Qué hacer hoy en la CDMX

¡Es momento de ampliar tu colección literaria! La CDMX tendrá un Gran Remate de Libros con promociones desde 10 pesos ¿Lo mejor? Será un evento gratuito, por lo que todo lo que gastes será en joyas de tus autores favoritos.  Para esta 22° edición, tienen preparadas diversas actividades, como presentaciones de libros. Su objetivo es preservar y reactivar la circulación de libros, música y cine a precios accesibles, para que las personas puedan acceder a contenidos valiosos que de no ser adquiridos podrían ser destruidos. Tendrás cinco días para lanzarte por tus joyitas literarias, te decimos cuándo será. ¿Cuándo y dónde será el Gran Remate de Libros de Verano 2026?  El Gran Remate de Libros 2026 se realizará del 29 de julio al 2 de agosto en el Monumento a la Revolución. Recuerda que la entrada es gratuita, así que podrás asistir con tu grupo de amigos, trabajo o familia. Recuerda que el evento suele estar desde las 11am, así que no hay pretexto para no ir por algunos libros.  ¿Qué habrá en el Gran Remate de Libros 2026? Para esta edición del Gran Remate de Libros 2026, tiene preparados cinco días con editoriales, distribuidoras y sellos independientes para ofrecer a los asistentes obras literarias clásicas y contemporáneas.  Encontrarás libros de investigación, culturales e históricos, así como novelas clásicas y títulos novedosos. También ofrecerán algunas propuestas para niños, como cuentos infantiles. No te pierdas los conversatorios y presentaciones de libros. ¡Eso no...

Dicen que el mundo se conoce viajando, pero para adentrarse en una cultura como la japonesa, ¿qué mejor que el olfato? Déjate llevar por un viaje sensorial con este recorrido que promete ser uno de tus imperdibles del verano. En YUPICA: Eikō – Sombra aromática, la experiencia inmersiva se apoya en el perfume para dialogar con la cultura japonesa, el arte, la arquitectura y la sensibilidad de lo invisible. Los aromas te revelarán los secretos del Oriente. Esos acordes que asocias al País del Sol Naciente seguro te resultan conocidos. Deja que tu viaje entre el cedro, el sándalo, el incienso tradicional y el cítrico yuzu sea el inicio de un camino de exploración. Aunque el MUPE (Museo del Perfume) no ha revelado más detalles, los precios oscilan entre los $50, $100 y $150, dependiendo de si eres estudiante, público nacional o extranjero.

Si todavía no tienes tu varita mágica o se te rompió y está defectuosa como la que heredó Ron Weasley de su hermano, tal vez debas agregar a tu agenda este taller para personalizar tu propia varita y celebrar el cumpleaños del niño que sobrevivió.  Si estás listo para una tarde mágica y convivir con otros potterheads, esta actividad por solo $39 es un imperdible en la CDMX. Al terminar tendrás tu propio artefacto mágico que superará las creaciones del mismísimo Ollivander e incluso podría estar a la venta en su famosa tienda del Callejón Diagon.  No te pierdas: Disfruta una cena surrealista inspirada en artistas mexicanas ¿Cuándo será el taller para personalizar varitas en cdmx?  El taller mágico de personalización de varitas se realizará el próximo viernes 31, la cita es en la biblioteca Xochiquétzal ubicada en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental. Recuerda que la actividad no tiene costo, pues está incluida en el boleto de la entrada al museo que es de $39 (entrada general), pero si eres estudiante o vas con tus pequeños menores de 12 años, únicamente pagarán $19.  Otras actividades mágicas en el Museo de Historia Natural y Cultura Ambiental.  ¡Expelliarmus! Si quieres continuar con los trucos mágicos al estilo Hogwarts, el museo también tendrá un taller de lecturas mágicas. Aquí podrás descubrir cuál es tu varita mágica y la convertirás en un increíble marcapáginas, así que si eres amante de los libros saldrás de esta actividad con una nueva joya para esas...

La verdadera resistencia al mundo que nos rodea viene de la creación artística y el Ex-Teresa Arte Actual es ya un recinto referente sobre exposiciones de esta índole; para la muestra colectiva reúne el talento (y las expresiones artísticas) de figuras como Santísima Kitsch, Farlopa, Pepx Romero o Frank López.  Del performance, pintura, collage, textiles, instalación y acciones, estos diálogos con el recinto a manera de intervenciones en el espacio ponen sobre la mesa temas como la crítica social y la estética dominante actual en los procesos creativos hasta la hegemonía de los cuerpos y las disidencias en lo que vestimos o queremos portar. Montada en cuatro núcleos, la muestra señala que la diferencia nos hace únicos y que lo “mal visto” también crea sus ejes narrativos estéticos. Dotando de ideales y tradiciones artísticas, las piezas van de lo ornamental hasta expresiones digitales para la era performativa que vivimos. 

