Los 20 mejores discos de lo que va de 2022

Kelly Lee Owens

Sabíamos que iba a llegar el momento de escuchar el nuevo disco de la galesa. Con miedo, le dimos play a su tercera pieza LP.8 porque su antecesor, el brutal Inner Song había abierto la puerta del techno-pop de una manera tan elegante, que nos enamoramos de él instantáneamente. Con una pandemia y la cancelación de sus shows por la pandemia entre las manos, la música decidió pasar el invierno en Oslo para acompañar al artista noruego Lasse Marhuaug, miembro de Sunn O))), para crear esta pieza que transita entre el dron, el ambient y algo de noise.

Lee deja atrás las estructuras pop de verso-coro para recurrir a figuras geométricas y cadenas de repetición que rayan en lo industrial. El disco abre con “Release” que repite una y otra vez la misma palabra, casi como un mantra, casi como una letanía, un rezo; al igual que su portada, Kelly Lee Owens comienza con estructuras repetitivas y conforme avanza el disco se va deformando.

La canción… “Sonic 8”
LP.8 está construido a partir de los problemas a los que se enfrenta la humanidad. Durante la pandemia, Kelly se dio un respiro para reflexionar sobre el cambio climático, las armas y la salud mental. “I’m tired, You’re Tired. We wanna be free together. None of us are free unless all of us are free”.

Kendrick Lamar

El quinto álbum del originario de Compton —como cada uno de sus trabajos— es una clase magistral de hip hop. No por nada es el único rapero acreedor de un Premio Pulitzer. Mr. Morale & The Big Steppers es el trabajo más íntimo de Kendrick, un retrato de sus creencias y sus inseguridades. Un recorrido de versos que desgarran su piel hasta llegar a sus entrañas. La comunidad afrodescendiente, la masculinidad, la paternidad y hasta la mortalidad son parte de los temas que aborda.

La canción… “Mother I Sober”
“Le pregunto a Dios, ¿dónde me perdí? ¿puedo ser perdonado?”. Uno de los cortes más personales y crudos del disco, en el que además, colabora Beth Gibbons de Portishead.

Arcade Fire

El matrimonio más querido del indie dosmilero, Win Butler y Régine Chassagne, vuelven con el sexto disco de una de las bandas más grandes de este siglo. Creado con solo piano y guitarra en Nueva Orleans, Estados Unidos, Arcade Fire presenta WE, un disco que decanta el espíritu de su discografía, pero con un elemento que no solían usar: el silencio; parece que la banda se sentía obligada a ocupar todo el espacio de sus canciones poniendo capas y capas de instrumentos —incluso recurriendo a dos baterías— pero aquí se dan el lujo de respirar tranquilamente antes de tocar la siguiente nota, expandiendo su sonido.

Sin temor a equivocarme, WE es (tal vez) el disco que mejor engloba el sonido de la banda; tenemos colaboraciones bailables con la voz de Régine y Peter Gabriel en “Unconditional II (Race and Religion)”, canciones en dos partes que van de lo acústico a lo rock & roll como el dúo gemelo “The Lightning I” y “The Lightning II”. 

La canción… “End of The Empire I-III”
Una dulce y dramática canción que me llena de lágrimas los ojos cada que la escucho. Es hermosa y dolorosa melodía sobre la pérdida y la despedida, sobre cargar con fantasmas y autodestruirse: “Didn’t use to get high, didn’t use to drink any, didn’t use to think I could ever dream about losing you”.

Bonobo

El productor Simon Green —a.k.a. Bonobo— pasó de hacer música downtempo, a modernizar el concepto de chillout. Fragments es un disco para reproducir cuando el loop de la vida cotidiana nos aprisiona. Un lugar ideal para darle reposo a la mente. Jamila Woods, Jordan Rakei y Joji empatan perfectamente con este sonido suave, que fluye con naturalidad como un río de agua cálida.

La canción… “Shadows”
Un tema con elementos frescos que sale a la superficie para llevarse todas nuestras preocupaciones.

A Place to Bury Strangers

Después de su increíble Pinned, APTBS volvió con nueva alineación para presentar su nuevo disco. Oliver Ackermann reclutó a su banda amiga, Ceremony —formada por el matrimonio Sandra y John Fedowitz— puliendo su sonido y poniendo más enfasis en elementos electrónicos, los cuales estuvo experimentando en su última gira, saltando al público con una caja de sonidos para bailar con la multitud.

