Qué hacer hoy en la CDMX

Los capitalinos podemos disfrutar de un pedacito del continente asiático en la ciudad gracias a la colección de la Fundación Slim que exhibe permanentemente la exposición Asia en marfil en el Museo Soumaya. La sala se integra de más de 600 piezas que nos narran el legado filosófico y cultural de religiones como el budismo, daoismo e hinduismo. Verás muchísimas versiones de Buda y otras deidades mitológicas de los países asiáticos. También esculturas de doncellas, monjes, animales como dragones, tortugas y perros. En otra parte de la exposición verás la influencia de las creencias occidentales, tanto en la creación de imágenes de Cristo y las vírgenes con técnicas de Asia, tanto como en el uso de materiales textiles y pigmentos propios de Europa y Medio Oriente. Esto es notable en obras como biombos, ropa y muebles.

Durante los sesenta diversos movimientos sociales se gestaban alrededor del mundo. En Estados Unidos el repudio a la Guerra de Vietnam y la lucha por los derechos civiles con grupos como las Panteras Negras, así como las protestas estudiantiles, dieron un giro a la historia. A la par, cuatro culturas: la precolombina, la hispánica, la mexicana y la estadounidense se fusionaban en el estado de California para concebir el denominado movimiento chicano. Dicho movimiento buscaba dar voz a todos los estadounidenses de ascendencia mexicana que luchaban por un lugar en la sociedad, desde el derecho al voto hasta una educación de calidad. Tras medio siglo de historia chicana, el Museo de Arte Carrillo Gil realiza esta muestra artística que rescata la evolución del movimiento hasta nuestros días y explora el carácter híbrido de su cultura, por medio de 70 piezas de 30 artistas chicanos del sur de California.  Roberto Beto de la Rocha, Frank Romero, Patrick Martínez, Johnny KMNDZ Rodríguez, José Ramírez, Enrique Castrejón, Judy Baca y Donna Deitch son algunos de los artistas que observarás durante tu recorrido, mismos que utilizan diferentes técnicas y formatos, como la pintura, la instalación y la fotografía, para ofrecernos una mirada a la cultura latina que destaca los problemas con los anglosajones y que desarrolló un estilo propio en al escuela artística de Estados Unidos. La exposición Construyendo puentes: Arte chicano/mexicano de L.A. a CDMX se divide en cinco núcleos temáti

Después de su exitosa presentación en La Galería de la Cineteca Nacional en 2016 y su gira por la república mexicana, la exposición ¿Actuamos como caballeros o como lo que somos? El humor en el cine mexicano regresa pero al Museo del Estanquillo para darnos un recorrido por la historia de la comedia en la cinematografía mexicana. Desde la época de la colonia, pasando por la aparición de los espectáculos callejeros en las carpas y circos, hasta el actual cine mexicano. Curada bajo la mano de Rafael Barajas, mejor conocido como “el Fisgón” (sí, el caricaturista), la muestra está integrada por más de 500 piezas, entre fotografías, videos, carteles y objetos provenientes de la colección de la Cineteca Nacional y el Museo del Estanquillo, la última legado del erudito Carlos Monsiváis. En la muestra de cine te encontrarás en medio de la Nueva España, cuando los colonizadores realizaban actos teatrales para evangelizar a los indígenas. En específico, las pastorelas que incluían arquetipos como el diablo, representado en el filme La ilusión viaja en tranvía (Luis Buñuel, 1953). Si eres fan de los cómicos, Tin-Tan y Cantinflas, te emocionarás al ver el traje original que utilizaron en algunas de sus películas. Si no conoces nada sobre estos emblemáticos personajes te recomendamos echarte un maratón de películas como El rey del barrio (1950), El revoltoso (1951), Ahí está el detalle (1940) o El bombero atómico (1952). Pon atención a la imagen del charro tan característica del cine m