La muestra sienta las bases para entender nuestros “colores” vistos por otros ojos es una invitación al turista que ama lo mexicano en la práctica artística. El trabajo museográfico se sirve de pintura, murales, fotografía y hasta gráfica para entender cómo la identidad visual de este país se ve inspirada por influencias externas. Entre las piezas que destacan se encuentra el único mural vivo del Dr. Atl, Vistas de Puebla, o el Mapa de producción de Miguel Covarrubias, que ahora vivirá en la colección permanente del recinto. El periodo que comprende la exposición va de los años de la posrevolución hasta el final de los setenta, cuando los creadores, artistas e intelectuales extranjeros fueron atraídos al país por su incipiente crecimiento social, especialmente en el mundo de las artes. Esto se refleja en la práctica que supone la proyección de una identidad nacional dentro y fuera de México, todo ello revisitado en la práctica artística como la foto, el cine, el diseño, las revistas, carteles y hasta mobiliario en los cuales se apoya la muestra. Podrás admirar la obra que construye visualmente el territorio después de la Revolución, conocer el registro de cómo se vestían los mexicanos de antes o entender la majestuosidad de recintos que dieron paso a la modernidad. Todo ello plasmado en obras de Cordelia Urueta, Angelina Beloff, Vita Castro, Diego Rivera, Carlos Mérida, Gerardo Murillo (Dr. Atl), Jorge González Camarena, Alfonso X. Peña o Miguel Covarrubias, por mencionar...

¿Buscas una nueva exposición en CDMX para conocer en esta mitad de año? Te traemos una opción que está atrayendo las miradas de los amantes del arte. Se trata de Desde el Umbral, una muestra compuesta por artistas individuales, colectivos, investigadores y activistas de diversas disciplinas.  Cada pieza de esta muestra está centrada en abordar el duelo que atravesamos con la destrucción del planeta, de tal forma que sirvan como un puente que marquen la distancia entre el mundo natural desde su objeto de uso y explotación, así como la reconfiguración de su ontología. La exposición fue diseñada recuperando la visión de Brun Latour, un filósofo y antropólogo francés, quien consideraba que la naturaleza no es un dominio particular de la realidad, sino el resultado de una división política, es decir, que estamos constituidos como sociedad por un sistema de exclusión, en la cual se establecen relaciones de parentesco, responsabilidad o de violencia y exportación.  Para contrarrestar esta visión del mundo, han surgido ideas de ver la naturaleza como objeto de explotación y consumo para alinear su capacidad de sentir y reconocerse como un ser vivo; como una obsesión moderna por producir objetos explotables. De esta idea parte Desde el Umbral, como un frente que busca desmantelar dichas estructuras, bajo la curaduría de Alejandra Labastida y Lucía Sanromán.  Exposición Desde el Umbral: fechas y sede  La exposición Desde el Umbral ya se encuentra disponible en el Museo Universitario...

Con el futbol como tema central, la muestra propone explorar el deporte desde la arista colectiva, los rituales que hay en torno y la práctica artística de grandes referentes en el país. Esta reflexión sobre el deporte que ocupa la mirada del mundo juega con la cultura, la corporeidad y el ritual mediante actividades satélite en el museo. Ese sentimiento que vive en la memoria colectiva cada vez que escuchamos un grito a ritmo de «¡goool!» o la frase «no era penal» es lo que define al recorrido. Este arranca con el juego de pelota, nativo de nuestro legado prehispánico, como hilo conductor y, por medio de más de cincuenta obras, continúa por seis núcleos temáticos hasta tejer ideas sobre la pasión universal del balompié. Se narra mediante cuadros, litografías, grabados y esculturas de artistas como Pedro Coronel, Rufino Tamayo, Flor Minor, Federico Silva, Betsabeé Romero, Jorge Marín y Pedro Friedeberg, por mencionar algunos. El corazón de la muestra narra los significados religiosos, políticos y la cosmovisión que tenemos de este deporte, pero lo que nos llamó la atención es el cierre con una instalación colectiva de objetos alusivos que los trabajadores de la institución pusieron. Entre álbumes de estampas, boletos de partidos, camisetas, autógrafos, fotografías de astros, balones y más, nos recuerda el paso del tercer Mundial por nuestra ciudad. Todas las obras pertenecen a las colecciones Pago en Especie y Acervo Patrimonial de la Secretaría de Hacienda, pero también...

