Obras de teatro que puedes ver en la CDMX

A dos años de haberse estrenado y luego de seis temporadas, la obra La Prietty Guoman se ha ganado ya un lugar en nuestra escena teatral con un show hilarante y al mismo tiempo desgarrador que viaja entre el cabaret y el teatro de denuncia. Es escrita, actuada y dirigida por César Enríquez —hoy una de las principales figuras del cabaret en México—, quien con esta obra ya recibió una ovación en la Muestra Nacional de Teatro (2018) y se ha presentado en España (próximamente viajará a Chicago y Madrid. Un viejo automóvil y un espejo, como lienzo de un sencillo video mapping, conforman la escenografía (Amapola Monzalvo). Esta crea una atmósfera divertida y arrabal; ideal para presentarnos a “la Prietty”, una mujer transexual bien prietita, con un montón de chispa y fuertemente atraída por la cinta protagonizada por Julia Roberts y Richard Gere, Pretty Woman. La magia sucede cuando entre anécdotas y parodias de canciones de Madonna, Celia Cruz y otras tantas divas, “la Prietty” se desnuda ante nosotros, capa por capa. Nos traslada a lugares físicos como un cabaret llamado Doroty o el puerto de Veracruz, así como a sitios en lo más profundo de su ser, es ahí donde conocemos a uno de sus amores, “la mudita” —interpretado por Álvaro Herrera, quien se encarga de la música al piano—. La riqueza de este espectáculo producido por Mariano Ducombs y el mismo autor recae en la manera auténtica de abordar un tema tan necesario como la discriminación y el alto índice de transfeminicidios e

Más que buscar entender los acontecimientos de aquel octubre de 1968, esta obra escrita y dirigida por Flavio González Mello habla de una generación de jóvenes de todo el mundo, que se enfrentaron a la persecución y a la represión de diversas formas. Sobre el escenario de Olimpia 68: una pista de atletismo y la tipografía de Lance Wyman que dio identidad a los Juegos Olímpicos de México 1968 cobija a los atletas de diversas partes del mundo que se reúnen, entre entrenamientos, y comparten las historias de sus países. En esta villa olímpica, cuatro mujeres comparten una habitación a la que llega un hombre golpeado que sufre pérdida de la memoria. El joven huye de sus perseguidores y ellas lo ayudarán a esconderse. Este es el detonante para mostrar a aquellos países que en el mismo año pasaban por guerras civiles, enfrentas con otros países, o que eran gobernados por dictaduras. Al mismo tiempo presenta lugares del mundo donde existía la paz, como Suiza. Los cambios de escena se cortan con silbatos de los jueces que amonestan a los personajes que no cumplen su trabajo o no dan lo mejor de sí. Bajo esta convención de competencia, el autor nos presenta a casi cien personajes realizados por sólo 12 actores. “La obra reflexiona sobre las cosas que han cambiado gracias al movimiento estudiantil de aquella década, habla sobre quienes seguimos siendo y quienes ya no somos”, comenta González Mello. Recomendado: Actividades para conmemorar la Olimpiada Cultural de 1968. 

La fe y la verdad son dos conceptos que han intentado regir la vida del hombre desde que es hombre, aunque sea desde sus polos opuestos: la duda y la mentira. En la más reciente obra de David Gaitán, dichos conceptos son puestos sobre la mesa a fin de actualizar el clásico griego de Sófocles, Edipo Rey, un texto que gracias a la lectura que hizo de él Sigmund Freud a principios del siglo XX, se convirtió en un referente de la cultura universal más allá del teatro. Una larga mesa y varias sillas son dispuestas en el escenario por Alejandro Luna —el mayor escenógrafo mexicano —, también responsable de la iluminación. Alrededor o encima de ella desfilan los tres personajes centrales de esta tragedia revitalizada que está ubicada en la atemporalidad, pero con claros guiños a situaciones políticas y sociales actuales. A partir del mito de los reyes a los que les fue anunciado que su propio hijo mataría a su padre y desposaría a su madre, Gaitán propone un discurso filosófico y político que no es digerible a simple escucha, pero que se va construyendo a través de una actualización ácida y divertida de los personajes y su situación de monarcas atemorizados por una peste que azota a su pueblo, sin saber que el mal proviene de su propio palacio. No importa que sigan estando en Tebas: la peste es reconocible en cualquier país, en cualquier tiempo. La ambición por el poder como estatus social, el sexo como eterno extinguidor de epidemias íntimas, la retórica como perenne controladora