Esta exposición dentro del Museo de la Ciudad de México te transportará al 68, año clave en el que diferentes movimientos artísticos, políticos y sociales cambiaron nuestra forma de ver la realidad. A través de diferentes módulos que recrean aspectos de México durante este emblemático año, La traza del 68. Una poética se presenta como una muestra interactiva, que incluye instalación, gráfica, diseño, poesía e incluso una sección documental. Al inicio del recorrido verás fotografías del movimiento estudiantil, seguido de la recreación de una casa, marcada por el diseño de los muebles y una televisión de bulbos en el que pasan programas que marcaron la generación de nuestros padres, además de las máquinas de escribir que se usaban. También llama la atención la ambientación del cuarto de un estudiante en el podrás sentarte a escuchar la música que sonaba en la radio de ese entonces. Conforme avances, en el piso se comienzan a dibujar los nombres de las calles emblemáticas de la CDMX, como Reforma o Avenida Juárez, retomando la estética de la película Dogville de Lars Von Trier. Así, llegarás hasta la Zona Rosa, espacio en el que tuvieron lugar algunas de las galerías más importantes de la década como la Galería Juan Martín o la Galería Betsy Pecannins, dentro de las cuales figuraron los artistas que marcaron la llamada "ruptura". Después, hay un espacio dedicado a la gráfica (obra de Lance Wyman) e infraestructura creada para los decimonovenos Juegos Olímpicos de México 68, m

¿Te imaginas cómo será la CDMX en 25 años?, ¿cómo cambiará la arquitectura en los grandes edificios?, ¿usaremos las mismas herramientas de nuestro día a día o incluso la misma ropa? Esta exposición intenta resolver estas y más dudas a partir del diseño, conociendo sus antecedentes, observando nuestro presente y construyendo nuestro posible futuro de una manera seria y respondable. Conoce el legado del diseño mexicano a través de este proyecto que reúne 150 años de historia en un solo lugar. Se trata de un proyecto de investigación, exposición y publicación que te invita a una exploración por el pasado, presente y futuro de la CDMX como proyecto de diseño. Esto dio como resultado tres exposiciones en cada uno de los tres ejes temporales que muestran objetos icónicos, mobiliario, diseño gráfico, arquitectura, interfaces de política, identidad y tecnología.  MXCD03 (futuro) es la tercera y última entrega de estas exposiciones de la galería Archivo Diseño y Arquitectura, aquí se abre una ventana a las posibilidades del futuro, los desafíos y oportunidades que tiene el diseño en relación con la ciudad que anhelamos. Haciendo referencia a la mítica exposición de 1956, This is tomorrow, MXCD03. México Ciudad Diseño (Futuro) reúne a diseñadores y artistas para crear proyectos que definan el futuro de la ciudad a partir de cuestiones significativas para la vida.  Se abordan temas como problemáticas ambientales, nuevas herramientas de trabajo, estrategias de producción y diferentes

En conmemoración al movimiento estudiantil del 68, el MUAC presenta una muestra que rescata la gráfica propagandística utilizada por los estudiantes en ese entonces. Esto a partir de los materiales reunidos por el Grupo Mira, uno de los colectivos de arte político más importantes que se consolidó a finales de los setenta por participantes activos del movimiento. Seguramente has visto imágenes que presentan el arte oficial de las olimpiadas de México 68 —una tipografía que presenta contornos y crea una sensación sicodélica—, realizado por el icónico diseñador Lance Wyman. Los estudiantes tomaron esta gráfica para las demandas del movimiento, además de símbolos como la bayoneta (utilizada por el ejército) y la sangre derramada en los acontecimientos como protesta de la imagen de paz que el gobierno presentaba ante los medios de comunicación nacionales e internacionales. Gráfica del 68, imágenes rotundas reúne 157 piezas entre serigrafías, grabados en linóleo y otras técnicas. Amanda de la Garza, curadora de la exposición, las describe como “imágenes en comunión con determinados textos, lemas y demandas, que crean una comunicación de una manera muy sintética. En ese sentido, toma elementos de la publicidad y el diseño gráfico que estaba en pleno desarrollo durante ese tiempo”. Muchas de las imágenes se crearon de manera colectiva en los talleres de la Antigua Academia de San Carlos y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, puestos a disposición po