Cuando vi y escuché Biophilia de Björk por vez primera, no entendí el significado del concepto. Justo en la muestra temporal Biodiseño del Franz Mayer vi una pieza que integraba la biota, la vida y la conexión con la naturaleza a manera de mapa mental, y ahí supe de qué iba la islandesa con su séptimo disco. Esta muestra reúne textiles, artefactos, texturas, biomas y hasta hongos para mostrarnos cómo la vida siempre ha inspirado la creatividad desde la naturaleza; literalmente, desde la raíz (como los hongos, que son el wifi del bosque) hasta los colores de la grana cochinilla o los hilos de agave para hacer indumentaria. Aunque la muestra es pequeña y ocupa apenas tres núcleos temáticos, vale la pena recorrerla, ya que es la primera exposición dedicada al biodiseño en nuestro país. Podrás explorar el diseño y los proyectos de artistas emergentes que miran el legado de nuestro pasado para converger con un futuro sustentable. Esperamos que, como propone la premisa de la muestra, el diseño sea cada vez más colaborativo entre todos los seres vivos que habitan este planeta y no solo esté supeditado al consumo humano. Bastante arrasamos ya nuestro entorno como para no abrazarlo, integrarlo y vivirlo desde la conciencia colectiva; la misma que Björk conectó con la naturaleza cósmica de aquel disco. Ahora entiendo más.

¿Tu barrio te respalda? ¿Qué hace el Halcón Milenario en Bellas Artes? De eso va la nueva muestra en el Museo Palacio de Bellas Artes que nos acerca a la cultura chicana desde su práctica artística.  Si hay algo que necesitamos estos días es construir puentes. Olvidar que la violencia y el estigma segregan, abrazar las raíces y el arte como instrumento de cambio. La clicka, el barrio, el color, el mural, la denuncia, el origen. Todo ello convive en los muros de Bellas Artes por vez primera, legitimando así este movimiento artístico contemporáneo. Más de 33 artistas de origen chicano son revisados entre instalación, fotografía, archivo, pintura y escultura, en los cuatro núcleos que conforman la exposición. Aztlán se refiere a ese lugar en donde se fundó nuestro país, pero la patria se vive también fuera, la muestra refleja el trabajo y obra de artistas principalmente radicados en Los Ángeles, de donde son originarios la mayoría de las y los creadores de este movimiento.  La muestra temporal nos acerca a la visión que creadores y voces de una mexicanidad que nos pertenece, pero que no está alejada de nuestras raíces, han construido a través de simbolismo y representaciones; desde un puente en llamas a la nave espacial de la cultura pop con toques mayas. Lo chicano nos recuerda que hay una historia compartida entre México y Estados Unidos, pero las personas que están en medio son protagonistas.   

Hay espacios culturales que invitan al silencio, pero otros apuestan por la cercanía, la memoria y el juego. En la Ciudad de México podemos encontrar una exposición dinámica que reúne miles de piezas de su acervo. En su aniversario número quince, El Museo del Objeto del Objeto (MODO) decide celebrar a lo grande, con La colección, con todas sus letras, una propuesta que abraza la diversidad y el asombro. Un archivo que crece con la imagen  Lo que comenzó como una colección de decenas de miles de objetos hoy se ha transformado en un acervo monumental. El MODO abrió sus puertas en 2010 en la colonia Roma, impulsado por el coleccionista Bruno Newman, quien durante décadas reunió miles de objetos de la vida cotidiana.  Su intención no era solo exhibir piezas curiosas, sino contar la historia cultural del país a través del diseño, la publicidad y los productos que han acompañado a distintas generaciones. Desde su origen, el museo se planteó como un espacio dinámico, enfocado en exposiciones temporales que reinterpretan su acervo desde distintas perspectivas. Con el paso de los años, el museo ha consolidado una de las colecciones más amplias de cultura material en México, creciendo de aproximadamente 30 mil piezas a más de 200 mil objetos. Su evolución ha estado marcada por un enfoque lúdico y accesible, alejándose de la museografía tradicional para conectar con públicos diversos.  Te puede interesar: Tributo a José José y Juan Gabriel en el Museo Yancuic ¿Qué podemos encontrar...