del artista plástico mexicano Germán Venegas que abarca la producción realizada desde 1995 hasta la fecha, siendo ésta la más completa y amplia que se ha realizado sobre el artista. A lo largo de seis salas se muestran sus 23 años de trayectoria a través de escultura, pintura, talla en madera y dibujo. En las obras de Venegas vemos influencia de diferentes culturas como la prehispánica, la asiática y al occidental, pero el eje central de esta exposición gira en torno al budismo y a la meditación zen. La primera parte de la muestra está compuesta por una serie de pinturas en las que el artista intenta descifrar el significado de pintar, utilizando tres o cuatro colores para plasmar la influencia de la escuela griega.  También verás la serie Ehecatl y Tlalocan, con inspiración en figuras prehispánicas, que son dibujos de tinta sobre papel con cabezas superpuestas: “Trato de buscar las soluciones plásticas de las culturas antiguas y empiezo a trabajar haciendo un amontonamiento. Hablo, por un lado, de esa cabeza obsesiva que repite algo a manera de mantra hasta que adquiere una energía especial y por otro, también de la cabeza como la base de la existencia y el lugar desde donde surge todo”, comenta Venegas.  El piso superior de la exposición se descubre como un plano celestial con piezas relacionadas con lo esotérico, la mitología y las deidades, por su parte, el piso inferior aborda el paso a lo espiritual y divino por medio de la

Movimientos emisores de existencia es un performance del artista mexicano radicado en Protugal Héctor Zamora, que tendrá lugar el 5 de febrero (11:30am) en la galería LABOR. Un conjunto de vasijas de barro crudo colacadas en el piso serán pisadas por mujeres con atuendos negros, deformándo el material con diferentes fuerzas.  Este último trabajo de Zamora está inspirado en la figura icónica de la mujer cargando una vasija sobre la cabeza para transportar agua o alimentos. Tratándose de una tarea asignada históricamente a las mujeres en diversas culturas, Zamora invierte el papel de la acción colocando la vasija a los pies de las mujeres. Regularmente, las acciones de Zamora que mezclan el cuerpo y la materia se convierten en instalaciones, por lo que verás los restos, a veces ecultóricos, de dicho performance hasta el 16 de marzo.  La revisión antropológica que Héctor Zamora hace de las vasijas, nos trasportan a contextos diferentes, desde las vasijas griegas hasta las utilizadas por poblaciones mexicanas. Una de las lecturas de Movimientos emisores de existencia plasmada en comunicado de prensa es que "el acto de pisar estas vasijas es la expresión de una voluntad de poder que se hace presente por medio de en un movimiento orgánico que las transforma en vulvas, simbolizando una toma de control, una reivindicación del placer, de una sexualidad libre".  Recomendado: 10 exposiciones que debes ver durante la semana del arte. 

Una serie de obras que “no necesitan explicación” y al mismo tiempo buscan “detonar reflexiones sobre la vida y la muerte”, según su autor, conforman el núcleo de la exhibición Las tinieblas sobre la faz de la tierra del artista Bosco Sodi, en la Galería Hilario Galguera. Se trata de 10 pinturas en las que predominan el blanco de titanio, el carbón negro y el aserrín —con las características formales que son ya el sello del artista—, a las que se suman 12 esculturas de barro que Sodi comenzó a trabajar luego de la pérdida de un ser querido. El artista mexicano pasó un año produciendo estas piezas que, a decir suyo, se desarrollaron de forma orgánica: “Toda esta obra la hice en el estudio de Nueva York. En mi proceso no hay ensayos, simplemente comencé a experimentar e ir viendo resultados. […] Quería trabajar con el blanco y el negro, que son colores opuestos, para hacer una obra que hablara de la dualidad, de la constante lucha entre la luz y la oscuridad, la vida y la muerte, el alma y el cuerpo”, cuenta. Sin adherirse a una cosmovisión en particular, Sodi pretende que el espectador extraiga de las piezas sus propias conclusiones; sin embargo, la exposición sugiere un diálogo entre pintura y escultura, lo que exige una reflexión sobre las disciplinas, el papel del artista, su relación con los materiales y el trabajo manual. Esto inevitablemente propone un discurso.  ¿Hay otro eje conceptual además de la obvia dualidad? Hay muchos espacios negros en los lienzos como para

