Qué hacer hoy en la CDMX

En griego "συν χρόνος" (sin khronos) son dos vocablos que hacen referencia a la sincronía, así como a la simultaneidad de hechos y fenómenos en un mismo plano. A partir de esto, el curador de la exposición Daniel García Usabiaga hace una vinculación entre obras de valor histórico que presentan el arte cinético y óptico (op art) y obras contemporáneas que siguen la misma línea. Las paredes de la Galería RGR albergan 10 obras modernas y cinco contemporáneas que conviven y hacen evidente la continuidad de un discurso abstracto geométrico. Las piezas están realizadas con diferentes técnicas y materiales, que pasan por la pintura, los textiles y paralelamente hacen un contacto con la tecnología.  Dentro de la parte moderna observarás el emblemático trabajo del venezolano Carlos Cruz-Diez con las piezas Cromointerference Mécanique B12 (1970) y Physichromie 247 (1966), dos obras que jugarán con tu sentido de la vista. A su vez, Victor Vaseraly expone Keple Gestalt (1968), cuyos trazos parecieran que salen de su contorno material. Por la parte contemporánea no te puedes perder la pieza Tetralineados fluo vert (2018) de Elías Crespin, una secuencia de cuadrados fluorescentes que dan la impresión de mantenerse flotando en el aire y que generan diferentes coreografías a lo largo del tiempo. De igual manera, Paul Muguet expone Petate No. 3 (2018) y Secuencia No. 24 (2017), inspiradas en los textiles de diferentes regiones del país. En medio de la sala se encuentra Red and black sun II

La apropiación masculina de los espacios en el arte han eliminado o negado la presencia femenina desde siempre. El muralismo mexicano del siglo XX estuvo lleno de nombres de hombres, cuya fama no sólo trascendió de nuestras fronteras, sino que llegó hasta nuestros días para ser nuestra causa de orgullo nacional. ¿Y dónde estaban las mujeres muralistas?, eta es una pregunta que en no pocas ocasiones se ha hecho y que finalmente el Museo de la Ciudad de México comienza a responder con la retrospectiva Aurora Reyes. Una Vida en el arte 1908-1985. Contar la historia de Aurora Reyes desde su familia sería reivindicarla sólo como hija o nieta —nieta del militar Bernardo Reyes, sobrina del escritor Alfonso Reyes—, y no como la mujer, artista y poetisa mexicana que fue. Amiga entrañable de Frida Kahlo y alumna de la Academia de San Carlos, abandonó la institución para desarrollar su arte de forma autodidacta. Reyes se adentró en la pintura de caballete y en el retrato antes de ganar en 1936 el concurso para pintar Atentado a las mujeres rurales en el Centro Escolar Revolución (muy cerca de la estación del Metro Balderas), trabajo con el cual se convirtió en la primera mujer muralista mexicana. Su infancia en la Ciudad de México la conectaron con las causas populares y revolucionarias, por lo que su compromiso con la justicia social no sólo se vivía en su día a día, sino que lo transmitió a través de su obra y de su activismo político, al ser miembro del Partido Comunista Mexicano y

La sensibilidad con la que Graciela Iturbide inmortaliza los paisajes cotidianos en sus composiciones fotográficas es y ha sido un referente para la construcción de un imaginario cultural mexicano, sensibilidad que la ha convertido en la máxima exponente de la fotografía en México. No por nada en 2008 recibió el premio Hasselblad, uno de los más importantes alrededor de la fotografía en el mundo. A partir de lo anterior, el Palacio de Cultura Citibanamex-Palacio de Iturbide presenta la exposición Graciela Iturbide: Cuando habla la luz, una muestra que reúne 270 fotografías realizadas de 1972 a 2017, bajo la curaduría de Juan Rafael Coronel Rivera. La exposición se divide en 20 módulos e incluye principalmente fotografías impresas en plata sobre gelatina, la técnica más empleada por la artista. Durante tu visita al recinto encontrarás imágenes que resaltan paisajes y personajes de Ecuador, Francia, India, Cuba, Estado de México, Oaxaca y muchas otras ciudades; obras realizadas tras una serie de viajes que nutrieron su obra desde los setenta. Una de sus fotografías más famosas que verás es Nuestra señora de las iguanas (1979), en la que Iturbide retrató a una vendedora de iguanas originaria de Huchitan, Oaxaca. Constatarás la evolución del trabajo de Iturbide, desde las composiciones que muestran la belleza física hasta su obsesión por la simetría en sus últimas series fotográficas. El recorrido es extenso, por lo que tendrás que tener una gran paciencia para contemplar la g

