Qué hacer hoy en la CDMX

El Museo de Arte Moderno (MAM) está de fiesta, y para celebrar sus 54 años de labores, ha decidido abrir las puertas a su acervo artístico a través de Colección Abierto, un proyecto con una selección de las obras bajo su custodia, que resaltan la evolución y desarrollo del arte del siglo XX. Para ello, las salas del MAM acogen seis núcleos que muestran más de mil piezas.  En Patrimoniales encuentras las joyas más brillantes del acervo del MAM, ya que muestra 130 piezas, entre pinturas, esculturas, fotografías, litografías y dibujos, de artistas que han sido declarados como patrimonio por el Instituto Nacional de Bellas Artes: Frida Kahlo, María Izquierdo, Rufino Tamayo, Saturnino Herrán, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Diego Rivera y Gerardo Murillo "Dr. Atl", entre otros.  Por su parte, Somos museo nace desde el corazón del MAM, ya que la selección de obras estuvo a cargo de once trabajadores del museo que, desde su experiencia en distintas áreas laborales, narran la historia del recinto. Este núcleo abarca 42 obras de nombres como Olga Costa, Julio Galán, Hideo Mori, Rosa Rolanda, Raúl Anguiano y Daniel Lezama. El espejo de Venus es el núcleo que ofrece una revisión histórica de la evolución del rol de las mujeres en el arte, tanto como musas como artistas. El espacio doméstico, el urbano y el indígena son los tres principales rubros en los que se retrata la vida cotidiana de la mujer mexicana; además, es una reivindicación de las distintas aristas como una

Todo lo otro es la exposición retrospectiva del artista plástico mexicano Germán Venegas que abarca la producción realizada desde 1995 hasta la fecha, siendo ésta la más completa y amplia que se ha realizado sobre el artista. A lo largo de seis salas se muestran sus 23 años de trayectoria a través de escultura, pintura, talla en madera y dibujo. En las obras de Venegas vemos influencia de diferentes culturas como la prehispánica, la asiática y al occidental, pero el eje central de esta exposición gira en torno al budismo y a la meditación zen. La primera parte de la muestra está compuesta por una serie de pinturas en las que el artista intenta descifrar el significado de pintar, utilizando tres o cuatro colores para plasmar la influencia de la escuela griega.  También verás la serie Ehecatl y Tlalocan, con inspiración en figuras prehispánicas, que son dibujos de tinta sobre papel con cabezas superpuestas: “Trato de buscar las soluciones plásticas de las culturas antiguas y empiezo a trabajar haciendo un amontonamiento. Hablo, por un lado, de esa cabeza obsesiva que repite algo a manera de mantra hasta que adquiere una energía especial y por otro, también de la cabeza como la base de la existencia y el lugar desde donde surge todo”, comenta Venegas.  El piso superior de la exposición se descubre como un plano celestial con piezas relacionadas con lo esotérico, la mitología y las deidades, por su parte, el piso inferior aborda el paso a lo espiritual y divino por medio de la

Mes con mes, los chicos de la agencia DEAR eligen a un artista, fotógrafo o diseñador para que exponga su obra en El 123. Durante el mes de marzo conocerás el trabajo de la artista Javiera Da Fonseca, pintora chilena que radica en la Ciudad de México. Javiera plasma en sus ilustraciones la idea de que a través del arte es posible crear un canal que permite conectarnos a la fuente originaria de la vida. Al momento de plasmar sus ideas al lienzo, esta artista genera una experiencia cromática inspirada en la naturaleza, y mediante una carga de color  genera una sensación de paisaje que permite elevar el grado de percepción. El trabajo de Javiera se centra en generar una necesidad, y esto le ha permitido exponer sus pinturas en Chile, México y Estados Unidos.Date la oportunidad de conocer más a fondo sus proyectos cualquier día de este mes. La finalidad de 1 mes 1 artista es presentar a artistas locales, emergentes y reconocidos para conectarlos con nuevos públicos en una plataforma en la que se forman redes de contacto con el público y otros creadores.