El año pasado, la Galería OMR presentó el trabajo del francés Yann Gerstberger durante la sexta edición de Salón ACME. Ahora, su trabajo más reciente será expuesto en ICE NEWS & FREEWAY FETISHES, la primera exposición individual de Gertsberg dentro de OMR que mostrará tapices hechos de materiales para el hogar, piezas escultóricas, así como un mural de tiza creado ex profeso. El trabajo de Yann Gerstberger se caracteriza por la combinación de imágenes y recursos que comprenden desde el surrealismo hasta el arte popular nigeriano, inspirado por técnicas como el grafiti y por imágenes digitales. En sus últimos trabajos, se ha dedicado a crear tapices a partir de trapeadores teñidos a mano, dándole peso a la textura de la imagen final, que en conjunto con elementos discontinuos, inocentes, tropicales y primitivos; constituyen un nuevo universo entre lo figurativo y lo abstracto. Por otro lado, sus esculturas antropomórficas se crean con los objetos que encontramos en los mercados de la Ciudad de México, objetos que se reconfiguran para representar a los personajes que trabajan dentro de los mismos mercados. Gerstberger transforma las imágenes e utiliza los colores y figuras exuberantes para conectar el imaginario popular con el mundo.  Recomendado: 10 exposiciones que debes ver durante la semana del arte. 

Plantear la lectura de una colección, la que sea, siempre es un reto pragmático y conceptual. Si es de arte contemporáneo –categoría que resulta esquiva para muchos–, el reto se eleva exponencialmente. ¿Cómo proponer entonces un recorrido por la colección Jumex, una de las más diversas en Latinoamérica? Con una dirección definida que atraviesa coyunturas. En Podría ser (una fl echa), Catalina Lozano, curadora asociada, y María Emilia Fernández, asistente curatorial, proponen una revisión sobre lo femenino y sus asociaciones en el arte contemporáneo a través de obras que cuestionan este concepto y sus ramificaciones. A lo largo de seis núcleos temáticos, la muestra establece relaciones entre las piezas de artistas tan diferentes como Tacita Dean, Rineke Dijkstra, Silvia Gruner o Candida Höfer con un sentido transitorio: interpela al espectador para que explore sus valores simbólicos y cómo están condicionados (o no) por quien crea y distribuye las imágenes. La exposición toma como punto de partida la noción del “inconsciente óptico”, término acuñado por el fi lósofo Walter Benjamin para describir la capacidad ampliada de percepción que introdujo la fotografía y el cine en nuestro universo visual. En otras palabras, gracias a dicho cambio radical en el uso de la tecnología para producir imágenes, logramos ver con mayor detalle lo que antes eran solo fantasmas y, de paso, modifi camos nuestra noción de la realidad. Este fenómeno, en relación con las obras expuestas, presenta n

Realidad programada: La vida y el arte en la televisión es un trabajo en conjunto entre el Museo Jumex y Fundación Televisa, que a través del arte contemporáneo aborda la historia y el papel que representa la televisión en la vida diaria de los espectadores. Recuperando las prácticas de artistas de América, Europa, Asia y África que utilizan a la televisión como punto de partida para su obra, esta muestra recupera el rol que este medio masivo de comunicación juega en la difusión de información, el desarrollo de la cultura visual y la creación de identidades y aspiraciones sociales. De acuerdo con los planteamientos de la exposición curada por Kit Hammonds y Adriana Kuri Alamillo, la televisión tiene una cosmovisión propia que es simultáneamente globalizada y localizada a partir de las condiciones de trasmisión y recepción; de esto se deriva la manera en que crea experiencias, modela comportamientos y refleja realidades que pueden ser distorsionadas. A través de instalaciones, fotografías, esculturas, y video, esta muestra refleja los roles que se han creado en diversos lugares a partir del impacto social de la televisión, ya sea a través de obras creadas explícitamente para televisión como aquellas que reflejan la experiencia cotidiana en torno a la pantalla. Participan artistas como Candice Breitz, Miguel Calderón, Phil Collins, Lynn Hershman Leeson, Christian Jankowski, Bruce Nauman, Yoshua Okón, Nam June Paik, Laure Prouvost, Abigail Reyes, James Turrell y Bruce Yonemoto