En abril del año pasado, el fotógrafo británico Mick Rock visitó el Foto Museo Cuatro Caminos para presentar su exposición Starman, un homenaje conformado por una serie de fotografías en las que capturó la esencia de David Bowie durante los setentas. Ahora, los amantes del rock tienen el deleite de ver nuevamente el trabajo de Mick Rock en las paredes del mismo recinto. La exposición Queen, el origen de una leyenda reune 120 fotografías, instalaciones de mapping, videos, cine, un bar y artículos a la venta de la banda de origen británico integrada por Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor. Mick ha destacado por ser el fotógrafo de las estrellas durante la década de los setentas, su trabajo ha inmortalizado a bandas y músicos como The Ramones, Lou Reed, Iggy Pop, The Sex Pistols, Talking Heads y Syd Barrett. En esta muestra encontrarás fotos inéditas de Queen en sus inicios, sus sesiones privadas, conciertos y backstage, al igual que las portadas icónicas de los discos Queen II (1973) y Sheer Heart Attack (1974). De igual manera verás el vesturio que utilizó el ganador del Oscar a mejor actor,  Rami Malek, durante la filmación del biopic Bohemian rhapsody (2018). Los viernes y sábados se realizan diversas actividades con bandas en vivo y djs, los domingos hay actividades para niños, así como sesiones de Drink & Draw. Aparta los días para conocer más sobre esta legendaria banda que ha prendido al público con su gran presencia sobre el escenario y también as

Con su pieza A Crash Course in Cloudspotting (el acto subversivo de la horizontalidad),  la artista británica Raquel Meseguer realiza un acercamiento profundo al dolor crónico. A través de un acto subversivo y descomunal, te invita a adentrarte en un viaje en el que la empatía es importantísima para que comprendas a quienes padecen esta enfermedad. El British Council, con su programa Arts and Disability, hizo posible que la instalación esté en nuestro país, gracias a su programa que apoya a artistas con alguna discapacidad para hacer visible su arte. La misma Meseguer padece dolor crónico, eso la obligaba a recostarse en cualquier lugar al no soportar las dolencias corporales. En la instalación podrás recostarte mientras escuchas susurros y voces de personas que han sufrido los estragos del dolor crónico; comparten sus testimonios con el fin de que se visibilice su condición. Raquel cuestiona cómo es que la sociedad no está preparada para incluir a cualquier individuo víctima de algún padecimiento, particularmente el suyo. Según la Organización Mundial de la Salud, el tratamiento del dolor es un derecho humano y el 17 de octubre ha sido designado como el Día Mundial contra el Dolor con el propósito de hacer énfasis en la búsqueda urgente y necesaria de tratamientos sobre las diferentes enfermedades que causan dolor. A Crash Course in Cloudspotting (el acto subversivo de la horizontalidad) busca erradicar los paradigmas sociales acerca del dolor y reconfigurarlos. Recome