See Through You presenta un post punk más pulido, cavernoso y oscuro. Ya que fue grabado durante la pandemia tiene ese sentimiento de que se acercaba el fin del mundo. En entrevista, Oliver nos dijo: “Estaba pasando por un momento difícil y quería hacer un disco épico en caso de que este fuera el último suspiro que tuviera A Place To Bury Strangers. El disco fue grabado casi en su totalidad por mí en solitario; soy yo tocando la batería en la mayoría de las pistas y en las horas más extrañas del día, y experimentando con las configuraciones más locas que se me ocurren para mantenerme completamente inmerso”.

La canción… “So Low”
Oliver sacó todos sus demonios y los musicalizó con capas y capas de guitarras distorsionadas. Por supuesto que puedes bailar mientras cantas “You take your time to destroy my life, I’ll be happy when you’re gone”.

Just Mustard

¿El corazón debajo de dónde? Probablemente debajo de todo, hasta el último rincón de la tierra, el más oscuro. Los irlandeses Just Mustard hicieron de su segundo álbum un pasaje tormentoso. Tanto, que al escucharlo se siente como si caminaras atemorizado por un túnel donde no puedes ver ni tu mano.

En el apartado musical, es como si PJ Harvey, Blonde Redhead y My Bloody Valentine se hubieran sumado en un mega proyecto. Este disco es ruido contenido y reverb a tope, fundidos con la mística voz de Katie Ball. Un viaje del que, definitivamente, no regresarás siendo el mismo.

La canción… “Still”

Si este disco es como andar por un túnel, “Still” es ese momento en el que sabes que ya no hay marcha atrás. No hay forma de regresar. Sólo hay oscuridad.

Beach House

La banda de dream pop de Baltimore decidió lanzar su octavo disco en formato de EPs. Desde noviembre de 2021 presentó conjuntos de canciones hasta completarlo el 18 de febrero de este año. Esta obra de 18 piezas es una oda al drama, al amor, los corazones rotos y la vida misma. Parece que Beach House se propone superarse disco con disco y la emoción que nos hizo sentir con su disco homónimo de 2006, es la misma con la que escuchamos a este  brillante nuevo disco, Once Twice Melody.

Suele pasar que en discos tan largos siempre hay canciones de relleno, pero aquí, cada una vibra por sí sola. Y cuando se mira la obra completa, es tan homogénea y redonda que se siente perfecta. No por nada decidieron hacer un videolyric de cada canción con animadores de todo el mundo. El regreso de Victoria Legrand y Alex Scally, como siempre, se siente acogedor. 

La canción… “Superstar”
De esas canciones que te hacen pasar el trago amargo, que te abrazan, que te sanan, que te apapachan mientras lloras. Beach House nunca nos deja solos: “Now you’re gone, I see it now in this photograph, something good never meant to last”.

 

Bad Bunny

Este disco es el más propositivo en la carrera de Bad Bunny. En un viaje de más de 20 canciones, distintos ritmos de la región del Caribe se funden en un perreo memorable. En cuanto a las colaboraciones; The Marias, Bomba Estéreo y Buscabulla son algunos de los nombres que figuran. Un Verano Sin Ti tiene de todo, para todos. Hay mambo, hay fiesta, pero también protesta y un crudo señalamiento hacia la violencia de género.

La canción… “Efecto”
En el álbum todos son hits, pero la frase “Mi mundo está jodío y me siento perfecto, porque estás tú aquí” se robó nuestros corazones. Y que nadie diga que este tema no es una bellísima declaración de amor.

The Smile

Thom Yorke se unió a Jonny Greenwood y al baterista de las bandas de jazz experimental Sons of Kemet y The Comet is Coming, Tom Skinner, para presentar esta sonrisa que según palabras de Thom Yorke: “no es una sonrisa de ja ja ja es una de un tipo que te miente en la cara”.

A Light for Attracting Attention es un paseo narrado por la tormentosa y adolorida voz de Yorke, que a veces se torna en lamentos fantasmagóricos, pero que como siempre nos enamora; es imposible no pensar en A Moon Shaped Pool de Radiohead cuando entran los elementos orquestados —el trabajo que ha hecho Jonny en los últimos años como solista—, pero que contrastan con el espíritu punk de la banda. Una pieza bella pero ominosa.