El año pasado, la Galería OMR presentó el trabajo del francés Yann Gerstberger durante la sexta edición de Salón ACME. Ahora, su trabajo más reciente será expuesto en ICE NEWS & FREEWAY FETISHES, la primera exposición individual de Gertsberg dentro de OMR que mostrará tapices hechos de materiales para el hogar, piezas escultóricas, así como un mural de tiza creado ex profeso. El trabajo de Yann Gerstberger se caracteriza por la combinación de imágenes y recursos que comprenden desde el surrealismo hasta el arte popular nigeriano, inspirado por técnicas como el grafiti y por imágenes digitales. En sus últimos trabajos, se ha dedicado a crear tapices a partir de trapeadores teñidos a mano, dándole peso a la textura de la imagen final, que en conjunto con elementos discontinuos, inocentes, tropicales y primitivos; constituyen un nuevo universo entre lo figurativo y lo abstracto. Por otro lado, sus esculturas antropomórficas se crean con los objetos que encontramos en los mercados de la Ciudad de México, objetos que se reconfiguran para representar a los personajes que trabajan dentro de los mismos mercados. Gerstberger transforma las imágenes e utiliza los colores y figuras exuberantes para conectar el imaginario popular con el mundo.  Recomendado: 10 exposiciones que debes ver durante la semana del arte. 

La sensibilidad con la que Graciela Iturbide inmortaliza los paisajes cotidianos en sus composiciones fotográficas es y ha sido un referente para la construcción de un imaginario cultural mexicano, sensibilidad que la ha convertido en la máxima exponente de la fotografía en México. No por nada en 2008 recibió el premio Hasselblad, uno de los más importantes alrededor de la fotografía en el mundo. A partir de lo anterior, el Palacio de Cultura Citibanamex-Palacio de Iturbide presenta la exposición Graciela Iturbide: Cuando habla la luz, una muestra que reúne 270 fotografías realizadas de 1972 a 2017, bajo la curaduría de Juan Rafael Coronel Rivera. La exposición se divide en 20 módulos e incluye principalmente fotografías impresas en plata sobre gelatina, la técnica más empleada por la artista. Durante tu visita al recinto encontrarás imágenes que resaltan paisajes y personajes de Ecuador, Francia, India, Cuba, Estado de México, Oaxaca y muchas otras ciudades; obras realizadas tras una serie de viajes que nutrieron su obra desde los setenta. Una de sus fotografías más famosas que verás es Nuestra señora de las iguanas (1979), en la que Iturbide retrató a una vendedora de iguanas originaria de Huchitan, Oaxaca. Constatarás la evolución del trabajo de Iturbide, desde las composiciones que muestran la belleza física hasta su obsesión por la simetría en sus últimas series fotográficas. El recorrido es extenso, por lo que tendrás que tener una gran paciencia para contemplar la g

Plantear la lectura de una colección, la que sea, siempre es un reto pragmático y conceptual. Si es de arte contemporáneo –categoría que resulta esquiva para muchos–, el reto se eleva exponencialmente. ¿Cómo proponer entonces un recorrido por la colección Jumex, una de las más diversas en Latinoamérica? Con una dirección definida que atraviesa coyunturas. En Podría ser (una fl echa), Catalina Lozano, curadora asociada, y María Emilia Fernández, asistente curatorial, proponen una revisión sobre lo femenino y sus asociaciones en el arte contemporáneo a través de obras que cuestionan este concepto y sus ramificaciones. A lo largo de seis núcleos temáticos, la muestra establece relaciones entre las piezas de artistas tan diferentes como Tacita Dean, Rineke Dijkstra, Silvia Gruner o Candida Höfer con un sentido transitorio: interpela al espectador para que explore sus valores simbólicos y cómo están condicionados (o no) por quien crea y distribuye las imágenes. La exposición toma como punto de partida la noción del “inconsciente óptico”, término acuñado por el fi lósofo Walter Benjamin para describir la capacidad ampliada de percepción que introdujo la fotografía y el cine en nuestro universo visual. En otras palabras, gracias a dicho cambio radical en el uso de la tecnología para producir imágenes, logramos ver con mayor detalle lo que antes eran solo fantasmas y, de paso, modifi camos nuestra noción de la realidad. Este fenómeno, en relación con las obras expuestas, presenta n

La obra fotográfica de Valery Katsuba apela a la estética del cuerpo humano en el modelaje artistíco, retomando tanto a las academias de pintura como a las culturas grecorromanas y prehispánicas. El artista originario de Bielorusia ha expuesto en España, Rusia y ahora llega a la CDMX para mostrarnos la belleza del cuerpo humano y de la mexicanidad.  La exposición Valery Katsuba, fotógrafo. Modelos clásicos y contemporáneos surge a partir de 28 fotografías tomadas por el artista en el Museo Nacional de San Carlos, en ellas se crea un diálogo entre modelos que posan frente a estudiantes y las esculturas de arte neoclásico del museo. Además de las imagenes exprofeso para la muestra, esta también contiene fotografías de la Academia de San Fernando, en España y la de San Petersburgo, en Rusia.  Durante el recorrido observarás composiciones con modelos masculinos y femeninos posando frente a estudiantes que pintan o moldean esculturas, además de bailarines y atletas junto a las réplicas de esculturas clásicas como la Victoria de Samotracias. De igual manera la arquitectura del recinto diseñado por Manuel Tolsá se fusiona con fotografías que traen a los jugadores de pelota a nuestro presente.  Recomendado: Exposiciones de fotografía en la CMDX. 