A partir de la década de los 60, el diseño en México ha tenido un auge e impacto de suma importancia para la vida del país. Ya sea a través de los textiles, los interiores, o el diseño industrial, el diseño mexicano ha permitido el surgimiento de importantes personalidades con proyección en el interior y fuera de nuestro país. Pero, ¿cómo surgen esos nombres? ¿De dónde surgen? ¿Y cuáles son las nuevas tendencias en el diseño mexicano? Son preguntas que el Museo del Objeto del Objeto (MODO) nos plantea y pretende responder con Mexicalidad, diseño y nuevas generaciones, una exposición que revisa la evolución del diseño en México, y muestra proyectos innovadores y de impacto.  Bajo el liderazgo de Graciela Kasep, el equipo curatorial de Mexicalidad estuvo conformado por Cynthia Gómez y Omar Cruz, quienes se encargaron de la selección de los proyectos expuestos. Kasep afirma que la exposición intenta mostrar los vínculos de las prácticas contemporáneas y tradicionales del diseño mexicano, por lo que recupera elementos del diseño del siglo XIX y XX como antecedentes, antes de entrar de lleno a las protagonistas.  Debido a la amplitud del espectro que el MODO utilizó como referencia para esta exposición, encuentras de todo: desde diseños de ropa que has visto una y otra vez en redes sociales hasta los mosaicos por los que pasas día a día. Se muestran diseños innovadores en prótesis, elementos de uso cotidiano dentro de los hogares, nuevas propuestas sobre cómo leer al país, diseñ

Hace cinco años Leonora Carrington dejó esta dimensión para partir a la eternidad. Para conmemorar el lustro de su fallecimiento, se develó la escultura The palmist, que ahora habita el jardín del Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público. La pieza, elaborada con bronce, fue donada por Pablo Weisz, hijo de la artista que fue una de las principales exponentes de la corriente surrealista. The palmist fue una de las primeras piezas que Carrington elaboró de tamaño monumental en la última etapa de su vida. La pieza encarna a un personaje místico y esotérico que es el encargado de dar protección y buena suerte. Hay 11 réplicas de esta escultura y se tiene planeado que las demás también sean donadas para alojarse en espacios públicos. Así que si eres un fanático del arte, en especial de surrealismo, visita esta pieza para rendirle homenaje a una de las creadoras más importantes de ese movimiento.

Después de su remodelación en 2017, el Museo de la Ciudad de México presenta la exposición permanente Miradas a la ciudad: Espacio de reflexión urbana; un recorrido por la Ciudad de México desde diferentes áreas de conocimiento. Las salas dan elementos para repensar las interacciones entre el ciudadano y la urbe, remarcando el hecho de que la ciudad debe encargarse de brindar servicios y respetar los derechos de cada individuo.       De la mano de la tecnología, como realidad virtual, audiovisuales y luces neón, conocerás las siete perspectivas que propone la muestra. Al principio se habla sobre las urbes en general y poco a poco se enfoca hacia la CDMX. La muestra continua con una mirada histórica a partir de Tenochtitlán y la Cuenca del Anáhuac, lo que da pie a que la siguiente sala aborde el problema del agua y su sustentabilidad. Después se plantea la mala construcción de la CDMX desde lo arquitectónico y el urbanismo. Luego se analiza a la ciudad desde lo antropológico, retomando su amplia cultura y religiosidad. Por último, se habla sobre los movimientos políticos y se reconoce la diversidad étnica que existe en la metrópoli. Aquí se reúne a la ciudad en un pequeño espacio. También te toparás con el clásico triciclo en el que se transportan tamales, elotes o helados; los tradicionales puestos para bolear zapatos; un ring y una máscara platinados; entre otros objetos que conforman la identidad de la CDMX.   Aprovecha la visita al museo y visita Chivo expiatorio: Sida+