Una diva, por  definición, es una artista, tradicionalmente una cantante de ópera, que tiene una fama descomunal, incluso superlativa. En la historia de México han surgido numerosas divas que han marcado al arte del cine, la música y las artes escénicas nacionales a su manera. La exposición Escenas de pudor y liviandad presenta una recopilación de 150 obras de 10 divas que te llevarán por un viaje histórico para que conozcas de cerca a estas mujeres. En el libro homónimo de Carlos Monsiváis, que sirvió como inspiración y base para la exposición, se mencionan a muchas más figuras. Sin embargo, la curadora Ana Catalina Valenzuela decidió destacar a las más reconocidas nacional e internacionalmente. Entre ellas Virginia Fábregas, diva del teatro nacida en 1871; “la reina de la opereta” Esperanza Iris, quien fundó su propio teatro en 1918 (Teatro de la Ciudad Esperanza Iris). Así como Mimí Derba, María Conesa, Lupe Rivas Cacho, María Tereza Montoya, Celia Montalván, Dolores Río, Lupe Vélez y por supuesto, la gran diva del cine mexicano María Félix.  El interés de Monsiváis por estas soberbias mujeres radicaba en el contraste entre ser mujeres sin miedo a mostrar su cuerpo y tan desinhibidas en el escenario y el ideal femenino recatado, puro y casi virginal de la época. Bajo esta línea, comprobarás cómo cantantes y actrices eran dueñas de los corazones de personajes como Emiliano Zapata, Victoriano Huerta y del General Álvaro Obregón, a la par que eran dueñas de sus propias empr

De prodigios y maravillas. Obras selectas de la colección Franz Mayer expone obras del gran coleccionista alemán Franz Mayer. De entre más de once mil objetos se han seleccionado alrededor de 80 para hacer un recorrido por el México de la colonia; observarás las artes decorativas y el diseño que había en ese entonces.La exposición hace énfasis en el periodo novohispano e incluye todo lo necesario para conocer más de nuestro país. Hay desde piezas textiles como rebozos y zarapes del siglo XIX, pasando por muebles que son una de las más grandes muestras del arte decorativo de dicho periodo, hasta pinturas como retratos de la realeza. También te encontrarás con mueblería de lujo que la clase alta traía de países como India, Alemania y España. Algunas de las piezas ya estaban en las salas permanentes del museo y 32 son exhibidas por primera vez. El estar juntas invita a una nueva lectura.  Uno de los siete núcleos temáticos abarca la cultura mexicana del siglo XVIII. Muestra un mapa del centro de la ciudad que te invita a compararla con la CDMX de hoy, que sorprendertemente conserva demasiados edificios antiguos. Uno de ellos, por ejemplo, es el propio Museo Franz Mayer, antiguo Exconvento San Juan de Dios. Cuando veas los muebles, las esculturas, las cigarreras, la vestimenta y los libros que aquí se juntan, te sentirás de la clase alta que habitaba México en la época colonial. Y, conocerás el exquisito gusto que tenía Franz Mayer y la dedicación que ponía en una de sus más gr

Los capitalinos podemos disfrutar de un pedacito del continente asiático en la ciudad gracias a la colección de la Fundación Slim que exhibe permanentemente la exposición Asia en marfil en el Museo Soumaya. La sala se integra de más de 600 piezas que nos narran el legado filosófico y cultural de religiones como el budismo, daoismo e hinduismo. Verás muchísimas versiones de Buda y otras deidades mitológicas de los países asiáticos. También esculturas de doncellas, monjes, animales como dragones, tortugas y perros. En otra parte de la exposición verás la influencia de las creencias occidentales, tanto en la creación de imágenes de Cristo y las vírgenes con técnicas de Asia, tanto como en el uso de materiales textiles y pigmentos propios de Europa y Medio Oriente. Esto es notable en obras como biombos, ropa y muebles.