La canción… “Thin Things”
Como si fuera una serpiente entre el pasto, una guitarra se abre el paso, volviéndose más rápida y esquivando los obstáculos. Esta canción saca lo mejor de Jonny, Thom y Tom. ¿A qué suena The Smile? A esto.

Black Country, New Road

Invitándonos a desmenuzar cada una de sus capas sonoras, este material es un deleite de violines y trompetas, que progresivamente se juntan con las voces de fondo. Después de la salida de Isaac Wood, el líder de la banda, el futuro es incierto. Lo único seguro es que Ants From Up There es una joya y con los años, se convertirá en un material de culto.

La canción… “Bread Song”
La rola más triste del álbum –y eso que hay muchas—. La intimidad de comer juntos en la cama… y después no saber qué hacer con las migajas de pan.

Let's Eat Grandma

A cuatro años de su impresionante I’m All Ears (disco producido por la Faris Badwan de The Horrors y la increíble SOPHIE), el dueto de Norwich vuelve con un disco poderoso lleno de pop de la mano —de nueva cuenta— de David Wrench, músico inglés detrás de discos como LP1 de FKA Twigs, Process de Sampha y American Utopia de David Bryrne. 

En Two Ribbons podemos ver cómo las jóvenes Rosa y Jenny van madurando; sus letras hablan sobre crecer, decir adiós y seguir adelante, caminar hacia la adultez y su sonido dejó de ser más experimental a comparación de sus dos discos anteriores; parece que el dúo encontró su sonido y se escuchan mejor que nunca.

La canción… “Watching You Go”
Una pieza totalmente bailable con una letra desgarrante sobre ver a alguien irse y vivir con ese sentimiento de pérdida: “I still wake up sometimes and I feel I've lost it”.

Perfume Genius

Desde su colaboración con los Yeah, Yeah, Yeahs hasta la publicación de este material, 2022 es el año de Perfume Genius —y lo que le falta—. ¿Por qué nos encantó lo nuevo de Mike Hadreas? Es un rechazo a todo lo establecido; demuestra que la composición también puede ser descubrimiento y resistencia, experimentación y vibra queer.

Musicalmente, Ugly Season es como uno de esos sueños que a la mañana siguiente no recuerdas muy bien, pero estás seguro que tuvieron un poco de todo. Es difícil anticipar hasta dónde te llevará la siguiente canción, entonces lo mejor que puedes hacer es cerrar los ojos y dejarte llevar.

La canción… “Pop Song”

Es el ritmo que menos esperas encontrar en el disco y aún así, el que se siente más acertado. 

MUNA

Después de sufrir de problemas creativos mientras estaban en el sello RCA, nuestra querida Phoebe Bridges rescató a MUNA, este trío pop de Los Ángeles que hace música pop queer para que todos bailemos. Formada por Katie Gavin, Josette Maskin y Naomi McPherson, presentan su tercer disco, de manera homónima a manera de segundo debut.

Este material hace un tributo al pop noventero y de principios de los dosmiles con piezas brillantes, que incitan a levantarse y adueñarse de la pista. Algo que me gusta mucho de MUNA es que al ser queer, escriben música que nos apela a la comunidad. Así como hizo la serie Heartstopper que nos dió una historia romántica para la comunidad, este trío nos da himnos pop que nos hace sentir en casa.

La canción… “What I Want”
Es imposible no bailar con esta canción que literalmente recita “I wanna dance in the middle of a gay bar”. Por supuesto que todos queremos.

Wet Leg

Rhian Teasdale y Hester Chambers nos dieron una cátedra de espontaneidad. Las chicas inglesas tuvieron la osadía de hacer lo que les vino en gana, tocando música por el puro placer de hacerlo. Con un desenfado contagioso, Wet Leg es el disco que pondrías para irte de roadtrip, a donde sea.

La canción… “Wet Dream”
El retrato del sueño adolescente. Manejar hasta casa, prender el DVD y ver Buffalo ‘66 con tu ligue… para terminar por no ver la película.

Yard Act

La banda de Leeds lanzó su primer EP el año pasado. Dark Days nos dejó un buen sabor de boca pero parece que Yard Act viene a apoderarse de las estaciones de radio con su debut oficial, The Overload. Esto es a lo que suena el britpop post Brexit, justo cuando el Reino Unido se está tambaleando por salirse de la Unión Europea sólo para demostrar que ellos podían solos —bueno, porque no es políticamente correcto decir que son racistas y querían a todos los extranjeros fuera del país—. Lo que prometió nunca se cumplió y ahora pasan por una época de inestabilidad. Yard Act toma esto y —como si fueran mexicanos— se burlan de la desgracia. No pueden hacer otra cosa más que reír y pasarla bien.

