Exposiciones de arte contemporáneo en la CDMX

Esta nueva exposición reflexiona sobre el pasado y el presente del espacio en el que reside el Laboratorio Arte Alameda. A partir de la reciente restauración de la nave central y la cúpula, el artista Pablo Rasgado realizó un trabajo de arquitectura especulativa, es decir, un cruce entre la investigación arqueológica y el arte.  En Pentimento, Rasgado devela mediante calas en las paredes los diferentes periodos del edificio y los colores que recubrieron los muros según su propósito, desde su origen como Convento de San Diego, o la etapa en la que fue la Pinacoteca Virreinal. El término "pentimento" en el arte, más allá de un arrepentimiento, alude a cuando en una pintura se trasluce el fantasma de una obra anterior porque el artista cambió de parecer.  Los muros se completan con un conjunto de pinturas novohispanas de corte religioso rasgadas e intervenidas por el artista (de hecho, algunas de estas piezas originales se exhiben en el MUNAL), así como objetos recuperados del trabajo de remodelación.  ¿Qué más no te debes perder en el Laboratorio Arte Alameda? Visita también la exposición Fábulas para dormir, una instalación de Josué Mejía en la que puedes detenerte a escuchar textos educativos que fueron creados para las Escuelas Nocturnas de Trabajadores durante los años treinta, junto con piezas que reproducen la gráfica política de ese periodo, con motivos de los movimientos obreros.  Por su parte, en la muestra Estado suspendido, Colectivo Tres recupera parte de la...

Los rastros de todo lo ocurrido en la Ciudad de México durante los años ochenta se perciben cotidianamente. Durante esa década convulsa, marcada por la crisis económica, el gran terremoto, una copa del mundo y el camino a la globalización, una generación de artistas experimentó a través de múltiples formatos cómo pensar y comunicar esa realidad.  En el marco del aniversario del Museo Tamayo, Ante el eclipse. Arqueologías del arte en México reúne a 65 artistas nacionales e internacionales que vivieron durante ese periodo en el entonces Distrito Federal. Las más de 100 piezas que se exhiben fueron creadas entre 1981 –año en que abrió sus puertas el museo– y 1991 –año de la muerte de Rufino Tamayo–. Encontrarás desde instalación, pintura, dibujo, escultura y fotografía hasta arte textil y video. Abraham Cruzvillegas, Felipe Ehrenberg, Estela Hussong, Francis Alÿs, Lourdes Grobet, Melanie Smith o Magali Lara son sólo algunos de los importantes nombres que forman parte del recorrido. En esta muestra, las obras dialogan entre ellas, y a la vez con su contexto histórico, una década marcada por la incertidumbre del futuro, la pérdida de seres queridos, la vuelta al pasado prehispánico, que se entrelaza con una energía especial provocada por el eclipse total de sol que fue visible en la Ciudad de México en 1991.  Museo Tamayo. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec. Hasta el 18 de octubre

La verdadera resistencia al mundo que nos rodea viene de la creación artística y el Ex-Teresa Arte Actual es ya un recinto referente sobre exposiciones de esta índole; para la muestra colectiva reúne el talento (y las expresiones artísticas) de figuras como Santísima Kitsch, Farlopa, Pepx Romero o Frank López.  Del performance, pintura, collage, textiles, instalación y acciones, estos diálogos con el recinto a manera de intervenciones en el espacio ponen sobre la mesa temas como la crítica social y la estética dominante actual en los procesos creativos hasta la hegemonía de los cuerpos y las disidencias en lo que vestimos o queremos portar. Montada en cuatro núcleos, la muestra señala que la diferencia nos hace únicos y que lo “mal visto” también crea sus ejes narrativos estéticos. Dotando de ideales y tradiciones artísticas, las piezas van de lo ornamental hasta expresiones digitales para la era performativa que vivimos. 

Cuando vi y escuché Biophilia de Björk por vez primera, no entendí el significado del concepto. Justo en la muestra temporal Biodiseño del Franz Mayer vi una pieza que integraba la biota, la vida y la conexión con la naturaleza a manera de mapa mental, y ahí supe de qué iba la islandesa con su séptimo disco. Esta muestra reúne textiles, artefactos, texturas, biomas y hasta hongos para mostrarnos cómo la vida siempre ha inspirado la creatividad desde la naturaleza; literalmente, desde la raíz (como los hongos, que son el wifi del bosque) hasta los colores de la grana cochinilla o los hilos de agave para hacer indumentaria. Aunque la muestra es pequeña y ocupa apenas tres núcleos temáticos, vale la pena recorrerla, ya que es la primera exposición dedicada al biodiseño en nuestro país. Podrás explorar el diseño y los proyectos de artistas emergentes que miran el legado de nuestro pasado para converger con un futuro sustentable. Esperamos que, como propone la premisa de la muestra, el diseño sea cada vez más colaborativo entre todos los seres vivos que habitan este planeta y no solo esté supeditado al consumo humano. Bastante arrasamos ya nuestro entorno como para no abrazarlo, integrarlo y vivirlo desde la conciencia colectiva; la misma que Björk conectó con la naturaleza cósmica de aquel disco. Ahora entiendo más.

