Exposiciones de arte contemporáneo en la CDMX

“Creo que todo el mundo debería ser una máquina”; Andy Warhol disparó esta bala en una entrevista con el crítico de arte G.R. Swenson (Artnews, 1963). Con esa sentencia, el artista originario de Pittsburgh dejó claro su interés por replicar la uniformidad del discurso de la cultura pop estadounidense. Al crear series inspiradas en productos de consumo y estrellas de cine cambió el rumbo de la historia del arte para siempre. Es debido a esa ruptura, provocada al transformar en arte pinturas de latas de sopa Campbells y botellas de Coca Cola, que el Museo Jumex creó una muestra que ahonda en el legado de uno de los artistas más influyentes. Bautizada como Andy Warhol. Estrella oscura, esta exhibición estuvo a cargo del curador independiente Douglas Fogle, experto en la carrera del artista que trabajó en instituciones como el Walker Art Center en Minnesota, y que desarrolló el proyecto durante los últimos tres años en conjunto con el equipo curatorial y de registro del museo de la Fundación Jumex. 4 cosas que no sabías de la obra de Andy WarholNo dejes de visitar Andy Warhol. Estrella Oscura en el Museo Jumex: https://www.timeoutmexico.mx/ciudad-de-mexico/arte/andy-warhol-estrella-oscura Flower powerLa exposición se delimita en el trabajo de Andy Warhol durante la década de los sesenta. “Douglas acotó la muestra a esta época porque es cuando se consolida el discurso del artista. También se dan los desplazamientos más importantes en su obra, tanto en lo técnico, como s

¿Cuál es la relación entre las formas y los contenidos? ¿Cómo el contenido artístico nace en relación a una formato? Estas inquietudes aparecieron gracias al formalismo a mediados del siglo XIX, en Alemania. Se trataba de una reacción a la filosofía del arte romántico e idealista. Los teóricos formalistas concebían a la obra de arte de forma autónoma, con independencia de la función social que cumpliera, ajena a motivaciones religiosas, políticas, económicas e ideológicas. Buscaban desarrollar una historia interna del arte (“el arte por el arte”). Llegaron a ver a esta disciplina según la máxima kantiana: como una actividad desinteresada o una finalidad sin fin. Esta corriente de pensamiento fue muy importante para el arte en el siglo XX, hasta ligarse a otros campos como la lingüística constructivista y la historia de las imágenes. Bajo este precepto surge FORMASOBREFONDO en Proyectos Monclova, la galería experimental para artistas emergentes. Bajo la curaduría de Willy Kautz, el montaje consiste en una revisión de la estética formalista contemporánea para establecer un diálogo con el conceptualismo en una dicotomía formalismo/conceptualismo. Su propósito es mostrar las relaciones diluidas entre las formas y los conceptos, la abstracción y la sintaxis. El título es un juego del esquema de la visualidad modernista de figura sobre fondo. La muestra colectiva reúne 44 piezas elaboradas con diversas técnicas como dibujo, collage o escultura a partir de materiales como cartón,

Mes con mes, los chicos de la agencia DEAR eligen a un artista, fotógrafo o diseñador para que exponga su obra en El 123. Julio es el mes que presenta a la artista Zazil Barba. Zazil es una creadora que explora la resignificación de los cotidiano; la experimentación con lo absurdo y el azar; así como el proceso de creación por encima de los resultados. Uno de sus ejes centrales de su obra es ver al objeto como algo que ocurre, transcurre y genera historias. Idea de límite (Just a line) es una propuesta que parte de un cuestionamiento sobre la concepción humana de los límites y las fronteras con un principal énfasis en los territorios ocupados por las comunidades y su impacto en las acciones políticas, económicas, ideológicas y sociales de cada uno de sus integrantes. Línea, límite y frontera son los tres conceptos bajo los que trabaja la artista en esta exposición. El primero como un elemento que define dirección. El segundo pensado como un eje trazado por el hombre para delimitar las acciones de la soberanía y, por último, la frontera planteada como una franja que designa regiones entre dos o varias naciones. Un espacio donde converge lo real con lo simbólico, lo íntimo y lo público. La tapatía egresada del Centro de Arte Audiovisual de Guadalajara presenta este proyecto que sirve para analizar la convivencia e interacción entre las personas y reflexionar cómo los espacios modifican la vida de sus habitantes y viceversa. La finalidad de 1 mes 1 artista es presentar a art

El Museo Experimental El Eco abrió sus puertas en 1953 con una lectura del Manifiesto de la arquitectura emocional, de Mathias Goeritz para oponerse al funcionalismo, a la lógica y a la utilidad imperante en la arquitectura de esos tiempos y pronunciarse, en cambio, como un espacio que tuviera la posibilidad de generar emociones verdaderas y sirviera de inspiración para las artes vivas. Ahora, Luis Felipe Ortega presenta en A propósito del borde de las cosas una nueva lectura de los espacios del museo como una escultura habitable.  Mediante un continuo diálogo con la poesía y la filosofía y con un interés fenomenológico del quehacer artístico de su tiempo, el artista mexicano se preocupa en esta exposición por los bordes entre la arquitectura y la escultura; el entorno y el cuerpo. Un muro negro, esculturas, un muro-escultura blanco, paredes y cuatro dibujos de carboncillo son algunos de los elementos que componen el montaje para contemplar el emplazamiento escultórico que interviene al recinto ubicado en la San Rafael. Como parte del proyecto habrá cuatro participaciones de otros artistas en el perfomance-lectura de Company, del escritor Samuel Beckett en donde por medio de intervenciones de arte sonoro (Esteban Aldrete y Patricio Calatayud), danza (Tania Solomonoff y Anais Bouts) y poesía (José Luis Sánchez Rull) se ampliarán las posibilidades de reflexión del asistente y así volverlo cómplice en este suceso poético.