Exposiciones de arte contemporáneo en la CDMX

Con su pieza A Crash Course in Cloudspotting (el acto subversivo de la horizontalidad),  la artista británica Raquel Meseguer realiza un acercamiento profundo al dolor crónico. A través de un acto subversivo y descomunal, te invita a adentrarte en un viaje en el que la empatía es importantísima para que comprendas a quienes padecen esta enfermedad. El British Council, con su programa Arts and Disability, hizo posible que la instalación esté en nuestro país, gracias a su programa que apoya a artistas con alguna discapacidad para hacer visible su arte. La misma Meseguer padece dolor crónico, eso la obligaba a recostarse en cualquier lugar al no soportar las dolencias corporales. En la instalación podrás recostarte mientras escuchas susurros y voces de personas que han sufrido los estragos del dolor crónico; comparten sus testimonios con el fin de que se visibilice su condición. Raquel cuestiona cómo es que la sociedad no está preparada para incluir a cualquier individuo víctima de algún padecimiento, particularmente el suyo. Según la Organización Mundial de la Salud, el tratamiento del dolor es un derecho humano y el 17 de octubre ha sido designado como el Día Mundial contra el Dolor con el propósito de hacer énfasis en la búsqueda urgente y necesaria de tratamientos sobre las diferentes enfermedades que causan dolor. A Crash Course in Cloudspotting (el acto subversivo de la horizontalidad) busca erradicar los paradigmas sociales acerca del dolor y reconfigurarlos. Recome

Bajo la curaduría del filósofo e historiador del arte, José Luis Barrios, esta exposición presenta el trabajo más reciente y ex profeso del artista mexicano Emilio Chapela, por primera vez en el Laboratorio Arte Alameda. Mediante más de 15 piezas, entre videos, esculturas, objetos e instalaciones, el artista plantea una reflexión sobre la percepción del tiempo y su relación directa con los cambios en la naturaleza, el cuerpo humano y el cosmos. "Esta exposición surge a partir de una exploración de los observatorios astronómicos del Instituto Nacional de Astrofísica Óptica y Electrónica (INAOE) en el volcán Sierra Negra en Puebla, y derivó hacia otros lugares como el río Usumacinta en Chiapas y Tabasco y el Volcán Iztaccíhuatl (en el Estado de México y Puebla), creando así una reflexión sobre el medio ambiente tanto terrestre como astronómico", comenta José Luis Barrios. Las piezas son el resultado de dicha reflexión sobre las escalas de tiempo, la naturaleza y su relación con la poética y la estética. En la nave principal del museo apreciarás la videoproyección de 12 metros de altura titulada En la memoria del volcán nunca mueren las estrellas; las paredes del lugar se convierten en el Iztaccíhuatl gracias a una grabación con una cámara 360 que da cuenta del esfuerzo físico producto de escalar la montaña. Otra de las piezas que sobresale es Usumacinta, videoinstalación en la que Chapela nos sumerge en el agua y las turbulencias de este importante río. La obra cambia de rit

El Museo de Arte Carrillo Gil cuenta con una de las colecciones más importantes de arte contemporáneo del país: más de 2000 piezas, número que de forma constante aumenta. Por ello, el recinto alberga la muestra Sumatorio. Nuevas incorporaciones a la Colección Carrillo Gil, en la que se exponen 62 obras que pasaron a ser parte del acervo de la Colección Carrillo Gil entre 2014 y 2018, y que abarcan técnicas como la fotografía, la pintura, la instalación y el registro de performance.  41 artistas mexicanos estuvieron involucrados en la creación de estas obras que datan de entre 1980 y 2017, las cuales llegaron a manos del museo por donaciones directas de los artistas o por donaciones a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). Dentro de la muestra observarás piezas como Este México de Rosario Guillermo, Nódulos rojos y Nódulos Azules de Héctor Velázquez, Mandala a los poetas infrarrealistas de Guillermo Santamarina, White Star VII de Manuela Generali y Celebrity ’87 de Adela Goldbard.  La diversidad de temas, técnicas, colores y texturas (no, no me dejaron tocar la obra, pero ganas no me faltaban) son reflejo de la diversidad de la producción artística en nuestro país. Son lecturas de la realidad, mundos alternativos imaginados y paradojas de la realidad que invitan a una reflexión sobre lo que nos rodea y a pensar otras posibilidades. 

El artista alemán, Carsten Höller, presenta 37 de sus piezas por primera vez en México en la exposición titulada Sunday. El trabajo del artista con base en Suecia alude al arte relacional, es decir, se centra en las relaciones que se crean entre los espectadores que interactúan entre sí, con la pieza y con el espacio, más no en el objeto artístico. Por lo anterior, la muestra curada por Juana A. Gaitán no cuenta con fichas, explicaciones ni recorridos guiados; las posibilidades de esparcimiento y, por ende, reflexivas, dentro del museo son infinitas.  Al ingresar me recibió la instalación Decision Tubes, una gran estructura de red y metal suspendida a cinco metros de altura por la que puedes deambular para elegir alguno de sus caminos. Mi decisión me llevó a un tragaluz (probablemente en la parte más alta de la estructura), desde ahí constaté que Höller no solo quería que interactuara físicamente con la obra, sino dejarme a la deriva para tomar mis propias decisiones y así crear un vínculo único e irrepetible con su obra: recordé mi miedo adquirido a los juegos mecánicos y vi de cerca el techo del patio que funciona como un reloj natural al filtrar la luz durante el paso del día. Nunca antes el público se había apropiado del patio central del museo de una manera tan lúdica como ahora. Para ingresar a la sala uno del Museo Tamayo tuve que atravesar un corredor de puertas automáticas de espejos (Six Sliding Doors), en un juego entre lo que se ve y lo que no. Una vez que me r