¿Tu barrio te respalda? ¿Qué hace el Halcón Milenario en Bellas Artes? De eso va la nueva muestra en el Museo Palacio de Bellas Artes que nos acerca a la cultura chicana desde su práctica artística.  Si hay algo que necesitamos estos días es construir puentes. Olvidar que la violencia y el estigma segregan, abrazar las raíces y el arte como instrumento de cambio. La clicka, el barrio, el color, el mural, la denuncia, el origen. Todo ello convive en los muros de Bellas Artes por vez primera, legitimando así este movimiento artístico contemporáneo. Más de 33 artistas de origen chicano son revisados entre instalación, fotografía, archivo, pintura y escultura, en los cuatro núcleos que conforman la exposición. Aztlán se refiere a ese lugar en donde se fundó nuestro país, pero la patria se vive también fuera, la muestra refleja el trabajo y obra de artistas principalmente radicados en Los Ángeles, de donde son originarios la mayoría de las y los creadores de este movimiento.  La muestra temporal nos acerca a la visión que creadores y voces de una mexicanidad que nos pertenece, pero que no está alejada de nuestras raíces, han construido a través de simbolismo y representaciones; desde un puente en llamas a la nave espacial de la cultura pop con toques mayas. Lo chicano nos recuerda que hay una historia compartida entre México y Estados Unidos, pero las personas que están en medio son protagonistas.   

Hay espacios culturales que invitan al silencio, pero otros apuestan por la cercanía, la memoria y el juego. En la Ciudad de México podemos encontrar una exposición dinámica que reúne miles de piezas de su acervo. En su aniversario número quince, El Museo del Objeto del Objeto (MODO) decide celebrar a lo grande, con La colección, con todas sus letras, una propuesta que abraza la diversidad y el asombro. Un archivo que crece con la imagen  Lo que comenzó como una colección de decenas de miles de objetos hoy se ha transformado en un acervo monumental. El MODO abrió sus puertas en 2010 en la colonia Roma, impulsado por el coleccionista Bruno Newman, quien durante décadas reunió miles de objetos de la vida cotidiana.  Su intención no era solo exhibir piezas curiosas, sino contar la historia cultural del país a través del diseño, la publicidad y los productos que han acompañado a distintas generaciones. Desde su origen, el museo se planteó como un espacio dinámico, enfocado en exposiciones temporales que reinterpretan su acervo desde distintas perspectivas. Con el paso de los años, el museo ha consolidado una de las colecciones más amplias de cultura material en México, creciendo de aproximadamente 30 mil piezas a más de 200 mil objetos. Su evolución ha estado marcada por un enfoque lúdico y accesible, alejándose de la museografía tradicional para conectar con públicos diversos.  Te puede interesar: Tributo a José José y Juan Gabriel en el Museo Yancuic ¿Qué podemos encontrar...

El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), presenta la exposición Los grupos y otras revueltas artísticas. Redes y colectividades en México, 1976-1985, como una nueva narrativa de la actividad de los colectivos de artistas que operaron durante los años setenta y el comienzo de la década de los ochenta en México. La selección de obras y materiales, analiza la conformación de las agrupaciones y su vasta producción a partir de algunos de los eventos que marcaron sus genealogías, además busca presentar las relaciones recíprocas de los grupos y su participación en exposiciones, salones, manifestaciones políticas, iniciativas autogestionadas y programas de actividades. Por ello, la importancia de Los grupos y otras revueltas artísticas es que propone una lectura al fenómeno de los grupos que surgió a mediados de los años setenta como respuesta a un clima de represión estatal y transformación radical en los lenguajes artísticos. Las propuestas se presentan en cinco núcleos temáticos: América Latina en disputa; Frentes y movimientos; Irreverencias y subversiones; La institucionalización de los grupos, y Colectividades en deriva para dar cuenta de la intensidad de la actividad de estas agrupaciones. Por mencionar, el proyecto analiza la X Bienal de Jóvenes Artistas de París de 1977; las exposiciones e iniciativas colectivas organizadas por el Frente Mexicano de Grupos Trabajadores de la Cultura; las iniciativas autogestionadas de los grupos en el ámbito urbano y los museos;...