Obras de teatro que puedes ver en la CDMX

Martin y Stevie son un matrimonio idóneo, perfecto y feliz. Tanto, que podría no pasar nada si uno de ellos de pronto tuviera algún desliz amoroso. El problema es que Martin sí tiene a alguien más y eso lo atormentarlo y lo lleva a ser cuestionado por su esposa, juzgado por su mejor amigo y confrontado por su hijo. Hasta aquí todo parece normal. Hasta que se sabe que la tercera en discordia se llama Sylvia… pero no es una mujer. Estrenada en Broadway en 2002, se trata de la última gran obra del dramaturgo norteamericano Edward Albee y en ella se resume la fiera delicadeza de su teatro, marcado por un frágil equilibrio que sostiene a los seres humanos y apenas logra separarlos del universo animal. Albee mezcla ambos mundos desde un drama casero que a pesar de sus diálogos divertidos y punzantes es una tragedia descarnada de nuestro tiempo; producto de nuestras nuevas y cambiantes formas de afecto. Bruno Bichir dirige el texto traducido por Víctor Weinstock (también interpreta al amigo Ross), discípulo de Albee. Odiseo Bichir explotará sus vastos recursos actorales para interpretar un Martin complejo y entrañable que entabla un duelo de misterios y verdades con Yolanda Ventura, quien incorpora a una Stevie que poco a poco enloquece sin perder fortaleza y dignidad. Junto a ellos, el trabajo del joven y casi debutante Michele Abascal ofrece un contrapeso, pleno de intuiciones por parte del actor y repleto de guiños que anuncian la tragedia por parte del personaje. Todos ellos

¡Hola! Quisiera compartir con usted una obra maravillosa, ¡The Book of Mormon! De la mente de Trey Parker y Matt Stone (South Park) y del compositor y letrista Robert Lopez (Avenue Q), llegará al Centro Cultural Teatro 1 el musical The Book of Mormon, directo del Eugene O'Neill Theatre de Broadway. Se trata de la gira de uno de los musicales más exitosos de las últimas décadas, que en CDMX se presentará en su formato original con subtítulos en español.  El increíble libreto, el diseño (Scott Pask), la dirección (Casey Nicholaw y Trey Parker) y las melodías pegajosas hacieron que The Book of Mormon ganara nueve premios Tony, el New York Drama Critics Circle como mejor musical, cinco Drama Desk y el premio de The Drama League como mejor musical, entre otros galardones.  Esta historia comienza en Salt Lake City, donde los misioneros mormones Elders Price y Cunningham son enviados para salvar almas en Uganda, un país en África asolado por la guerra, el SIDA y la pobreza. La amistad que se va desarrollando entre estos dos personajes, que al parecer no tienen nada en común, sienta las bases emocionales del espectáculo. En medio de chistes sobre racismo, la enfermedad y el desprecio homofóbico, estos “inocentes” misioneros logran ver las mentiras de la sociedad, pero no consiguen cambiar al mundo; el mundo los cambia a ellos. En The Book of Mormon la religión es el imaginario de la obra y la burla no es solo hacia José Smith y su ángel Moroni, también satirizan algunos de los mu

Dicen que los hombres que son hombres no hablan de sus problemas con otros hombres. Pero primero habría que definir qué es ser hombre. Más aún, ser hombre hoy en día. Ni el dramaturgo Alfonso Cárcamo ni el director Antonio Castro se meten en las profundidades del tema en Fuimos héroes, pero sí lanzan, a través de un texto y un montaje divertidos guiños hacia esa nueva construcción de la masculinidad. Tres personajes exponen algo que en el cine y la televisión ha sido por demás utilizado: la crisis previa a la boda que ataca a una mujer. Aquí ataca con todo, pero al hombre y de paso a sus dos mejores amigos, pues uno de ellos recuerda sus nupcias diez años atrás y el otro prevé un matrimonio con su pareja: otro hombre. Todos los matices y contrastes que ofrece la simple disyuntiva de casarse o no minutos antes de salir rumbo al altar, son aprovechados por Leonardo Ortizgris, Mauricio Isaac y Tizoc Arroyo, quienes componen un trío que se mueve entre el tormento y el desparpajo, sosteniendo el ritmo y el tono de esta obra que, más que ser sobre hombres, es sobre individuos frente a dos tipos de amor igualmente definitivos: el de la pareja y el de los amigos. Desde el principio, vemos a tres hombres en quiebre que conforme charlan y se confiesan intentan recuperar, a partir de preguntas más que de acciones concretas, ese viejo sitio que creen haber tenido cuando fueron hombres de verdad; héroes de capa y espada. Ese es su conflicto, tan actual y tan bien construido en escena,