El artista alemán, Carsten Höller, presenta 37 de sus piezas por primera vez en México en la exposición titulada Sunday. El trabajo del artista con base en Suecia alude al arte relacional, es decir, se centra en las relaciones que se crean entre los espectadores que interactúan entre sí, con la pieza y con el espacio, más no en el objeto artístico. Por lo anterior, la muestra curada por Juana A. Gaitán no cuenta con fichas, explicaciones ni recorridos guiados; las posibilidades de esparcimiento y, por ende, reflexivas, dentro del museo son infinitas.  Al ingresar me recibió la instalación Decision Tubes, una gran estructura de red y metal suspendida a cinco metros de altura por la que puedes deambular para elegir alguno de sus caminos. Mi decisión me llevó a un tragaluz (probablemente en la parte más alta de la estructura), desde ahí constaté que Höller no solo quería que interactuara físicamente con la obra, sino dejarme a la deriva para tomar mis propias decisiones y así crear un vínculo único e irrepetible con su obra: recordé mi miedo adquirido a los juegos mecánicos y vi de cerca el techo del patio que funciona como un reloj natural al filtrar la luz durante el paso del día. Nunca antes el público se había apropiado del patio central del museo de una manera tan lúdica como ahora. Para ingresar a la sala uno del Museo Tamayo tuve que atravesar un corredor de puertas automáticas de espejos (Six Sliding Doors), en un juego entre lo que se ve y lo que no. Una vez que me r

Hubo un tiempo en que viajar era una proeza (no precisamente por subirse al Metro). La geografía nacional complicaba las travesías y los trayectos se realizaban en semanas. El pintor José María Velasco (1840–1912) fue testigo de esa época y, a través de sus trazos, nos legó un testimonio. Ahora, el Museo Nacional de Arte nos ofrece un paseo por la visión idílica de uno de los artistas más representativos del siglo XIX en México. En Territorio ideal. José María Velasco, perspectivas de una época se exhiben más de 103 piezas que incluyen, además del trabajo del pintor mexiquense, a otros paisajistas como Pedro Gualdi y Eugenio Landesio. El recorrido inicia con vistas a un México rural, cuyos espacios habitados aparecen como pequeños pueblos, incluso la Ciudad de México es una estampa de hombres a caballo y mujeres con rebozo. La sala que lleva el nombre del paisajista nos reencuentra con algunas de sus obras más conocidas. ¿Recuerdas el paisaje con un tren del libro de cuarto de primaria? Está aquí, frente a nosotros, en gran formato, también encuentras la pintura de una Alameda Central más bucólica que citadina. Velasco destacó en su tiempo por crear paisajes que forjaron la idea de cómo era México para los europeos, la cual prevaleció durante un siglo más. Su pieza Vista del Valle de México desde el cerro de Santa Isabel fue presentada en la Exposición Universal en París, Francia, en 1889, y ahora podrás verla aquí. El Munal es el espacio que resguarda la colección más grande

Después de su remodelación en 2017, el Museo de la Ciudad de México presenta la exposición permanente Miradas a la ciudad: Espacio de reflexión urbana; un recorrido por la Ciudad de México desde diferentes áreas de conocimiento. Las salas dan elementos para repensar las interacciones entre el ciudadano y la urbe, remarcando el hecho de que la ciudad debe encargarse de brindar servicios y respetar los derechos de cada individuo.       De la mano de la tecnología, como realidad virtual, audiovisuales y luces neón, conocerás las siete perspectivas que propone la muestra. Al principio se habla sobre las urbes en general y poco a poco se enfoca hacia la CDMX. La muestra continua con una mirada histórica a partir de Tenochtitlán y la Cuenca del Anáhuac, lo que da pie a que la siguiente sala aborde el problema del agua y su sustentabilidad. Después se plantea la mala construcción de la CDMX desde lo arquitectónico y el urbanismo. Luego se analiza a la ciudad desde lo antropológico, retomando su amplia cultura y religiosidad. Por último, se habla sobre los movimientos políticos y se reconoce la diversidad étnica que existe en la metrópoli. Aquí se reúne a la ciudad en un pequeño espacio. También te toparás con el clásico triciclo en el que se transportan tamales, elotes o helados; los tradicionales puestos para bolear zapatos; un ring y una máscara platinados; entre otros objetos que conforman la identidad de la CDMX.   Aprovecha la visita al museo y visita Chivo expiatorio: Sida+