Para realizar una revisión a la producción artística en torno al sonido durante las últimas tres décadas en México, el Laboratorio Arte Alameda y el Museo Ex Teresa Arte Actual presentan la exposición Modos de oír: prácticas de arte y sonido en México. En esta se exploran conceptos como resonancia, tensión, vibración e intensidad, a través del trabajo de más de 170 artistas. Las piezas invitan a una reflexión sobre las vías creativas que involucran al sonido como expresión artística. El Laboratorio Arte Alameda hace un recuento de los artistas que utilizaron nuevas formas de ver la música, por medio de pentagramas que llevan a otro nivel la práctica de la lectura musical. Destaca la serie de Gabriel de la Mora Inscripciones sonoras sobre tela, un políptico de 110 piezas que descansa sobre una de las paredes del recinto. Además de una sala de escucha para obras acusmáticas y una serie de instalaciones que vinculan el arte, la ciencia y el sonido, y que involucran al visitante en una experiencia sensorial. Por su parte, el Museo Ex Teresa Arte Actual exhibe una gran estructura del arquitecto Mauricio Rocha. Es una instalación de tres pisos con una selección de grabaciones históricas que dan cuenta de los momentos importantes dentro de la creación sonora experimental en México. Durante tu recorrido por la exposición, encontrarás el trabajo de artistas como Ariel Guzik, Ana Paula Santana, Carlos Amorales, Fernando Ortega, Lorena Mal y Edgar Aragón.

El trabajo artístico de Carlos Mérida, originario de Guatemala, tuvo un importante despliegue en nuestro país que llega hasta nuestros días, es por ello que el Museo Nacional de Arte (MUNAL) ha decidido retomar las piezas del pintor para hacer una nueva revisión de su obra, que no se exponía de forma tan completa desde 1991. La muestra que terminaría en marzo extendió sus fechas hasta el 21 de abril.  Carlos Mérida. Retrato escrito (1891-1984) muestra diversas perspectivas de la obra del pintor que fuera distinguido con el Águila Azteca, otorgada por el gobierno mexicano en 1980. Es una lectura panorámica de la historia del artista: las personas que lo influyeron, los proyectos que lo transformaron, los ideales que quería mostrar y la evolución que vivió. En esta muestra encontraras muchos retratos, y no es fortuito pues las personas que rodeaban a Mérida eran inspiración para transmitir sensaciones, y al plasmarles en un lienzo, hizo un reconocimiento del impacto que tenían en su vida. Él también utilizó su trabajo para transmitir al mundo la riqueza de su país de origen, especialmente la de su población. También observarás los bocetos de los diversos proyectos de murales en los que Mérida trabajó, algunos de los cuáles aún siguen en pie. Así mismo, se muestra el trabajo que hizo en colaboración con su hija, la reconocida bailarina Ana Mérida, para la creación de vestuarios para ballets que, como la obra de su padre, destacaban la riqueza cultural de Guatemala, creaban pu

Aunque enero pareció eterno, finalmente hemos llegado a un nuevo mes, y con él nuevas exposiciones. El Museo de Geología de la UNAM no se queda atrás y presenta su primera muestra de 2019 titulada Earth-Body. Se trata de una presentación de obras de 12 artistas oriundos de Finlandia, Suecia, Dinamarca, Noruega y México, quienes dialogan entre sí sobre las realidades de sus países y por tanto las disparidades que existen.  Abraham Gómez, Ane Graff, Anna Rún Tryggvadóttir, Gabriel Mestre Arrioja, Héctor Vargas, Hesselholdt & Mejlvang, Marja Helander, Nikolina Ställborn, Pablo Castillo, Pepe Mogt y Raymundo Barnet son los nombres que exponen en el Museo de Geología. Sus obras mantienen un carácter puro y natural, en el que los materiales y las temáticas contrastan de manera dramática con el ambiente que las recibe. Dentro de esta muestra, se abordan temas como feminismo, migración, mestizaje y descolonización, así como naturaleza y las relaciones cuerpo y tierra. De esta forma, es posible observar el diálogo entre la colección geológica del museo con las esculturas, los videos, las instalaciones y los dibujos que componen esta muestra.

