Qué hacer hoy en la CDMX

Uno de los festivales con más tradición, casi como de carnaval, es la Feria de las Flores de San Ángel, que este 2026 regresa con conciertos gratis, comida y muchas flores. Entre las coloridas fachadas y atractivos puestos de antojitos (prueba un esquite y nos cuentas) la celebración de este año promete cerca de 64 actividades gratuitas. Los clásicos para la celebración serán en el Museo Casa del Risco, el Museo de El Carmen y la Plaza San Jacinto. El Parque de la Bombilla es el recinto principal, espacio que este año compartirá terreno con el Festival Futbolero. Entre los actos musicales imperdibles figuran Los Askis (12 de julio), Gran Sur e Iraida Noriega (16 de julio), Belafonte Sensacional y Andrea Echeverri (17 de julio), Cecilia Toussaint y Matute (18 de julio) y el cierre corre a cargo del bailongo con La Sonora Dinamita y Los Llayras (19 de julio). Consulta la cartelera de la Alcaldía Álvaro Obregón para revisar horarios. Lo más relevante es el concurso de balcones decorados que hace gala de los floricultores en el Valle de México.   

La verdadera resistencia al mundo que nos rodea viene de la creación artística y el Ex-Teresa Arte Actual es ya un recinto referente sobre exposiciones de esta índole; para la muestra colectiva reúne el talento (y las expresiones artísticas) de figuras como Santísima Kitsch, Farlopa, Pepx Romero o Frank López.  Del performance, pintura, collage, textiles, instalación y acciones, estos diálogos con el recinto a manera de intervenciones en el espacio ponen sobre la mesa temas como la crítica social y la estética dominante actual en los procesos creativos hasta la hegemonía de los cuerpos y las disidencias en lo que vestimos o queremos portar. Montada en cuatro núcleos, la muestra señala que la diferencia nos hace únicos y que lo “mal visto” también crea sus ejes narrativos estéticos. Dotando de ideales y tradiciones artísticas, las piezas van de lo ornamental hasta expresiones digitales para la era performativa que vivimos. 

La magia y la tragedia del Segundo Imperio Mexicano vuelven a respirarse. Este verano 2026, el Museo Nacional de Historia Castillo de Chapultepec abre sus puertas al anochecer para recibir las obras teatrales "Imperio" y "Carlota", una oportunidad para viajar en el tiempo. Bajo la dirección de Rodrigo González, estas puestas en escena se adentran en los secretos de la corte. Antón Araiza protagoniza los últimos momentos de Maximiliano de Habsburgo en "Imperio", basada en la novela de Héctor Zagal, mientras que Alejandra Chacón personaliza a "Carlota"como un recorrido íntimo y emocional hacia la locura de la emperatriz, construido a partir de sus cartas personales. Esta temporada destaca por un nivel de autenticidad visual. La diseñadora y artista Indra Ortíz ha creado una propuesta de joyería escénica inspirada en las piezas originales de la pareja. Este detalle, sumado a las fotografías de André Manjón y la dramática música original de Alonso J. Burgos, fusionan a la perfección el arte contemporáneo, la moda y nuestra historia. Asegura tu lugar en la corte imperial No dejes pasar la oportunidad de vivir este retrato histórico caminando por los mismos pasillos que alguna vez habitó la realeza. Planifica tu visita y sé parte de este esperado evento escénico producido por La Infinita Compañía: Imperio: Contará con solo dos funciones especiales. El pasado 7 de junio y el próximo 5 de julio de 2026 a las 7pm. Carlota: Se presentará en una temporada regular todos los sábados...

Cuando vi y escuché Biophilia de Björk por vez primera, no entendí el significado del concepto. Justo en la muestra temporal Biodiseño del Franz Mayer vi una pieza que integraba la biota, la vida y la conexión con la naturaleza a manera de mapa mental, y ahí supe de qué iba la islandesa con su séptimo disco. Esta muestra reúne textiles, artefactos, texturas, biomas y hasta hongos para mostrarnos cómo la vida siempre ha inspirado la creatividad desde la naturaleza; literalmente, desde la raíz (como los hongos, que son el wifi del bosque) hasta los colores de la grana cochinilla o los hilos de agave para hacer indumentaria. Aunque la muestra es pequeña y ocupa apenas tres núcleos temáticos, vale la pena recorrerla, ya que es la primera exposición dedicada al biodiseño en nuestro país. Podrás explorar el diseño y los proyectos de artistas emergentes que miran el legado de nuestro pasado para converger con un futuro sustentable. Esperamos que, como propone la premisa de la muestra, el diseño sea cada vez más colaborativo entre todos los seres vivos que habitan este planeta y no solo esté supeditado al consumo humano. Bastante arrasamos ya nuestro entorno como para no abrazarlo, integrarlo y vivirlo desde la conciencia colectiva; la misma que Björk conectó con la naturaleza cósmica de aquel disco. Ahora entiendo más.