Desde el 11 de abril, las salas del Museo Nacional de Arte (MUNAL) albergan Atl. Fuego, Tierra y Viento, sublime sensación, exposición dedicada a la incansable labor del artista jalisciense, conocido como Dr. Atl, uno de los grandes pintores y artistas del siglo XX y quién, en palabras de la directora del recinto Carmen Gaitán "es capaz de mover a las masas con su trabajo y es el creador de una invaluable crónica artísica de la orografía de nuestro país". Más de 130 piezas entre fotografías, dibujos, litografías, libros, retratos de Atl, y por supuesto, pinturas. No sólo son obras de él, sino que sus obras dialogan con otros importantes paisajistas mexicanos, así que prepárate para viajar por el Eje neovolcánico a través del trabajo de José María Velasco, Carlos Rivera, Joaquín Clausell, entre otros. Atl. Fuego, Tierra y Viento, como los elementos, está dividida en cuatro salas que exploran su interés y devoción por la geología y la vulcanología, expresados en un respeto a la naturaleza que se materializa en paisajes de gran calidad y formato. Por supuesto, el nombre de Dr. Atl está intricadamente enlazado con el Volcán Paricutín, en Michoacán, por lo que se muestra parte de su gran acervo artístico en el que narra el nacimiento y erupción de la montaña entre 1943 y 1945. El vínculo del artista con el géiser va aún más allá, pues de acuerdo con el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, recientemente se descubrió la escritura de una propiedad que Murillo compró en

El artista húngaro Gyula Haláz (1899-1984), mejor conocido como Brassaï, tiene un lugar especial por haber fotografiado las noches de París, Francia como nadie, cuando arribó a dicha ciudad con el sueño inconcluso de ser pintor a principios de los veinte, en donde también realizó trabajos periodísticos que incluían sus propias imágenes.Brassaï no solo destacó por exhibir estéticamente a prostitutas, vagabundos, personas, paisajes oscuros en todo sentido y luz, sino también por ser uno de los primeros fotógrafos en diseccionar el paisaje urbano para retratar símbolos, vestigios y formas involuntarias. De esta manera, visibilizó de forma importante el grafiti que sucedía en las calles de París de los años veinte y treinta. Curiosamente, el “fotógrafo de la noche”, como se le nombra, también es conocido por haber dado luz a la fotografía como una expresión artística y no solo como algo de carácter documental o un oficio. Luego de presentarse en Barcelona, Madrid y San Francisco, la exposición Brassaï. El ojo de París llega a la CDMX con más de 200 imágenes agrupadas temáticamente en las categorías: París de noche, Placeres, París de día, Grafitis, Minotaure, Lugares y cosas, Personajes, Sociedad, Cuerpo de mujer, Retratos. Artistas, escritores, amigos, La calle y Sueño. En las imágenes de la vida nocturna de París vemos el dominio con maestría del artista para tomar fotografías nítidas y pensadas con exposiciones largas y tripoide, alejado de la espontaneidad y movimiento de l

En 2015, las obras de Leonardo, Rafael y Caravaggio llegaron con gran éxito al Centro Nacional de las Artes con la Muestra imposible, en la que vimos cuatro salas con 57 reproducciones de sus pinturas más emblemáticas. Ahora, este mismo recinto le da la bienvenida a la segunda parte de su exposición, con otros tres grandes de la pintura renacentista: Giotto di Bondone, Piero della Francesca y Sandro Botticelli. Opera Omnia. Las obras de arte en la era de la reducción digital II es el título que recibe esta nueva exposición que reúne 60 reproducciones digitales en alta resolución y en tamaño original de los tres artistas italianos. Esta muestra permite apreciar obras maestras que se encuentran en diversos recintos del mundo y cuyo valor monetario e histórico hacen imposible su traslado. Entre las piezas que se instauran en la galería encontrarás piezas icónicas como La primavera (1478) y El nacimiento de venus (1486) de Botticelli, La flagelación (1460) de Piero della Francesca y el Nacimiento de Jesús (1306) de Giotto di Bondone. Durante tu recorrido podrás analizar cada detalle de las pinturas debido a su alta resolución, misma que hace visible hasta los más pequeños influjos del tiempo plasmado en las pinturas originales, algo que en los museos es difícil de notar. Uno de los principales objetivos de esta exposición es acercar al público la importancia que tuvo el renacimiento, cuna de grandes avances científicos, corrientes artísticas y de la filosofía humanista. A la p

