Obras de teatro con temática LGBTTTI en la CDMX

La fe y la verdad son dos conceptos que han intentado regir la vida del hombre desde que es hombre, aunque sea desde sus polos opuestos: la duda y la mentira. En la más reciente obra de David Gaitán, dichos conceptos son puestos sobre la mesa a fin de actualizar el clásico griego de Sófocles, Edipo Rey, un texto que gracias a la lectura que hizo de él Sigmund Freud a principios del siglo XX, se convirtió en un referente de la cultura universal más allá del teatro. Una larga mesa y varias sillas son dispuestas en el escenario por Alejandro Luna —el mayor escenógrafo mexicano —, también responsable de la iluminación. Alrededor o encima de ella desfilan los tres personajes centrales de esta tragedia revitalizada que está ubicada en la atemporalidad, pero con claros guiños a situaciones políticas y sociales actuales. A partir del mito de los reyes a los que les fue anunciado que su propio hijo mataría a su padre y desposaría a su madre, Gaitán propone un discurso filosófico y político que no es digerible a simple escucha, pero que se va construyendo a través de una actualización ácida y divertida de los personajes y su situación de monarcas atemorizados por una peste que azota a su pueblo, sin saber que el mal proviene de su propio palacio. No importa que sigan estando en Tebas: la peste es reconocible en cualquier país, en cualquier tiempo. La ambición por el poder como estatus social, el sexo como eterno extinguidor de epidemias íntimas, la retórica como perenne controladora

La obra que sale mal regresa con su tercera temporada al Centro Cultural Teatro II y sí, gracias al cielo aún sale bastante mal. Escrita por Henry Lewis, Jonathan Sayer y Henry Shields, La obra que sale mal es toda una experiencia de comedia; imposible escapar de las carcajadas. No por nada se ha convertido en uno de los mayores éxitos del West End y de Broadway en los últimos años.  Desde el inicio, hasta antes de la tercera llamada, vemos al staff corriendo de un lado para otro, ajustando detalles en la escenografía para que todo salga bien; sin embargo, nos percatamos que todo saldrá grandiosamente mal. Puertas que no se mantienen cerradas, tablas del piso que no están bien fijadas y un sinfín de detalles son los que constituyen la escenografía de El asesinato en la mansión Haversham, puesta de teatro amateur y universitario que estamos a punto a presenciar.  A la par que los personajes descifran las pistas para desenmascarar al asesino de dicho drama, los errores aparecen en forma de entradas a destiempo, diálogos olvidados, desmayos, golpes y fallas de audio. Todo esto se convierte en una especie de homenaje satírico a los aciertos y equivocaciones que suceden tras bambalinas durante culaquier puesta en escena. El elenco dirigido por el mismo Mark Bell, encargado de los montajes originales, sorprende con una increíble precisión de acrobacias y ejecución impecable. Dan vida a las situaciones, a veces sosas pero hilarantes, Majo Pérez, Ari Albarrán, Ana Sofía Gatica, Ad

Fastuosidad es lo que describe a esta obra de teatro con música y letra de Jerry Herman (La jaula de las locas). El Nueva York de finales del siglo XIX es recreado con maestría en la tercera producción en México del clásico musical de Broadway Hello, Dolly! entre más de 300 luces en el escenario, un tren y 38 actores y bailarines en escena, que en conjunto salen airosos como una gran producción. Todos bajo la dirección y coreografía del mismo Jason A. Sparks, responsable de la producción de Broadway ganadora del Tony a la Reposición del 2017. La actriz y cantante Daniela Romo (Victor Victoria) da vida a la famosa casamentera Dolly Levi, una perspicaz viuda que debe dejar la nostalgia para rencontrarse con el amor, aunque para eso tenga que resolver un montón de enredos y ablandar el corazón del cuasimillonario Horace Vandergelder. En México, la gracia natural de Libertad Lamarque y Silvia Pinal marcó el reto a Romo, quien brilla luego de 10 años alejada de los escenarios y le hace justicia a las grandes divas que han protagonizado la obra a lo largo de la historia, incluyendo a Bette Midler —triunfadora en la versión que cerró telón en Nueva York en agosto de este año—. Vemos a una Dolly que se apega al espíritu jovial de Barbra Streisand (protagonista de la versión cinematográfica) pero con un toque personal y un claro mensaje: la Sra. Dolly es fuerte, auténtica, libre e invita a la lucha y al respeto hacia la mujer, sí, a pesar de ser una obra estrenada en 1964. Daniela e

