Exposiciones de arte contemporáneo en la CDMX

Un “artista BADA” se distingue por su espíritu emprendedor y son empresarios de su propia obra, así es como los organizadores de la feria de arte contemporáneo originaria de Buenos Aires, Argentina describen a sus participantes. La primera edición en México de BADA MX reunirá a 100 artistas, quienes serán los encargados de vender su propia obra en lo que se define como un “mercado directo” que, a pesar de suceder durante la Semana del Arte, se aleja del tradicional mercado: “BADA no se involucra con la venta de obra ni cobra comisión. Es el artista quien maneja desde su espacio en la feria la relación comercial con el comprador. Esto le permite manejar sus propios precios, coordinar entregas”, comenta una de las organizadoras Malena Vayo. Los asistentes a la feria pueden ser o no conocedores del arte, pues el objetivo es vender piezas originales a precios accesibles y que el público se involucre en el proceso de creación y en las historias que hay detrás de la pieza que comprará, generando así encuentros frescos y directos. Con el ojo del pintor mexicano Rafael Cauduro, se seleccionaron 100 artistas entre mexicanos y extranjeros de carreras tanto jóvenes como consagradas. Las técnicas, soportes y disciplinas convocadas son pintura, dibujo, escultura, textil, fotografía, collage, instalación, arte digital, arte objeto, entre otros. Los costos no rebasarán los 2 mil pesos. “A pesar de la cantidad de talento que existe en nuestro país, son pocas las plataformas para que los

Hacer visible cómo nuestros cuerpos son parte de un gran texto, cómo somos parte “de lo otro” y continuamente nos incorporamos y nos manifestamos a través de eso, es lo que el artista plástico británico Michael Dean (1977) propone en la instalación escultórica, titulada Tú texto aquí. Nos recuerda que el hombre, en su transitar en el mundo, es un signo más que interactúa con los demás que están a su alrededor. A partir de técnicas mixtas en las que se emplea concreto, acero y madera conglomerada, materiales alusivos a lo urbano, Dean reafirma que el sencillo hecho de situarnos en el espacio proporciona sentido. Las esculturas aluden a formas humanas, aunque compuestas por pequeñas piezas que asemejan a cavidades oculares, lenguas y puños, partes del cuerpo que son esenciales en su conformación. Al acercarse a las piezas que conforman la obra, podrás percibir el dinamismo del cuerpo humano, ya que las formas corporales siempre se encuentran en posiciones que aluden o asemejan al movimiento, a la acción. Este es una rasgo y efecto que permea a todas las piezas y justamente lo considero una de las virtudes de Tu texto aquí, bajo la curaduría de Pamela Desjardins. El título de la pieza ya de entrada alude a la acción de incorporarse, es más, parece ser que refiere a cómo nos “acomodamos”, es decir, la manera en que nos adecuamos a una especie de “plantilla”, misma que ya se encuentra conformada en el ambiente arquitectónico urbano en el más amplio sentido. Si te gusta la escu

El desarrollo cultural de un país está estrechamente relacionado con el arte, por eso hay tantas corrientes y movimientos que buscan renovar los límites artísticos. Un claro ejemplo de esto se vio con Manuel Felguérez, pintor y escultor mexicano que se caracterizó por ser un rebelde del arte, al estudiar en la Academia de San Carlos y optar por desertar al considerar que esta institución hacía mucho énfasis en la Escuela Mexicana de Pintura. Perteneció a la generación de la ruptura, que tuvo como influencia a los grandes muralistas, como Rivera, Siqueiros y Orozco, quienes a su vez buscaban una innovación en el arte mexicano.  Todo lo anterior explica por qué el Museo Universitario de Arte Contemporáneo haya abierto un espacio para este artista con la exposición Trayectorias, conmemorando 90 años de su nacimiento. Estarán a tu alcance una serie de obras que en el siglo XX significaban innovación y ruptura de lo tradicional, para proponer un avance significativo en la cultura mexicana.  Te darás cuenta que este artista combinaba la pintura con la escultura, creando obras de arte que se entrelazan con las técnicas que aprendió en las escuelas y su fascinación por la ciencia. A través de tres etapas de la exposición —los murales de desecho, La máquina estética y su obra más reciente— es que conocerás a uno de los artistas contemporáneos más influyentes en el país y de paso admirarás su esfuerzo por generar un impacto cultural para el futuro.    Recomendado: Exposiciones de pi

Desde los grandes ventanales del MUAC se puede observar una especie de nave espacial construida con las partes de una pickup patrulla, se trata de la pieza Allien Toy (exhibida y activada por primera vez en 1997) del artista Rubén Ortiz Torres (1964), mexicano radicado en California, de quien el museo expone una retrospectiva. Allien Toy —camioneta Datsun/Nissan modificada con elementos hidráulicos— atrae la vista por su tamaño y peculiar forma, pero quizá también por las remembranzas que genera a películas o juguetes de la cultura norteamericana, pero impregnados por elementos de lo “mexicano”. La pieza alude a los autos usados “enchulados” o arreglados que, Ortiz reconfigura otorgándoles sincretismo y aparente funcionalidad. El artefacto creado (máquinas imposibles) tiene movilidad y dinamismo, haciéndolo brillar de algún modo. Su función nula, o más bien poco clara, se traslada a la de una experiencia lúdica y estética. La obra de Ortiz Torres (1964), artista consolidado en el arte contemporáneo mexicano (su primera exposición se realizó en 1982), transita entre objetos que evocan territorios periféricos entre México y Estados Unidos, sobre todo California y la iconografía chicana. La muestra titulada Customatismo fue curada por Mariana Botey; la obra seleccionada y desarrollada a lo largo de varias décadas stá dividida en bloques que muestran vertientes de su trabajo. Otro ejemplo relevante del trabajo de Ortiz en el MUAC es la conjunción de piezas plásticas (producida