¿Buscas una nueva exposición en CDMX para conocer en esta mitad de año? Te traemos una opción que está atrayendo las miradas de los amantes del arte. Se trata de Desde el Umbral, una muestra compuesta por artistas individuales, colectivos, investigadores y activistas de diversas disciplinas.  Cada pieza de esta muestra está centrada en abordar el duelo que atravesamos con la destrucción del planeta, de tal forma que sirvan como un puente que marquen la distancia entre el mundo natural desde su objeto de uso y explotación, así como la reconfiguración de su ontología. La exposición fue diseñada recuperando la visión de Brun Latour, un filósofo y antropólogo francés, quien consideraba que la naturaleza no es un dominio particular de la realidad, sino el resultado de una división política, es decir, que estamos constituidos como sociedad por un sistema de exclusión, en la cual se establecen relaciones de parentesco, responsabilidad o de violencia y exportación.  Para contrarrestar esta visión del mundo, han surgido ideas de ver la naturaleza como objeto de explotación y consumo para alinear su capacidad de sentir y reconocerse como un ser vivo; como una obsesión moderna por producir objetos explotables. De esta idea parte Desde el Umbral, como un frente que busca desmantelar dichas estructuras, bajo la curaduría de Alejandra Labastida y Lucía Sanromán.  Exposición Desde el Umbral: fechas y sede  La exposición Desde el Umbral ya se encuentra disponible en el Museo Universitario...

La muestra sienta las bases para entender nuestros “colores” vistos por otros ojos es una invitación al turista que ama lo mexicano en la práctica artística. El trabajo museográfico se sirve de pintura, murales, fotografía y hasta gráfica para entender cómo la identidad visual de este país se ve inspirada por influencias externas. Entre las piezas que destacan se encuentra el único mural vivo del Dr. Atl, Vistas de Puebla, o el Mapa de producción de Miguel Covarrubias, que ahora vivirá en la colección permanente del recinto. El periodo que comprende la exposición va de los años de la posrevolución hasta el final de los setenta, cuando los creadores, artistas e intelectuales extranjeros fueron atraídos al país por su incipiente crecimiento social, especialmente en el mundo de las artes. Esto se refleja en la práctica que supone la proyección de una identidad nacional dentro y fuera de México, todo ello revisitado en la práctica artística como la foto, el cine, el diseño, las revistas, carteles y hasta mobiliario en los cuales se apoya la muestra. Podrás admirar la obra que construye visualmente el territorio después de la Revolución, conocer el registro de cómo se vestían los mexicanos de antes o entender la majestuosidad de recintos que dieron paso a la modernidad. Todo ello plasmado en obras de Cordelia Urueta, Angelina Beloff, Vita Castro, Diego Rivera, Carlos Mérida, Gerardo Murillo (Dr. Atl), Jorge González Camarena, Alfonso X. Peña o Miguel Covarrubias, por mencionar...

Con el futbol como tema central, la muestra propone explorar el deporte desde la arista colectiva, los rituales que hay en torno y la práctica artística de grandes referentes en el país. Esta reflexión sobre el deporte que ocupa la mirada del mundo juega con la cultura, la corporeidad y el ritual mediante actividades satélite en el museo. Ese sentimiento que vive en la memoria colectiva cada vez que escuchamos un grito a ritmo de «¡goool!» o la frase «no era penal» es lo que define al recorrido. Este arranca con el juego de pelota, nativo de nuestro legado prehispánico, como hilo conductor y, por medio de más de cincuenta obras, continúa por seis núcleos temáticos hasta tejer ideas sobre la pasión universal del balompié. Se narra mediante cuadros, litografías, grabados y esculturas de artistas como Pedro Coronel, Rufino Tamayo, Flor Minor, Federico Silva, Betsabeé Romero, Jorge Marín y Pedro Friedeberg, por mencionar algunos. El corazón de la muestra narra los significados religiosos, políticos y la cosmovisión que tenemos de este deporte, pero lo que nos llamó la atención es el cierre con una instalación colectiva de objetos alusivos que los trabajadores de la institución pusieron. Entre álbumes de estampas, boletos de partidos, camisetas, autógrafos, fotografías de astros, balones y más, nos recuerda el paso del tercer Mundial por nuestra ciudad. Todas las obras pertenecen a las colecciones Pago en Especie y Acervo Patrimonial de la Secretaría de Hacienda, pero también...

