Qué hacer este mes

La fe y la verdad son dos conceptos que han intentado regir la vida del hombre desde que es hombre, aunque sea desde sus polos opuestos: la duda y la mentira. En la más reciente obra de David Gaitán, dichos conceptos son puestos sobre la mesa a fin de actualizar el clásico griego de Sófocles, Edipo Rey, un texto que gracias a la lectura que hizo de él Sigmund Freud a principios del siglo XX, se convirtió en un referente de la cultura universal más allá del teatro. Una larga mesa y varias sillas son dispuestas en el escenario por Alejandro Luna —el mayor escenógrafo mexicano —, también responsable de la iluminación. Alrededor o encima de ella desfilan los tres personajes centrales de esta tragedia revitalizada que está ubicada en la atemporalidad, pero con claros guiños a situaciones políticas y sociales actuales. A partir del mito de los reyes a los que les fue anunciado que su propio hijo mataría a su padre y desposaría a su madre, Gaitán propone un discurso filosófico y político que no es digerible a simple escucha, pero que se va construyendo a través de una actualización ácida y divertida de los personajes y su situación de monarcas atemorizados por una peste que azota a su pueblo, sin saber que el mal proviene de su propio palacio. No importa que sigan estando en Tebas: la peste es reconocible en cualquier país, en cualquier tiempo. La ambición por el poder como estatus social, el sexo como eterno extinguidor de epidemias íntimas, la retórica como perenne controladora

Esta obra del dramaturgo canadiense Michel Marc Bouchard (Tom en la granja), nos cuenta la historia de dos jóvenes seminaristas de principios del siglo pasado. Por un lado, Talbot, el mayor de una familia numerosa que tiene la esperanza de sacar de la miseria a su familia al convertirse en sacerdote. Por otro lado, Michaud es un amante del arte dramático y fanático de ”la divina” Sara Bernhardt, famosa actriz que se encuentra de gira por su ciudad en Quebec. Ante la visita de la diva, la iglesia se opone con fervor, al grado de enviar a dichos jóvenes a impedir que su obra de teatro se presente en el lugar. Estos seminaristas, interpretados por los actores Dalí González y Eugenio Rubio, remarcan con su fuerza actoral y carisma los conflictos de los que escribe Bouchard: la contraposición de las clases sociales, el poder de la iglesia católica y los dilemas personales ante el deber ser. Pese a la anécdota sencilla y el humor ligero, poco a poco se van develando acontecimientos oscuros y profundos sobre el sufrimiento que rodea a los personajes. La divina ilusión reflexiona también sobre el papel del arte en general. Ahí la importancia de recurrir a la figura de la gran diva de principios de siglo, Sarah Bernhardt, interpretada magistralmente por Pilar Boliver. El personaje de esta actriz es muy importante, pues además de estar basado en un persona real, su figura no es sólo el pretexto para hablar de doble moral e hipocresía, es un detonante de la importancia y el efecto del

La obra de teatro escrita en 2013 por Gibrán Portela, Hay un lobo que se come el sol todos los inviernos, llega con una corta temporada al Teatro La Capilla, bajo la dirección de Cristian Magaloni (Los ojos). Leo y Ham son dos hermanos nacidos al mismo tiempo y criados bajo el mismo techo, pero con una diferencia entre ellos: Leo es un asesino que deja florecer sus instintos más viscerales. La historia nos muestra las diferentes facetas de los personajes, primero conocemos a sus padres, Dago y Elba, que se encuentran atrapados en un gélido invierno de carencia y depresión y después vemos los momentos más felices como familia, que a manera de radiografía, exploran los lazos emocionales establecidos entre familiares y la fragilidad con que estos van resquebrajándose.En el transcurso de este thriller psicológico, las puertas transparentes que se encuentran en el centro del escenario sirven como máquinas del tiempo que nos sumergen en paisajes en segundo plano sustraídos de la propia mente de los personajes. La música original de Natalia Pérez Turner termina por remarcar los sentimientos extremos, como la locura y la desesperación, que se alojan en Leo, música que se asemeja a los estruendos de una película de terror. La combinación de la música con la escenografía e iluminación (Miguel Moreno) —incluyendo los estrobos en contrapicada— hace de esta obra un deleite de humor negro para cualquier amante del horror, dejándonos al borde de la locura entre los secretos y las confusio

  El dolor del hombre común es explorado de una manera profunda, absurda y divertida en este monólogo de Will Eno, uno de los laureados dramaturgos contemporáneos de Estados Unidos y equiparado con el mismísimo Samuel Beckett gracias a la forma lúdica y oscura en que presenta el abismo, el absurdo y la nada. Tom Pain fue finalista del Premio Pulitzer en 2005 y montada por primera vez en México en 2008 por Alberto Villarreal y con la producción de Eugenio Derbez. La pena de Tom vuelve a caer sobre el escenario ahora con un nuevo equipo: bajo la producción de Once Once Producciones y la dirección del experto en monólogos divertidos y oscuros Adrián Vázquez. El protagonista es Luis Arrieta, quien se adentra en el sufrimiento de un hombre cualquiera que incluso podría pasar desapercibido, aunque si se lo propusiera sería capaz de tener la atención de cualquiera, explotando ese dolor profundo que carga por los recuerdos de infancia (incluyen mascotas y primeros amores). Vázquez encuentra en el texto traducido por Paula Zelaya Cervantes un nuevo pretexto para abordar universos personales complejos, plenos del abandono, el sarcasmo, la burla y el cinismo. Son tres anécdotas que involucran a personas y seres del pasado que allí se quedaron, que siguen lastimando, que se enuncian en un susurro, aunque es obvio que por ellos hay un grito contenido. Por otro lado, Arrieta es el impulsor del proyecto y encuentra en Tom Pain un personaje que le permite romper con todo lo que había est

Todos llevamos dentro a una señora. Y quien no me crea, necesita ir a ver el musical de Mentiras con urgencia. No sólo es un musical; es una experiencia religiosa capaz de poner a todos sus asistentes a cantar con fervor, de tenerlos al borde del asiento con los secretos que se revelan y de hacerlos llorar y reír. Más de un millón de personas han visto este musical 100% mexicano en alguna de sus 3500 funciones ininterrumpidas. Pero, ¿qué hace tan especial a Mentiras? Eso me preguntaba antes de verlo por primera vez. Y no hay una receta mágica que explique su éxito y que pueda replicarlo con cualquier otra obra, para muestra el intento fallido de Verdad o reto, un musical semejante pero de los noventa.  Por un lado, esta la selección de canciones que ya traemos tatuadas pues forman parte de la vida de los mexicanos desde hace tres décadas. ¿Quién no ha escuchado cantar a su mamá "Él me mintió"?, ¿o entonado "Maldita primavera" en una fiesta? ¿Y "De mi enamorate" cuando fueron con su crush a un karaoke (creo que sólo yo hice eso)? Después están los personajes, todos tenemos un poco de Dulce, de Lupita, de Yuri y de Daniela, las cuatro protagonistas que nos cuentan y cantan sus historias personales, todas distintas, y todas unidas por compartir el amor de Emmanuel. Es imposible ver la obra y no ponerte del lado de cualquiera de ellas, sólo para cambiar de trinchera cinco minutos después. Son personajes verdaderamente cercanos al público.  De la mano de las canciones y la hist