¿A qué huele nuestra infancia?, ¿qué olor expedimos cuando estamos felices?, ¿cuál es el aroma del placer?, la exposición preinaugural del Museo del Perfume (MUPE) nos sumerge en una experiencia inmersiva por paisajes aromáticos para responder estas y más preguntas. Las nueve piezas realizadas ex profeso para Sinestesia olfativa reflexionan sobre las posibilidades olfativas como parte fundamental de la vida, basadas en la sinestesia, el fenómeno neurológico que conduce a la experiencia simultánea entre dos o más sentidos. La muestra incluye el trabajo de Tania Candiani, Carolina Castañeda, Jerónimo Hagerman, el colectivo Interspecifics, Fritzia Irizar, Andrea Martínez, César Martínez, Juan José Rivas y Rogelio Sosa En el centro del museo encontrarás un perro inflable de cuatro cabezas realizado por Juan José Rivas que cada cierto tiempo exhala el aroma de la planta conocida como “lengua de perro”, utilizada en rituales para el amor y la rendición de la persona deseada. También destacan piezas como Mina de Jerónimo Hagerman que consiste en una serie de esferas con flores que nos invitan a dejar de lado la visión antropocéntrica y empatizar con los insectos, cuya labor de polinización es fundamental para la vida en la tierra. Una de mis favoritas fue la creada por el colectivo Interspecific, quienes con una bioimpresora crean esferas de gel que en su interior guardan el sabor de un aroma muy específico. Seguramente aquí, tú también activarás los recuerdos que te llevan a la

Reflexiones sobre el tiempo y el espacio se han realizado en el arte universal desde siempre, pero la forma particular que tiene el artista James Turrell (Los Ángeles, 1943) de abordar dichos conceptos crean experiencias estéticas en el espectador que muestran al arte contemporáneo como ente físico que se expande más allá del espacio dado por un museo o una galería. Y es que el reconocido artista estadounidense materializa la luz con sus instalaciones para crear nuevos espacios físicos de significados potencialmente infinitos. Muestra de ello es su obra maestra Roden Crater, en la que ha vertido su fascinación por la luz y el cosmos durante más de 45 años para transformar un volcán extinto en el desierto de Arizona en una instalación a gran escala sin precedentes; la percepción visual y la psicología son la base de dicha pieza. Y como no podemos ir hasta Arizona, Turrell presenta a partir de noviembre de 2019 dos instalaciones inmersivas nuevas pensadas para el Museo Jumex en la Ciudad de México: Ganzfeld, en la galería del primer piso del museo, disuelve la arquitectura a través de campos totales —formas de representar y manipular una cantidad de luz en un espacio dado (similar a los campos magnéticos)— de colores intensos. Mientras que, de manera contrastante, Dark Space [Espacio oscuro], en la terraza del museo, ofrece una iluminación tan mínima que crea imágenes desde el ojo del visitante, a lo que el artista denomina “ver detrás de los ojos o el verte a ti mismo ver”.

A finales de los setenta, el artista mexicano Rufino Tamayo se dio a la tarea de conformar una colección de arte contemporáneo que incluyera piezas internacionales, con el objetivo de acercar al público mexicano a las vanguardias que se gestaban en todo el mundo del siglo XX. En 1981, se inauguró el Museo Tamayo Arte Contemporáneo,recinto que albergaría dicha colección y cuyo inmueble se convirtió en una pieza más realizada por los visionarios arquitectos Abraham Zabludovsky y Teodoro González de León con ayuda del mismo Tamayo.  A casi 40 años de su apertura, el museo de polanco muestra en sus muros algunas piezas emblemáticas de esta colección comformada por casi mil piezas de arte moderno y arte contemporáneo. La sala 3 y la sala 4 albergarán obras de George Seagal, Joan Miró, Carlos Mérida, Pablo Picasso, Tania Pérez Córdova, Danh Vo, Mario García Torres, entre otros artistas cuya producción fue parteaguas de algún estilo artistico.  Dentro de la selección de obras que verás de los setenta y ochenta se encuentran la pintura abstracta Peinture, realizada por Joan Miró en 1927 y la escultura tallada en madera con figuras geométricas que conviven dentro de un espacio reducido Sky Wall, de Louise Nevelson. También encontrarás la pieza de George Seagal, The Corridor (1976), un conjunto escultórico de yeso y madera que presenta a una mujer dentro de un cuarto con una silla. Esta selección se podría traducir en piezas de arte moderno tardío, ejemplo de la ruptura que daría pas