A mediados de la década de los sesenta Kodak lanzó al mercado el formato super-8, una versión mejorada de la película de 8 milímetros. Su sencilla manipulación, el bajo costo y la incorporación de una banda sonora magnética, creó toda una revolución que detonó en una ola de nuevos cineastas amateur que realizaron todo tipo de filmes experimentales. Curada por Regina Tattersfield, el Museo Universitario del Chopo presenta Las superocheras, muestra que gira en torno a las producciones fílmicas realizadas por mujeres que utilizaron dicho formato en Latinoamérica de 1968 a 2015. Son 38 filmes en formato super-8 que reúnen experiencias de mujeres que emplearon este medio para generar un diálogo entre relatos íntimos y colectivos.               En el marco del 50 aniversario del movimiento estudiantil de 1968, esta muestra hace una revisión de lo femenino, los feminismos, la denuncia, la emancipación y la transgresión del género, así como de las formas radicales de habitar el cuerpo y relatar una historia. Lo anterior expresado a través de performance, animación, poesía y relato histórico. Participan 20 artistas, entre ellas Ana Mendieta, artista cubana exiliada en Estados Unidos pionera del performance; la mexicana Maris Bustamante, fundadora del colectivo de arte contemporáneo No-grupo; Leticia El Halli Obeid, quien recupera la historia de Argentina trayéndola a una realidad poco espectacular; y la originaria de Chile Rosario Cobo. Las superocheras te enseñará cómo esta innov

Desde 2018 el Centro Cultural de España en México implementó Proyecto 1, un programa que busca dar exposición a autores españoles cuya obra se ha desarrollado en nuestro país y que muestran las tendencias y nuevas propuestas de arte contemporáneo. Es en el marco de esto que llega a sus salas Ascensión y caída: un sacrificio, muestra individual de Alberto Odériz. Desde 2009, Odériz ha expuesto en su natal España, en México y en Italia y ha sido acreedor de numerosos galardones, destaca la Bienal de Venecia de 2014 y el Concurso de Urbanismo OPPT de 2012. Ha realizado cinco muestras en torno a la construcción del significado que se hace de las piedras, tema que aborda nuevamente en Ascensión y caída: un sacrificio. Para esta muestra, Odériz se inspiró en la Coyolxauhqui y su rol dentro de la mitología mexica, y en sus representaciones materiales, las cuales, como la propia diosa lunar; cayeron como un sacrificio, resignificándose en el proceso. Es por ello que se trata de una muestra-performance que busca reunir objetos que se pueden hacer caer y cuyos fragmentos son analizados para poder contar sus historias, narrativas alternativas a la que les guiaba al cumplir sus funciones originales. Se constituye de materiales, restos, residuos urbanos, piedras y rocas de la ciudad que tenían una historia previa: como parte de una escultura o de un monumento y que a partir de su caída son resignificados y dotados de nuevos valores a partir de nuevos simbolismos que se crean. En pala

Marcel Duchamp y Jeff Koons, dos de los artistas más influyentes del siglo XX, llegarán a las salas del Museo Jumex en 2019 con una exposición —la primera en Latinoamérica— que abordará conceptos clave como los objetos, las mercancías y la relación establecida entre el artista y la sociedad. La muestra funcionará como un comparativo entre los dos representantes del arte contemporáneo y abrirá una ventana para voltear a ver las transformaciones fundamentales en la cultura y el arte del siglo XX. También abarcará conceptos como la subjetividad y el trabajo, así como los términos de valor y gusto y nos mostrará debates sobre moralidad, sexualidad, autoría, propiedad, integridad y corrupción. Por un lado tenemos a Marcel Duchamp (1887-1968), artista de origen francés que con su pieza La fuente de 1917 —sí, el famoso mingitorio o urinario— cambió la percepción del objeto incrustado en el arte, sentando así las bases del arte pop, el minimalismo y lo que conocemos ahora como arte conceptual. Duchamp decía que cualquier objeto podía considerarse una obra de arte, siempre y cuando el artista lo situaro en el contexto adecuado, en una galería o en un museo, dándo más importancia a la idea detrás que a la pieza artística por sí misma. Cabe destacar que La fuente que verás en la exposición no es la original, pues Duchamp mandó a realizar réplicas en los cincuenta y sesenta. Por otro lado, se encuentra Jeff Koons (1955) de origen estadounidense, es uno de los artistas vivos más cotiza