El artista húngaro Gyula Haláz (1899-1984), mejor conocido como Brassaï, tiene un lugar especial por haber fotografiado las noches de París, Francia como nadie, cuando arribó a dicha ciudad con el sueño inconcluso de ser pintor a principios de los veinte, en donde también realizó trabajos periodísticos que incluían sus propias imágenes.Brassaï no solo destacó por exhibir estéticamente a prostitutas, vagabundos, personas, paisajes oscuros en todo sentido y luz, sino también por ser uno de los primeros fotógrafos en diseccionar el paisaje urbano para retratar símbolos, vestigios y formas involuntarias. De esta manera, visibilizó de forma importante el grafiti que sucedía en las calles de París de los años veinte y treinta. Curiosamente, el “fotógrafo de la noche”, como se le nombra, también es conocido por haber dado luz a la fotografía como una expresión artística y no solo como algo de carácter documental o un oficio. Luego de presentarse en Barcelona, Madrid y San Francisco, la exposición Brassaï. El ojo de París llega a la CDMX con más de 200 imágenes agrupadas temáticamente en las categorías: París de noche, Placeres, París de día, Grafitis, Minotaure, Lugares y cosas, Personajes, Sociedad, Cuerpo de mujer, Retratos. Artistas, escritores, amigos, La calle y Sueño. En las imágenes de la vida nocturna de París vemos el dominio con maestría del artista para tomar fotografías nítidas y pensadas con exposiciones largas y tripoide, alejado de la espontaneidad y movimiento de l

De prodigios y maravillas. Obras selectas de la colección Franz Mayer expone obras del gran coleccionista alemán Franz Mayer. De entre más de once mil objetos se han seleccionado alrededor de 80 para hacer un recorrido por el México de la colonia; observarás las artes decorativas y el diseño que había en ese entonces.La exposición hace énfasis en el periodo novohispano e incluye todo lo necesario para conocer más de nuestro país. Hay desde piezas textiles como rebozos y zarapes del siglo XIX, pasando por muebles que son una de las más grandes muestras del arte decorativo de dicho periodo, hasta pinturas como retratos de la realeza. También te encontrarás con mueblería de lujo que la clase alta traía de países como India, Alemania y España. Algunas de las piezas ya estaban en las salas permanentes del museo y 32 son exhibidas por primera vez. El estar juntas invita a una nueva lectura.  Uno de los siete núcleos temáticos abarca la cultura mexicana del siglo XVIII. Muestra un mapa del centro de la ciudad que te invita a compararla con la CDMX de hoy, que sorprendertemente conserva demasiados edificios antiguos. Uno de ellos, por ejemplo, es el propio Museo Franz Mayer, antiguo Exconvento San Juan de Dios. Cuando veas los muebles, las esculturas, las cigarreras, la vestimenta y los libros que aquí se juntan, te sentirás de la clase alta que habitaba México en la época colonial. Y, conocerás el exquisito gusto que tenía Franz Mayer y la dedicación que ponía en una de sus más gr

El paisaje de la ciudad se construye a partir de los edificios que la constituyen, y las personas que los habitan. Los edificios se crean a partir del diseño que los imagina, los materiales de los que están hechos y las historias que le dan vida. Por ello, la arquitectura se encarga de crear los escenarios en los que vivimos nuestras mejores aventuras y donde revivimos nuestros mejores recuerdos.  David Chipperfield Architects, uno de los más importantes despachos de arquitectura del mundo, cree precisamente que la arquitectura es capaz de envolvernos como sujetos, a quienes no sólo nos cobija, sino que nos ayuda a estructurar nuestras aspiraciones humanas. Para dar muestra de su trabajo, y en el marco de MEXTRÓPOLI 2019, la firma se apropia del Museo de la Ciudad de México para presentar una selección de proyectos que muestran ese carácter individual y humano de cada edificación.  Los proyectos elegidos para mostrar y examinar de forma detallada los procesos de diseño de la firma arquitectónica son la James Simon Galerie, nueva entrada del Museums Island Berlin; el Museo Jumex, que acoge la colección homónima en Polanco; el proyecto de restauración de la Galería Nacional de Berlín, ícono de la arquitectura del siglo XX; y SSENSE, el espacio que materializa el éxito de la plataforma de venta de ropa online en Montreal. Por lo anterior, la exposición David Chipperfield Architects presentará bocetos y modelos relacionados con el comienzo del proceso arquitectónico, el diseño