Hay quienes dicen que la familia no se elige. Hay quienes contradicen y afirman que uno es quien elige en dónde nacer. El caso es que estas dos mujeres que están frente a frente en un día impensable, desearían nunca haberse conocido. Son hermanas, pero mas les valdría no serlo. Tras el éxito que ha tenido el montaje Clausura del amor  —con cinco temporadas en distintos espacios, siempre llenas—, Hugo Arrevillaga vuelve a tomar un texto del dramaturgo francés Pascal Rambert, quien una vez más enfrenta y confronta a dos seres que alguna vez tuvieron oportunidad de quererse y que ahora se revelan como francos contrincantes: enemigos que se conocen no nada más de pies a cabeza sino hasta lo más profundo de sus entrañas. Imposible contar con un arma más poderosa y letal. En la obra anterior fueron marido y mujer a punto de concretar una separación; hoy son dos hermanas inteligentes y exitosas las que no cesan en su intento de destruir a la otra a través de la palabra afilada y el recuerdo incómodo, el constante reclamo, la puntual ironía, el amor filial oculto en un sitio muy lejano… o tal vez muy presente. Un tour de force para dos personajes que un día se dan cuenta que la perfección en la vida profesional no es suficiente para proclamarse un ser humano completo. Un tour de force para dos actrices que, de la mano de su director, comprenden que la perfección es una virtud que se alcanza desde el trabajo, la inteligencia y la verdad. Un auditorio dispuesto para una conferencia

  El dolor del hombre común es explorado de una manera profunda, absurda y divertida en este monólogo de Will Eno, uno de los laureados dramaturgos contemporáneos de Estados Unidos y equiparado con el mismísimo Samuel Beckett gracias a la forma lúdica y oscura en que presenta el abismo, el absurdo y la nada. Tom Pain fue finalista del Premio Pulitzer en 2005 y montada por primera vez en México en 2008 por Alberto Villarreal y con la producción de Eugenio Derbez. La pena de Tom vuelve a caer sobre el escenario ahora con un nuevo equipo: bajo la producción de Once Once Producciones y la dirección del experto en monólogos divertidos y oscuros Adrián Vázquez. El protagonista es Luis Arrieta, quien se adentra en el sufrimiento de un hombre cualquiera que incluso podría pasar desapercibido, aunque si se lo propusiera sería capaz de tener la atención de cualquiera, explotando ese dolor profundo que carga por los recuerdos de infancia (incluyen mascotas y primeros amores). Vázquez encuentra en el texto traducido por Paula Zelaya Cervantes un nuevo pretexto para abordar universos personales complejos, plenos del abandono, el sarcasmo, la burla y el cinismo. Son tres anécdotas que involucran a personas y seres del pasado que allí se quedaron, que siguen lastimando, que se enuncian en un susurro, aunque es obvio que por ellos hay un grito contenido. Por otro lado, Arrieta es el impulsor del proyecto y encuentra en Tom Pain un personaje que le permite romper con todo lo que había est

Toda obra de teatro implica un acto de voyeurismo, aunque sepamos que aquello que miramos es mera ficción. Aún así, pocas propuestas son capaces de hacernos sentir tan dentro de un espacio y percibir hasta el más fino olor y el más sutil suspiro. Gracias al legendario escenógrafo e iluminador Alejandro Luna, en Tragaluz (Skylight) es posible estar dentro del pequeño departamento de Kyra, lejos del centro de Londres, Inglaterra; en una noche de mucha lluvia y mucho trabajo, con algo de pasta para cenar y dos visitantes que resumen una sola cosa: el pasado. Escrito por el prestigiado dramaturgo británico David Hare y estrenado a finales del siglo XX, Tragaluz es uno de los textos más importantes del teatro contemporáneo universal y es de celebrar que pueda verse en escenarios mexicanos con una propuesta que rebasa cualquier expectativa, al condensar muchos de los mejores elementos con los que cuenta el teatro mexicano. El reencuentro entre dos viejos amantes unidos por las mismas razones que los separan, la modesta maestra Kyra y el poderoso restaurantero Tom, es el pretexto para que Hare más bien construya un desencuentro: una relación que se explica a través de las notables diferencias éticas, morales y sociales entre ambos, partiendo del prejuicio, la descalificación y el malentendido. El directos Luis de Tavira pone toda su sabiduría teatral al servicio de este texto en el que el amor y las pasiones están delimitadas por la clase social y económica y en el que cada frase