“Puede que no sea el mejor artista en general, pero realmente soy el mejor a control remoto. Uso internet, Skype y cualquier medio de comunicación. He presentado docenas de exhibiciones sin estar ahí, porque continúo en contacto con el organizador y los espectadores”. Esto nos contó el artista y activista chino Ai Weiwei en una entrevista para Time Out London, y es que no se trata de cualquier personaje del arte contemporáneo, sino de una figura que constantemente ha criticado al gobierno chino y cuyo arte trasciende por su búsqueda de la libertad como derecho a cuestionarlo todo. Para celebrar 10 años, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM presenta un juego de paralelismos entre China y México con la exposición Ai Weiwei. Restablecer memorias. Verás el mayor readymade histórico-político del artista: Salón ancestral de la familia Wang (2015), un templo de madera de la dinastía Ming que registra la destrucción del patrimonio cultural chino bajo la violencia de la revolución, la pérdida de la sociedad rural y la comercialización de antigüedades. Asimismo, encontrarás un filme documental y una serie de retratos fabricados con piezas Lego, que exploran las consecuencias personales y sociales de la desaparición de los 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa. La muestra trae delante la importancia de la memoria y la hermandad. Sin duda, una de las 15 exposiciones que debes ver este mes en la CDMX. LÍNEA DEL TIEMPO 1957 Nace Ai Weiwei en Pekín,

Si ser forever alone es lo tuyo, estoy segura de que en más de una ocasión, especialmente si saliste con alguien y no funcionó, alguien te dijo "hay muchos peces en el mar"; como si esas seis palabras fueran capaces de revivir una vida amorosa inexistente. Lo que nadie nos dice nunca sobre ir al mar a pescar —literal y metafóricamente— es que en él ya no hay tantos peces, y que además de peces hay basura. Mucha basura. En la exposición La deriva de un gesto post-romántico del Centro Cultural de España en México encontrarás otro tipo de amor: amor al planeta y la necesidad de resaltar el crítico estado en el que se encuentran nuestros mares. Verdaderamente hay demasiada basura en el mar. Naciones Unidas en su documento de 2018, El estado de los plásticos, destacó que cada año se vierten 13 millones de toneladas de plástico en el mundo, lo que por supuesto tiene un impacto directo en el medio ambiente, en los ecosistemas e inclusive en los procesos económicos. Reconocer y enfrentar las problemáticas medioambientales que tenemos ante nosotros es lo que Hugo Martínez-Tormo quiere despertar en nosotros. En la muestra se mezclan artes visuales y multimedia, ciencia y medio ambiente en una serie de instalaciones que analizan los problemas de contaminación y el uso de tecnologías para enfrentar la problemática.  Tras encontrar botellas en parques naturales y lugares abiertos, el artista español comenzó a desarrollar este proceso en honor al mundo que ama y que ha sido violentado

Marcel Duchamp y Jeff Koons, dos de los artistas más influyentes del siglo XX, llegarán a las salas del Museo Jumex en 2019 con una exposición —la primera en Latinoamérica— que abordará conceptos clave como los objetos, las mercancías y la relación establecida entre el artista y la sociedad. La muestra de arte contemporáneo funcionará como un comparativo entre los dos representantes del arte contemporáneo y abrirá una ventana para voltear a ver las transformaciones fundamentales en la cultura y el arte del siglo XX. También abarcará conceptos como la subjetividad y el trabajo, así como los términos de valor y gusto y nos mostrará debates sobre moralidad, sexualidad, autoría, propiedad, integridad y corrupción. Por un lado tenemos a Marcel Duchamp (1887-1968), artista de origen francés que con su pieza La fuente de 1917 —sí, el famoso mingitorio o urinario— cambió la percepción del objeto incrustado en el arte, sentando así las bases del arte pop, el minimalismo y lo que conocemos ahora como arte conceptual. Duchamp decía que cualquier objeto podía considerarse una obra de arte, siempre y cuando el artista lo situaro en el contexto adecuado, en una galería o en un museo, dándo más importancia a la idea detrás que a la pieza artística por sí misma. Cabe destacar que La fuente que verás en la exposición no es la original, pues Duchamp mandó a realizar réplicas en los cincuenta y sesenta. Por otro lado se encuentra Jeff Koons (1955) de origen estadounidense, uno de los artista

Después de su remodelación en 2017, el Museo de la Ciudad de México presenta la exposición permanente Miradas a la ciudad: Espacio de reflexión urbana; un recorrido por la Ciudad de México desde diferentes áreas de conocimiento. Las salas dan elementos para repensar las interacciones entre el ciudadano y la urbe, remarcando el hecho de que la ciudad debe encargarse de brindar servicios y respetar los derechos de cada individuo.       De la mano de la tecnología, como realidad virtual, audiovisuales y luces neón, conocerás las siete perspectivas que propone la muestra. Al principio se habla sobre las urbes en general y poco a poco se enfoca hacia la CDMX. La muestra continua con una mirada histórica a partir de Tenochtitlán y la Cuenca del Anáhuac, lo que da pie a que la siguiente sala aborde el problema del agua y su sustentabilidad. Después se plantea la mala construcción de la CDMX desde lo arquitectónico y el urbanismo. Luego se analiza a la ciudad desde lo antropológico, retomando su amplia cultura y religiosidad. Por último, se habla sobre los movimientos políticos y se reconoce la diversidad étnica que existe en la metrópoli. Aquí se reúne a la ciudad en un pequeño espacio. También te toparás con el clásico triciclo en el que se transportan tamales, elotes o helados; los tradicionales puestos para bolear zapatos; un ring y una máscara platinados; entre otros objetos que conforman la identidad de la CDMX.   Aprovecha la visita al museo y visita Chivo expiatorio: Sida+