Con una colección de 112 obras, el Museo Nacional de Antropología presenta la exposición Virtud y belleza. Coleccionismo inglés de arte clásico. Siglo XVIII. Reúne esculturas, pinturas y artes decorativas del periodo clásico y neoclásico y figura como una de las mejores colecciones de escultura grecorromana existentes fuera de Italia. La exhibición ofrece un acercamiento a las aspiraciones e ideología de la sociedad británica durante el periodo del Siglo de las Luces, además de remarcar las relaciones bilaterales entre México e Inglaterra. Bajo la curaduría de Karina Romero, esta es la exposición más relevante de arte grecorromano que haya visitado el país en más de una década. Las piezas que encontrarás dentro de la muestra fueron prestadas a México por recintos de Liverpool como World Museum, Walker Art Gallery y Lady Lever Art Gallery, así como el Castle Howard y el British Museum. Aunadas a estas, se encuentran obras del acervo de la Antigua Academia de San Carlos, del Museo Nacional de las Culturas del Mundo y del Museo Soumaya. Por medio de cuatro núcleos principales se hace un recorrido por la evolución del arte, iniciando con los viajes realizados por lo nobles italianos en los que adquirían piezas de arte clásico, seguido por la conformación de las galerías y las colecciones privadas, así como la instauración del arte neoclásico en Inglaterra. Culmina en la representación de la Revolución industrial y la francesa, que se vieron reflejadas en el Romanticismo. Dura

Como parte de la celebración del 50 aniversario, el Museo Nacional de San Carlos presenta la exposición Roma en México/México en Roma: las academias de arte entre Europa y el Nuevo Mundo (1843-1867). Se trata de una muestra conformada por 93 piezas, resultado del diálogo bilateral entre la Academia de San Luca y la Academia de San Carlos, durante el siglo XIX. A lo largo de ocho núcleos conocerás las características de la época en estas dos naciones, los rasgos del arte que proliferaron en sus academias, sus paisajes, pinturas de carácter religioso y retratos. Así como imágenes de la historia y la riqueza de los relatos tomados de la literatura griega y latina. La muestra resalta el trabajo de artistas mexicanos como Tomás Pérez, Primitivo Miranda, Tiburcio Sánchez y Epitacio Calvo, además del ya consagrado Juan Cordero, quienes plasmaron escenarios del día a día, esculturas y paisajes que marcaron escuela en la Academia de San Carlos. Por parte de la escuela italiana se encuentra el trabajo de Francesco Coghetti, Francesco Podesti y Giovanni Silvagni, quienes enviaron a la academia mexicana imponentes cuadros que ilustraron en las aulas mexicanas la manera en que se enseñaba a pintar en la academia romana. Una de las parte que más destaca durante el recorrido es el trabajo de Eugenio Landesio, quien tuvo una importante influencia sobre el paisajismo de José María Velazco. Esta exposición te mostrará la similitud que tuvieron estas importantes ciudades durante el siglo XIX

En abril del año pasado, el fotógrafo británico Mick Rock visitó el Foto Museo Cuatro Caminos para presentar su exposición Starman, un homenaje conformado por una serie de fotografías en las que capturó la esencia de David Bowie durante los setentas. Ahora, los amantes del rock tendrán el deleite de ver nuevamente el trabajo de Mick Rock en las paredes del mismo recinto. A partir del 15 de marzo y hasta el 21 de abril, la exposición Queen, el origen de una leyenda reunirá 120 fotografías, instalaciones de mapping, videos, cine, un bar y artículos a la venta de la banda de origen británico integrada por Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor. Mick ha destacado por ser el fotógrafo de las estrellas durante la década de los setentas, su trabajo ha inmortalizado a bandas y músicos como The Ramones, Lou Reed, Iggy Pop, The Sex Pistols, Talking Heads y Syd Barrett. En esta muestra encontrarás fotos inéditas de Queen en sus inicios, sus sesiones privadas, conciertos y backstage, al igual que las portadas icónicas de los discos Queen II (1973) y Sheer Heart Attack (1974). De igual manera encontrarás el vesturio que utilizó el ganador del Oscar a mejor actor,  Rami Malek, durante la filmación del biopic Bohemian rhapsody (2018). La exposición tendrá una fiesta de inauguración que contará con la presecia del mismísimo Mick Rock, para asistir solo tienes que adquirir tu boleto con un costo de $250. Los viernes y sábados se realizarán diversas actividades con bandas en