Considerado una de las figuras más influyentes del siglo XX, el cineasta Alfred Hitchcock rebasó la definición de director para erigirse como un artista de peso. Sus aportes a la cinematografía, así como personalidad magnética, le aseguraron una posición envidiable en la cultura pop. Cuando alguien lo nombra en alguna conversación, está hablando de algo más grande, está evocando un universo en el imaginario colectivo. A través de la muestra Hitchcock, más allá del suspenso, dividida en 5 núcleos, La Cineteca Nacional y Fundación Telefónica México desentrañarán ese imaginario desde una perspectiva amplia: su vida y obra, relación con actores, actrices, guionistas y estudios, así como su maquinaria de mercadotecnia personal. De esta forma, el público mexicano puede acercarse con ojos frescos e interpretar libremente la producción del controvertido creador. La exposición, curada por Pablo Llorca —profesor de Historia del cine y de Historia de la fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca—, se compone de 219 piezas que incluyen fotografías originales, libros, videos, carteles promocionales y réplicas de vestuario. La oferta más atractiva de este evento, en particular para los seguidores empedernidos de Hitchcock, es el ciclo de 35 películas de su autoría que tendrá lugar en la Cineteca Nacional y el Centro Cultural de España en México. La selección incluye clásicos imperdibles restaurados en 2k y 4k, entre ellos Psicosis (1960), La soga (1948) y L

Latinoamérica es fiesta, es ritmo, es sabor, es color; es el carnaval de Barranquilla, los ritmos cubanos, los bailes centroamericanos. Sin importar si estás en México, Colombia o Brasil, el habitante se caracteriza por llevar en las venas las ganas de celebrar la vida, de sonreír a la adversidad y de transformar su realidad a través de la danza y la música. Latinoamérica también es dolor, es angustia, es miedo; son las madres de la plaza de mayo, son los desaparecidos de las dictaduras, son las hermanas Mirabal. Es el 68 mexicano, la guerrilla centroamericana, las FARC colombianas. Sin importar si estás en Nicaragua, Cuba o Argentina, el habitante lleva en la memoria tiempos peores, en los que debía voltear y asegurar tu vida sin importar el costo. Esta dualidad, de la luz y la oscuridad reinante de la noche, se refleja en las fotografías acogidas por la muestra Noches fieras, en las que las grandes urbes latinoamericanas se transforman radicalmente al caer el sol, llenándose de vida y de sangre, de ruido y baile y de silencio y pérdida, de los olores del tequila y el mate, y del sudor que enciende cuerpos y corre maquillajes.  Esta muestra colectiva agrupa el trabajo de 57 artistas y fotógrafos de la región, que retratan veladas desde 1970 y hasta 2017, en el que las particularidades de cada evento resaltan la diversidad de cada país y las similitudes de los sucesos nos recuerdan que la violencia y el miedo es una historia compartida entre todos. Dentro de los fotografos