Tras un amplio recorrido por diversas ciudades de América del Norte, siendo la Galería de Arte de Ontario en Toronto su última parada (enero 2018), Guillermo del Toro: En casa con Monstruos finalmente llega a suelo mexicano. El Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA) ha sido el elegido para albergar esta exposición que iniciará en mayo de 2019. Y, que dice mi mamá que siempre no llegará a CDMX, pues el pasado 14 de marzo Guillermo expresó lo siguiente desde su cuenta oficial de Twitter: "Solo estará en GDL y empieza en mayo, fuera de eso...". Esta exposición consta de 500 objetos que dan cuenta de la exitosa carrera del director mexicano —ganador del Oscar por La forma del agua— y que permitarán acercarnos al mundo y la magia que ha inspirado la obra del jalisciense. Veremos su fascinación por temas como el ocultismo, los monstruos, y como buen mexicano, la vida y la muerte. La muestra fue curada por Eugenio Caballero, quien ha colaborado con Alfonso Cuarón y el mismo del Toro, quien fue acreedor al Oscar por su trabajo en la dirección artística de El laberinto del Fauno (2006); será un relato fiel de quien han vivido de cerca la creación de los moustros del cienasta. ¿Acaso necesitas más razones para organizar otro maratón de sus películas? También échale ojo a estas exposiciones de cineastas que morimos por ver en la CDMX. Recomendado: TOP 5. Exposiciones en la Ciudad de México. 

De acuerdo con su etimología, la palabra "imagen" viene del latín imago, que quiere decir copia, retrato o imitación. Pensando en esta definición, podemos dividir dicho concepto para distinguir las imágenes que son tangibles y las que se mantienen en el reino de la mente, producto de nuestra relación con la realidad. A partir de las imágenes que nacen y habitan en las palabras, Alejandro Magallanes creó un infinito de imágenes en el mural titulado La imagen invisible, en el Fotomuro del Centro de la Imagen. Se trata de una instalación de 45 metros que nos invita a reflexionar sobre el papel de las imágenes en nuestra vida cotidiana. Aquí no hay imágenes como tal, estas se encuentran incubadas dentro de cada una de las palabras que conforman el trabajo del diseñador, escritor e ilustrador mexicano. Para lograr esta reflexión, Magallanes nos guía a través de preguntas como ¿se piensa en imágenes?, ¿cuál es el centro de una imagen?, ¿una imagen se descubre?, ¿existen imágenes falsas? o ¿cuáles imágenes le gustaría borrar de su memoria?. Las representaciones de este mural existen en la mente de quien se responde dichas preguntas, surgiendo así, parte de nuestro imaginario colectivo. Este mural de fondo negro y grandes letras blancas se complementa con un pizarrón para que compartas tu reflexión generada tras la interacción con las preguntas; es también, un espacio para generar nuevas preguntas. A la par se encuentra la instalación sonora que replica las preguntas del muro. Cad