Mauricio Garcés, uno de los personajes más icónicos del cine mexicano, es retomado por Joaquin Bissner en una comedia de enredos escrita y dirigida por él mismo. ¡Suertudotas! no solo retoma a Mauricio Garcés como el galán mexicano que todos conocemos sino también el género y tono característico de sus películas más famosas como El cuerpazo del delito, Click, Fotógrafo de modelos, Modisto de señoras y por supuesto Don Juan 67. Garcés es interpretado de forma magistral por Ulises de la Torre; su inigualable comicidad y la manita de gato de Everardo Mora nos hacen sentir al personaje en vivo y a todo color, acompañado de las "guapísimas" Violeta Isfel, Cecilia Gabriela, Andy Frederics y Vanessa Montemayor y de los caballeros Gerardo González, Jorge Ortín, Lalo Palacios y José Montini. La producción a cargo de Mejor Teatro y Morris Gilbert nos presenta una ambientación que nos remonta a los años 70. Un hermoso hotel en las playas de Acapulco con una escenografía de Miguel Moreno que junto con el vestuario de Estela Fagoaga, terminan de transportarnos a la época. Sin duda una comedia en la convergen generaciones, enredos y moda que de forma nostálgica nos hace revalorar la cultura pop mexicana de época, entre risas para toda la familia. TRES PREGUNTAS RÁPIDAS A ULISES DE LA TORRE 1. ¿Por qué consideras que Mauricio y su personalidad siguen presentes en nuestra sociedad?En sus películas él mostraba la parte vulnerable de un hombre pero con una finalidad; acercarse a la mujer.

Marlene y Oliver se encuentran por primera vez en un lugar bastante particular: un cementerio de gatos. A partir de entonces comienzan una relación y a pesar de sus diferencias, logran crear su propio lenguaje. La mayoría de las parejas desarrollan sus propios códigos personales, algunos incluso los reutilizan en su siguientes relaciones. Una vez que se le dice "te amo" a una persona, ¿pierde su valor al decírselo a alguien más? Cuando alguien te dice "aventamos un ladrillo a la ventana", ¿qué está diciendo realmente? La relación pasada de Oliver con Julie es un punto delicado de tocar para Marlene, pues su trabajo como abogada de divorcio claramente lo critica. Pero las cosas se vuelven mucho más intensas cuando el gobierno, por razones poco explicadas, introduce una ley de silencio. Con esta nueva consigna, todos tienen un límite diario de solo 140 palabras por persona. Considerando que una persona en promedio usa alrededor de 123 millones de palabras durante su vida, está claro que, en tal situación, uno tendría que pensar mucho lo que se dice y cómo se dice. Una de las cosas inteligentes de este texto de Sam Steiner es la manera de utilizar la comedia para criticar al sistema social en todas sus formas, tanto en las relaciones personales como en el régimen gubernamental, porque cuando estamos perdidos por las palabras, somos más impotentes. Bajo la dirección y traducción de Paula Zelaya Cervantes (El Hilador), la puesta corre con un ritmo impresionante y aunque los el

Todos conocemos la historia de los últimos días del profeta Jesús, de cómo su muerte y su historia cambiaron al mundo. La Biblia cuenta la historia del hijo de Dios, dicho texto fue compuesto por cada uno de sus dicipulos. En la obra de teatro El testamento de María conoceremos la perspectiva de la madre. En este monólogo vivimos la experiencia que tuvo una madre que perdió a su hijo, una mujer humilde que por su ignorancia sigue sin comprender la política de su época y cargando durante meses la culpa de no saber dónde quedó el cuerpo de su hijo. Sin duda, una historia muy similar a la de cientos de madres en nuestro país en la actualidad. Entre aromas, sí aromas, y acciones sencillas, la interpretación de Luly Garza nos lleva a un viaje de emociones que van desde la risa hasta el estremecimiento. Y esto no es sorpresa pues el texto es del exitoso y premiado escritor irlandés Colm Tóibín (Brooklyn, 2009) y dirigido en México por Itari Marta.  El testamento de María es además respaldado por su trayectoria, pues desde su estreno en Broadway (2013) con Fiona Shaw bajo la dirección de Debora Warner, se llevo la nominación a mejor obra en los Tony Awards, Maryl Streep prestó su voz para el audiolibro, el monólogo ha sido presentado en Londres y Barcelona, y desde su primer temporada en nuestro país sigue teniendo mucho que decir.