En Saturnino Herrán y otros modernistas verás 83 obras del periodo denominado "modernismo mexicano" que compila algunos artistas consagrados como David Alfaro Siqueiros o Diego Rivera, y a los no tan conocidos como Ángel Zárraga o Rosario Cabrera. Un total de 16 artistas orbitan, gracias a la curaduría de Víctor Rodríguez y Samantha Pérez, alrededor de la obra del artista hidrocálido Saturnino Herrán, pionero del estilo temático de la muestra. La exposición recorre los principios e influencias que marcaron la educación plástica de Saturnino Herrán y a sus compañeros de la Escuela Nacional de las Bellas Artes, así como el comienzo de su interés por la pintura realista y modernista, constatado en obras como Labor (1908) o en la famosa Vendedoras de ollas (1909).  Contrastarás el discurso indigenista idealizado de los muralistas con la propuesta realista de Herrán, quien en obras como La ofrenda (1913) o Anciana con esfera de cristal (1914) te confronta con un rostro más melancólico y crudo de la modernidad mexicana; un rostro mestizo que busca retribución en los rostros olvidados y cansados de las pinturas de Herrán. Te adelanto que no todo es gris en esta muestra, también explorararás las riquezas arquitectónicas de nuestro país, en un paralelismo inspirados por el realismo y anturalismo de la exposición del pabellón español de 1910, y finalmente te deleitarás con la pasión que desbordan piezas como Guerrero (1917), que demuestran que Herrán no sólo reconocía el dolor del m

Colección abierta es el nombre que ha dado el Museo de Arte Moderno (MAM) al mega proyecto por la conmemoración de sus 54 años de su fundación, el cual ha abierto las puertas a su colección, a través de una selección de pinturas que muestran la evolución y desarrollo del arte del siglo XX. Para  ello, Patrimoniales y Somos museo, los dos primero núcleos de este proyecto, recuperan una selección de las piezas más representativas del acervo del museo para poder mostrarlas al público nuevamente. Patrimoniales es una muestra con las joyas del acervo del MAM, ya que expone las obras que han sido declaradas patrimonio: 130 piezas, entre pinturas, esculturas, fotografías, litografías y dibujos. Por ello, Frida Kahlo, María Izquierdo, Rufino Tamayo, Saturnino Herrán, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Diego Rivera y Gerardo Murillo "Dr. Atl" son algunos de los artistas cuyo trabajo es expuesto en esta exposición. Por su parte, Somos museo nace en el corazón del MAM, ya que fue curada por once personas que laboran en el museo, quienes intentan narrar la historia del recinto desde la experiencia de quienes la han vivido y construido. Verás 42 obras hechas entre 1919 y 2007 de artistas como Olga Costa, Julio Galán, Hideo Mori, Rosa Rolanda, Raúl Anguiano, Daniel Lezama. Los cuatro núcleos de esa exposición son Vida cotidiana, Surrealismo, Violencia y Amor. Además de estas dos primeras muestras, el MAM añadió cuatro nuevos núcleos: El espejo de Venus, Galaxias, Tapices y Su

La primera exposición individual en México de uno de los máximos exponentes del abstraccionismo, el ruso Vasili Kandinsky, llegará el 31 de octubre para cerrar la programación del Museo del Palacio de Bellas Artes de 2018, bajo el nombre Kandinsky. Pequeños mundos. Explora la evolución de uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX a quien eventualmente le sería adjudicado el mote de “padre de la abstracción” y descubre sus controversiales planteamientos plásticos que hoy siguen generando debates sobre la naturaleza del arte. El abstraccionismo es uno de los estilos artísticos más contrastantes, pues a su enorme popularidad se le contrapone la titánica incomprensión que despierta en la mayoría de nosotros y, a casi 100 años de su invención, es pertinente que conozcas o reconozcas su discurso liberador. Este plantea que el arte no debe ser opacado por la historia, la religión o el poder, el arte solo se encuentra en el arte, es decir, en sus elementos básicos, como el punto, las figuras y los colores. La exposición de cinco bloques inicia con la etapa menos conocida de Kandinsky; obras como La canción (1903) muestran el inicio de su trayectoria influenciada por los paisajes y la arquitectura rural rusa, así como las técnicas impresionistas poco avaladas por las instituciones académicas de ese entonces. En la obra Lago (1910) se observa la liberación que hace el artista ruso de esos paradigmas estéticos con brillantes colores e intensas pinceladas. Acompaña al artista