Hay espacios culturales que invitan al silencio, pero otros apuestan por la cercanía, la memoria y el juego. En la Ciudad de México podemos encontrar una exposición dinámica que reúne miles de piezas de su acervo. En su aniversario número quince, El Museo del Objeto del Objeto (MODO) decide celebrar a lo grande, con La colección, con todas sus letras, una propuesta que abraza la diversidad y el asombro. Un archivo que crece con la imagen  Lo que comenzó como una colección de decenas de miles de objetos hoy se ha transformado en un acervo monumental. El MODO abrió sus puertas en 2010 en la colonia Roma, impulsado por el coleccionista Bruno Newman, quien durante décadas reunió miles de objetos de la vida cotidiana.  Su intención no era solo exhibir piezas curiosas, sino contar la historia cultural del país a través del diseño, la publicidad y los productos que han acompañado a distintas generaciones. Desde su origen, el museo se planteó como un espacio dinámico, enfocado en exposiciones temporales que reinterpretan su acervo desde distintas perspectivas. Con el paso de los años, el museo ha consolidado una de las colecciones más amplias de cultura material en México, creciendo de aproximadamente 30 mil piezas a más de 200 mil objetos. Su evolución ha estado marcada por un enfoque lúdico y accesible, alejándose de la museografía tradicional para conectar con públicos diversos.  Te puede interesar: Tributo a José José y Juan Gabriel en el Museo Yancuic ¿Qué podemos encontrar...

Papalote Museo del Niño monta la exposición que pone a la cancha de juego como patada inicial para explorar el fenómeno cultural que es el futbol en el marco de la justa veraniega más importante del año. Son cuatro núcleos temáticos los que conforman La Cancha de los Niños, donde podrás explorar y aprender sobre el futbol más allá de los partidos. Primero, iniciarás tu recorrido adentrándote en una pieza de balones gigantes que los pequeños amarán para rebotar y tomarse fotos. Después entrarás al juego (literalmente) para probar tu velocidad y patada. Tienen además una zona dedicada a narrar los partidos, jugar futbolito y hasta pintar tu propia jersey. Para seguir con el recorrido, algunas fotos de las canchas de futbol son exhibidas en un túnel lleno de balones.  La obra del fotógrafo Santiago Arau, canchas por el país en donde el juego de la pelota lleva anclado más tiempo en nuestra historia que el mismo mundial con el que se hace alegoría al juego. Su visión artística apoyada en drones lo lleva a retratar desde las alturas el juego como un ritual urbano para plasmar la pasión que en este país cuenta con una horda de aficionados.  Para cerrar el recorrido, no te vayas sin ver la cancha desde la visión de la artista plástica Betasabe Romero. “Ojalá el mundo fuera una cancha de juegos”, comentó al presentar su pieza que delimita el arco del triunfo (portería, pues) como un tejido simbólico para mostrar el lado más artístico del futbol desde el imaginario colectivo del...

¿Tu barrio te respalda? ¿Qué hace el Halcón Milenario en Bellas Artes? De eso va la nueva muestra en el Museo Palacio de Bellas Artes que nos acerca a la cultura chicana desde su práctica artística.  Si hay algo que necesitamos estos días es construir puentes. Olvidar que la violencia y el estigma segregan, abrazar las raíces y el arte como instrumento de cambio. La clicka, el barrio, el color, el mural, la denuncia, el origen. Todo ello convive en los muros de Bellas Artes por vez primera, legitimando así este movimiento artístico contemporáneo. Más de 33 artistas de origen chicano son revisados entre instalación, fotografía, archivo, pintura y escultura, en los cuatro núcleos que conforman la exposición. Aztlán se refiere a ese lugar en donde se fundó nuestro país, pero la patria se vive también fuera, la muestra refleja el trabajo y obra de artistas principalmente radicados en Los Ángeles, de donde son originarios la mayoría de las y los creadores de este movimiento.  La muestra temporal nos acerca a la visión que creadores y voces de una mexicanidad que nos pertenece, pero que no está alejada de nuestras raíces, han construido a través de simbolismo y representaciones; desde un puente en llamas a la nave espacial de la cultura pop con toques mayas. Lo chicano nos recuerda que hay una historia compartida entre México y Estados Unidos, pero las personas que están en medio son protagonistas.