Es imposible no escucharlos y recordar a Franz Ferdinand, una esencia de Blur y Pulp —claro que no tiene nada que ver que estén en el mismo sello—. Uno de los discos más frescos y divertidos del año.

La canción… “Payday”
El coro recita “Take the money, take the money, take de money and run”, mientras James Smith nos recita un monólogo musicalizado por percusiones. 

Cate Le Bon

Poco después del lanzamiento de Reward (2019), Le Bon se dio un respiro de la vida para llenarse de inspiración, construir algunos muebles y volver a la música fresca y con nuevas ideas, pero como a todos se le cruzó la pandemia y la aprovechó para darse una vuelta por los caminos de Bowie —a quién religiosamente escuchó durante su año sabático— con un pop oscuro setentero que nos lleva por pistas sencillas pero agradables.

Parece que la galesa está más centrada en lo que le apasiona hacer, se le escucha más decadente pero feliz haciéndolo. El disco desmenuza miedos y culpa de la vida adulta, pero Le Bon los abraza y los musicaliza con saxofones y sintetizadores brillantes: “I was born guilty as sin to a mother guilty as hell”.

La canción… “Harbour”
“Heaven above don’t care how you’re living carry across your devotional ties” canta mientras una balada bailable se entreteje con saxofones y una batería la sostiene. Hasta parece una canción sacada de un VHS de tus papás.

Silvana Estrada

El álbum debut de la cantante veracruzana se plantó fuerte para representar a la nueva generación de cantautoras latinoamericanas. Con la garra de Soledad Bravo o Chavela Vargas, Silvana Estrada dejó impreso su corazón en cada canción. Un proceso de composición que ella misma define como terapéutico; un acercamiento al amor desde la humildad y no desde la idealización.

La canción… “Marchita”
La voz rasgada. Una guitarra acústica. Y el alma quebrada.

Rosalia

¿Chica qué dices? Pues Rosalía volvió para comerse al mundo. Después de su aplaudido malamente, la española volvió con un disco más experimental, que va de una samba electrónica a un reggaeton minimalista (no sé si esto exista). Irónicamente, los fans de la vieja escuela no recibieron el nuevo sonido y prefirieron alejarse, mientras que Motomami le abrió la puerta a otro tipo de público, sobre todo a todos aquellos que amamos a ARCA. 

Rosalía no solo demostró el poder de su voz, se escucha más honesta, más ella, y no un producto que debe cumplir ciertos requisitos para que la volteen a ver. Digo, si ya estás en la cima, ya puedes hacer lo que quieres, lo difícil es mantenerse, pero ella lo está haciendo, solo falta voltear a ver todos los sold outs de su gira mundial.

La canción… “Candy”
Rola que entreteje la dulce voz de Rosalía con beats de reggaeton y una melodía melancólica. “La vida es bonita pero traicionera”. Directo al corazón. 

Mitski

La antítesis de la romantización; la belleza coexistiendo con la soledad, en el mismo disco. Una mirada a las relaciones —igualmente satisfactorias y turbulentas— que tiene Mitski con su carrera, con el amor y con la vida. Un material cuyo significado trasciende tanto como su cuidada selección instrumental.

La canción… “Love Me More”
Porque la ambivalencia también se puede bailar, este track resuena en cada poro del cuerpo.

Black Midi

Estos muchachitos parecen máquina de éxitos. El año pasado nos dejaron la quijada en el suelo con su emocionante Cavalcade y ahora vuelven con este fuego del infierno para demostrar que tienen más energía —y talento— para hacer piezas que transitan entre el rock, el acid jazz y la orquesta.

El disco abre con la canción que le da nombre al disco. Tal cual cortinas de terciopelo rojo, abre la puerta para llevarnos al acto principal. Este disco es como caer por la madriguera de conejo, cambiando de ritmo; los instrumentos entran, salen, regresan, se calman, se alebrestan, pasa a la otra canción sin darnos cuenta. Emocionante y salvaje.

La canción… “Sugar/Tzu”
El anuncio de lo que comenzará no es más que una pelea de instrumentos. La canción, de un momento a otro, se voltea, va de los melódico y lento a lo caótico y rápido. Se detiene para respirar pero vuelve al torbellino del caos. Obra maestra.