Las fotografías son pequeños momentos, extractos del tiempo que por lo general no nos detenemos a mirar más de dos veces. Gonzalo Lebrija mediante la fotografía y el video vio estos instantes y los detuvo. Conoce sus piezas en Vía Láctea, albergada en el Museo Tamayo. El artista mexicano ha presentado sus obras en espacios como el  Centro de las Artes de Monterrey, la Bienal de Estambul, el Museo de Arte Moderno de París, entre otros.   En la exposición Vía Láctea, Lebrija muestra parte del trabajo que realizó en La Habana. Las obras giran en torno al tabaco y la acción de fumar, vemos retratados de fumadores profesionales, quienes consumían productos de la producción más selecta de Vegas Robaina al momento de ser fotografiados. Las piezas dan cuenta de los rituales al fumar en Cuba y de los mitos que envuelven a esta acción. Al artista le interesan dos cosas; el tiempo como instante efímero, puente y detonador de experiencias y el espacio geográfico como vector determinante. En este sentido, el video y la fotografía nos muestran no solo a fumadores, sino a toda una cultura permeada por el tabaco.  Recomendado: exposiciones de fotografía.

Realidad programada: La vida y el arte en la televisión es un trabajo en conjunto entre el Museo Jumex y Fundación Televisa, que a través del arte contemporáneo aborda la historia y el papel que representa la televisión en la vida diaria de los espectadores. Recuperando las prácticas de artistas de América, Europa, Asia y África que utilizan a la televisión como punto de partida para su obra, esta muestra recupera el rol que este medio masivo de comunicación juega en la difusión de información, el desarrollo de la cultura visual y la creación de identidades y aspiraciones sociales. De acuerdo con los planteamientos de la exposición curada por Kit Hammonds y Adriana Kuri Alamillo, la televisión tiene una cosmovisión propia que es simultáneamente globalizada y localizada a partir de las condiciones de trasmisión y recepción; de esto se deriva la manera en que crea experiencias, modela comportamientos y refleja realidades que pueden ser distorsionadas. A través de instalaciones, fotografías, esculturas, y video, esta muestra refleja los roles que se han creado en diversos lugares a partir del impacto social de la televisión, ya sea a través de obras creadas explícitamente para televisión como aquellas que reflejan la experiencia cotidiana en torno a la pantalla. Participan artistas como Candice Breitz, Miguel Calderón, Phil Collins, Lynn Hershman Leeson, Christian Jankowski, Bruce Nauman, Yoshua Okón, Nam June Paik, Laure Prouvost, Abigail Reyes, James Turrell y Bruce Yonemoto

A mediados de la década de los sesenta Kodak lanzó al mercado el formato super-8, una versión mejorada de la película de 8 milímetros. Su sencilla manipulación, el bajo costo y la incorporación de una banda sonora magnética, creó toda una revolución que detonó en una ola de nuevos cineastas amateur que realizaron todo tipo de filmes experimentales. Curada por Regina Tattersfield, el Museo Universitario del Chopo presenta Las superocheras, muestra que gira en torno a las producciones fílmicas realizadas por mujeres que utilizaron dicho formato en Latinoamérica de 1968 a 2015. Son 38 filmes en formato super-8 que reúnen experiencias de mujeres que emplearon este medio para generar un diálogo entre relatos íntimos y colectivos.               En el marco del 50 aniversario del movimiento estudiantil de 1968, esta muestra hace una revisión de lo femenino, los feminismos, la denuncia, la emancipación y la transgresión del género, así como de las formas radicales de habitar el cuerpo y relatar una historia. Lo anterior expresado a través de performance, animación, poesía y relato histórico. Participan 20 artistas, entre ellas Ana Mendieta, artista cubana exiliada en Estados Unidos pionera del performance; la mexicana Maris Bustamante, fundadora del colectivo de arte contemporáneo No-grupo; Leticia El Halli Obeid, quien recupera la historia de Argentina trayéndola a una realidad poco espectacular; y la originaria de Chile Rosario Cobo. Las superocheras te enseñará cómo esta innov