Si hay algo que se antoja al pasear por las calles de Mérida, es sentarse en una silla junto a las mujeres que conversan en el pórtico de sus casas; sobre sus propias historias familiares y sobre la historia de su mundo. Pláticas al calor del sol y del xtabentún (licor de origen maya que se sirve en Yucatán), al sabor de la cochinita pibil y al rumor de los boleros de Guty Cárdenas y Pastor Cervera. Afortunadamente, el viaje para atestiguar esas charlas se pueden vivir gracias a la deliciosa pluma de Conchi León y la certera dirección de Francisco Franco (La sociedad de los poetas muertos). En la obra de teatro La Tía Mariela se reúnen historias que oscilan entre lo real y la ficción para hablar de mujeres y sus muy personales entornos. Mujeres que, si bien son oriundas de Yucatán y pertenecen a distintas épocas del siglo XX, enlazan las diversas realidades de violencia, abuso, ilusión, trabajo, éxito, desencanto y superación que ha enfrentado la mujer mexicana, y la mujer en el mundo. Todo abordado desde el ingenio de un lenguaje que mueve a la risa y al genuino goce de las anécdotas lanzadas por tres primas que evocan a sus numerosas tías, pilares de una familia que, como la mayoría de las familias mexicanas, se sustenta en el matriarcado. Además de escribir, Conchi León actúa. Junto a ella, Monserrat Marañón saca lo más sólido de sus recursos humorísticos para lograr un dúo mordaz y muy digno. Por si fuera poco, esta obra es un musical de mediano formato en el que, graci

Julián Robles está totalmente aburrido. El productor que ha llevado a escena proyectos exitosos como Bozal de Richard Viqueira y la ópera El juego de los insectos de Federico Ibarra, debuta como dramaturgo con una farsa de dos personajes que le temen a la muerte y a la extinción y por ello buscan desde el mundo de los muertos los elementos que les permitan ser inmortales. Cállate y rema. Instrucciones para morir es teatro del absurdo que en esta ocasión no produce Julián Robles. “La obra es una farsa dolorosa, al estilo de Beckett. Quería privilegiar el humor”, asegura Julián. Para dirigir buscó a Ricardo Ramírez Carnero, un sólido representante en el panorama teatral. “Hay que confiar en el director, que haga lo que quiera, no queda de otra. Ricardo entiende la obra, por eso la quiso dirigir”. Además del humor, pondera en su texto y en escena la palabra: “La obra tiene algo que se ha perdido en el teatro mexicano, que es el uso del lenguaje; tiene un lenguaje muy preciso, lleno de musicalidad y doble sentido”. En su dramaturgia también se asoma Emilio Carballido y su maestro y amigo Carlos Olmos. “Carlos privilegiaba el lenguaje en sus obras y me enseñó lo importante que es la palabra en el teatro, pues se trata de literatura, aunque mucha gente lo haya olvidado”. Con las actuaciones de Ángeles Marín y Luis Cárdenas, el montaje se estrenará en el Teatro Salvador Novo de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), el alma máter de todos los involucrados, excepto del propio

El amor, aunque sean sus restos, duele. Sobre esos restos se erige este inteligente texto del dramaturgo francés Pascal Rambert en el que dos seres humanos —qué importa que sean un director teatral y una actriz prestigiada, qué importa si son un hombre y una mujer— se lanzan a la cara esas verdades incómodas que tarde o temprano surgen al final de una relación de pareja que algún día fue férrea, apasionada y total. Dos individuos se anuncian frente a frente el final, el cierre. Y eso es apenas un principio. Estrenada en 2014, Clausura del amor es un texto relevante de la dramaturgia francesa contemporánea. Tras sumar ya tres temporadas y presentaciones especiales, la puesta en escena de Hugo Arrevillaga regresa a un espacio aún más íntimo, por lo tanto la propuesta original se concentra todavía más y se enrique. Para fortuna, el espectador puede disfrutar y sentirse profundamente aludido por las frases hirientes y perfectas con las que Antón Araiza y Arcelia Ramírez terminan de destruir, más que su relación, a sí mismos. Al contrario de otras propuestas teatrales que han logrado varias temporadas, en esta el factor clave sigue siendo la presencia de sus dos protagonistas originales, cuya constancia en los escenarios y su participación en los más diversos proyectos teatrales a lo largo de los cinco años en los que se ha presentado esta obra, se notan en la madurez de sus interpretaciones. Hay gestos, intenciones y movimientos plenamente decantados. Hay sutileza en amor perdi

Dentro de una cabaña apartada de todo hay un hombre y una mujer. Afuera hay un río. Y en él, probablemente hay otra mujer. En esta historia, la pasión por la pesca y por la feminidad es el detonante de las acciones de un hombre cuyo misterio es proporcional a su atractivo. La seducción, el enamoramiento y sus consecuencias se dan en un paisaje tan idóneo como inquietante. El texto de uno de los dramaturgos más relevantes de la Inglaterra actual, Jez Butterworth, —premio Olivier a Mejor obra de 2017 por The Ferryman— llegó a nuestro país el año pasado gracias a la mancuerna de Marina de Tavira y Enrique Singer como productores, con ella como protagonista. En esta segunda temporada, Sergio Bonilla interpreta al hombre, Ana Isabel Esqueira da vida a la mujer e Inés de Tavira es la otra mujer. Con la traducción de Alfredo Michel Modenessi y dirección de Enrique Singer, El río regresa al Teatro Santa Catarina de la UNAM, espacio idóneo para un texto contemporáneo ambiguo y perturbador, enmarcado por una atmósfera poética que es enfatizada por la escenografía de Alejandro Luna, una institución en ésta área del teatro. A decir de Marina, la obra aborda una gran paradoja: “A veces buscamos un ideal al que nunca vamos a llegar: como si existiera la idea de la mujer o del hombre que va a ser nuestro gran amor y todas las mujeres y hombres reales que pasan por nuestra vida fueran solo copias de ese ideal”.  La calma o la agitación del río es la metáfora precisa de quiénes somos cuan