El centro de la Ciudad de México es una muestra de los siglos que ha vivido la ciudad, y de las tendencias en el arte que se han creado, reinventado y manifestado entre sus calles y edificios. Asímismo, ha sido inspiración para crear objetos, edificios y tendencias nuevas que retoman elementos del pasado. Estas acciones son una parte de las premisas de Diseño Neobarroco, la muestra del Museo Franz Mayer que explora las nuevas manifestaciones del diseño contemporáneo. Con una selección de 27 obras, de 24 artistas mexicanos y extranjeros, esta muestra explora algunos de los principios de arte barroco en su expresión cotidiana en el diseño del siglo XX y XXI. Elementos como juegos de sombras, dramatismo y teatralidad, ornamentación recargada y suntuosa, así como los numerosos estímulos psicológicos y morales son constantes en las piezas que aquí se exhiben. Diseñadores como Alexander McQueen, Junya Watanabe, Zaha Hadid, Nacho Carbonell, Héctor Esrawe, Jorge Cejudo y Gloria Cortina están presentes a través de objetos que invitan a una lectura artística de lo cotidiano. Diseño Neobarroco se convierte en una reflexión sobre las implicaciones morales, los juegos visuales, las técnicas y tecnologías involucrados en los procesos de producción, los estilos y la representación del arte moderno en el diseño y la moda contemporánea. Además de la muestra, el Museo Franz Mayer ofrecerá recorridos guiados todos los fines de semana, a las 12pm y las 4pm.  Recomendado: 45 museos para visit

El ambiente artístico está dominado por la presencia masculina, que por siglos relegó el papel de las mujeres a ser musas, y no artistas. ¿Cómo llegan entonces las mujeres artistas a los museos? Tomadas de la mano. Esa es la propuesta de Tú de mí, Yo de ti, una muestra que tiene escrita la palabra sororidad por todas partes, incluso si no era la idea desde la que partió el proyecto. Su semilla surge a partir de ejercicios cotidianos que un grupo de artistas mexicanas realizan, en los que se reúnen para compartirse su trabajo. “Recuerdo una imagen de muñecas que se unen de las manos para formar una pirámide y romper el vidrio, y eso es lo que creo que hacemos”, dice Manuela García, una de las coordinadoras, acerca de lo que representa Tú de mí, Yo de ti. Es una magna colaboración de 31 artistas mexicanas, en las que no sólo presentan su obra, sino que cambian de zapatos y hacen de curadoras de la obra del resto de las participantes. La idea es sencilla: una artista va al estudio de otra, quien le comparte su obra, sus vivencias y sus técnicas, y la primera elige una de sus piezas para ser expuesta; a su vez, la segunda artista repite el ejercicio con una tercera artista, y así de forma consecutiva. Es un trabajo inmersivo (y yo me atrevería a decir interseccional e interdisciplinario) que reúne a creadoras con el objetivo de fortalecer los vínculos laborales entre sus diversas manifestaciones. Manuela García, María Cerdá Acebrón, Fernanda Barreto y Carla Rippey, son las coo

El 13 de septiembre de 1973 era el día esperado. Tras varios años de visitas de Estado, la apertura de la ambiciosa exhibición llamada Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura Mexicana marcaba el inicio de, lo que se perfilaba, una fructífera relación entre México y Chile, la cual aprovecharía los intercambios culturales para estrechar los vínculos. La muestra sería acogida por el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago e incluía 169 pinturas, dibujos y grabados de los pintores mexicanos.  Un año antes, el Instituto Nacional de Bellas Artes de México adquirió las 1,417 piezas de la colección personal del Dr. Álvar Carrillo Gil, que estaba conformada por obras de los más importantes pintores mexicanos del siglo XX, destacando las piezas de José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siquieros. Los intercambios entre los Jefes de Estado de Chile y México, consolidados con la éxitosa visita de Salvador Allende a nuestro país, permitieron que las cancillerías organizaran jornadas culturales en Chile, dentro de las cuales, la muestra de los mexicanos se presentaría acompañada de una exhibición de artesanías y una de libros mexicanos. Pero la muestra no se abrió. Dos días antes, el 11 de septiembre de 1973, Augusto Pinochet lideró un golpe de Estado que concluyó con la muerte de Allende y la desarticulación de su gobierno, la instauración de una dictadura militar y la salida de cientos de exiliados, tanto chilenos como de otros países del cono sur. La historia no terminó ah