Si ser forever alone es lo tuyo, estoy segura de que en más de una ocasión, especialmente si saliste con alguien y no funcionó, alguien te dijo "hay muchos peces en el mar"; como si esas seis palabras fueran capaces de revivir una vida amorosa inexistente. Lo que nadie nos dice nunca sobre ir al mar a pescar —literal y metafóricamente— es que en él ya no hay tantos peces, y que además de peces hay basura. Mucha basura. En la exposición La deriva de un gesto post-romántico del Centro Cultural de España en México encontrarás otro tipo de amor: amor al planeta y la necesidad de resaltar el crítico estado en el que se encuentran nuestros mares. Verdaderamente hay demasiada basura en el mar. Naciones Unidas en su documento de 2018, El estado de los plásticos, destacó que cada año se vierten 13 millones de toneladas de plástico en el mundo, lo que por supuesto tiene un impacto directo en el medio ambiente, en los ecosistemas e inclusive en los procesos económicos. Reconocer y enfrentar las problemáticas medioambientales que tenemos ante nosotros es lo que Hugo Martínez-Tormo quiere despertar en nosotros. En la muestra se mezclan artes visuales y multimedia, ciencia y medio ambiente en una serie de instalaciones que analizan los problemas de contaminación y el uso de tecnologías para enfrentar la problemática.  Tras encontrar botellas en parques naturales y lugares abiertos, el artista español comenzó a desarrollar este proceso en honor al mundo que ama y que ha sido violentado

El Museo de Arte Carrillo Gil cuenta con una de las colecciones más importantes de arte contemporáneo del país: más de 2000 piezas, número que de forma constante aumenta. Por ello, el recinto alberga la muestra Sumatorio. Nuevas incorporaciones a la Colección Carrillo Gil, en la que se exponen 62 obras que pasaron a ser parte del acervo de la Colección Carrillo Gil entre 2014 y 2018, y que abarcan técnicas como la fotografía, la pintura, la instalación y el registro de performance.  41 artistas mexicanos estuvieron involucrados en la creación de estas obras que datan de entre 1980 y 2017, las cuales llegaron a manos del museo por donaciones directas de los artistas o por donaciones a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). Dentro de la muestra observarás piezas como Este México de Rosario Guillermo, Nódulos rojos y Nódulos Azules de Héctor Velázquez, Mandala a los poetas infrarrealistas de Guillermo Santamarina, White Star VII de Manuela Generali y Celebrity ’87 de Adela Goldbard.  La diversidad de temas, técnicas, colores y texturas (no, no me dejaron tocar la obra, pero ganas no me faltaban) son reflejo de la diversidad de la producción artística en nuestro país. Son lecturas de la realidad, mundos alternativos imaginados y paradojas de la realidad que invitan a una reflexión sobre lo que nos rodea y a pensar otras posibilidades. 

Marcel Duchamp y Jeff Koons, dos de los artistas más influyentes del siglo XX, llegarán a las salas del Museo Jumex en 2019 con una exposición —la primera en Latinoamérica— que abordará conceptos clave como los objetos, las mercancías y la relación establecida entre el artista y la sociedad. La muestra de arte contemporáneo funcionará como un comparativo entre los dos representantes del arte contemporáneo y abrirá una ventana para voltear a ver las transformaciones fundamentales en la cultura y el arte del siglo XX. También abarcará conceptos como la subjetividad y el trabajo, así como los términos de valor y gusto y nos mostrará debates sobre moralidad, sexualidad, autoría, propiedad, integridad y corrupción. Por un lado tenemos a Marcel Duchamp (1887-1968), artista de origen francés que con su pieza La fuente de 1917 —sí, el famoso mingitorio o urinario— cambió la percepción del objeto incrustado en el arte, sentando así las bases del arte pop, el minimalismo y lo que conocemos ahora como arte conceptual. Duchamp decía que cualquier objeto podía considerarse una obra de arte, siempre y cuando el artista lo situaro en el contexto adecuado, en una galería o en un museo, dándo más importancia a la idea detrás que a la pieza artística por sí misma. Cabe destacar que La fuente que verás en la exposición no es la original, pues Duchamp mandó a realizar réplicas en los cincuenta y sesenta. Por otro lado se encuentra Jeff Koons (1955) de origen estadounidense, uno de los artista