  Donde los mundos colapsan es una obra de teatro profunda que nos muestra la vida de dos seres humanos que está claramente influenciada por un destino que los lleva vivir al límite. Por un lado tenemos a Valeria (Silvia Navarro), la mujer de furia, como la nombraría su abuela, y por el otro tenemos a Richard (Osvaldo Benavides), quien nació el mismo día, al mismo tiempo y bajo la misma estrella que Valeria. Adrián Vázquez nos presenta un texto fuerte lleno de dualidades y nos deja claro que la vida puede colapsar de diferentes formas: ya sea por las fuerzas de naturaleza, por las relaciones o por el amor. Al mismo tiempo, Adrián como director sabe llevar el drama, pues aunque estamos viendo una historia realmente trágica, hay momentos en que el tono nos saca una que otra sonrisa. Vemos situaciones que hablan de nuestra historia como país, que tocan fuertes emociones que nos han unido tanto como humanidad como individuos. Silvia Navarro y Osvaldo Benavides mantienen una interpretación completamente comprometida, demuestran una voluntad infranqueable y una energía ideal para el tipo de texto, pues la acción y las atmósferas dependen solamente de su interpretación; nos mantienen con ellos en todo momento. La escenografía y la iluminación (Pepe Valdés) pueden parecer sencillas, pero acompañan a los actores haciendo órbitas dinámicas que a su vez los expone y los mantiene presentes, demostrando sus habilidades corporales. Por otro lado, la música original en vivo de Ricardo E

Gritarás, correrás, llorarás… pero no escaparás Es “La mujer araña”, la del beso letal temido y añorado por Molina, el homosexual encarcelado por corrupción de menores que para aminorar el peso de su condena, se refugia en fantasías que aluden a las películas que protagoniza Aurora, diva que surge de su imaginación para adquirir vida propia y, de paso, cantar y bailar con Molina y con Valentín, su compañero de celda encarcelado y torturado por sus ideales marxistas y revolucionarios.  El beso de la mujer araña es la novela más célebre de Manuel Puig —uno de los autores de culto de la comunidad gay—. Primero fue adaptada al teatro por su propio autor (en México la dirigió el cineasta Arturo Ripstein), luego al cine en una celebrada película dirigida por Héctor Babenco. A principios de la década de los noventa, se estrenó la versión musical de este drama con libreto de Terrence McNally (Master Class) y con la partitura de John Kander y Fredd Ebb, el dúo creador de musicales tan aplaudidos como Cabaret y Chicago. Tras un primer montaje a cargo de Christian Bach y Humberto Zurita a finales de los noventa, el musical regresa bajo la producción de Juan Torres y la dirección de Miguel Septién, cuyo trabajo en el musical Urinetown fue una inmejorable carta de presentación. Óscar Acosta, Eduardo Soto y Pablo Rodríguez dirigen voz, música y danza, respectivamente. Todo frente a una sólida compañía de actores, cantantes y bailarines liderada por Chantal Andere y soportada por actores

Fiona, ¿quieres volverte hombre? No, Alice. Sólo quiero dejar de intentar ser mujer. Alice ha mantenido una relación en secreto durante siete años con su novia Fiona, en el puerto de Rotterdam, donde la vida es un poco difícl a lo que imaginó. Llegó la noche de año nuevo y Alice decide enviarle a sus padres un mail para confesarles su orientación sexual. Antes de hacerlo, Fiona le cuenta que quiere vivir la transición para volverse hombre y convertirse en Adrián. Este cambio llevará a Alice a pensar: ¿seguiré siendo lesbiana o me convertiré en una mujer heterosexual? Vivir tantos años con tu pareja y enterarte que quiere llevar una vida trans de un minuto a otro es una transición que pone en duda cualquier tipo relación y que nos hace adentrarnos aún más en la obra. Jon Brittain (Reino Unido, 1987) escribió esta novela en el 2014 después de descubrir que varios de sus amigos se habían identificado últimamente como personas trans, envió su guión a diferentes teatros para producirla y fue hasta que el director Donnacadh O'Briain aceptó y decidió montarla en el West End de Londres durante el 2015. Ante la euforia que causó Rotterdam en Europa, Roberto Cavazos —el director y productor de la versión mexicana— decidió traducir el libreto original y traerlo a nuestra ciudad en febrero de 2017, siendo México el segundo país en escenificarla y el primero en traducirla a otro idioma. Para Cavazos, "esta historia es una carta del amor hacia el amor". Lo que enriquece a la historia

¿Alguna vez te has preguntado por qué el edificio de Donceles 36 lleva el nombre de Teatro de la Ciudad Esperanza Iris? Si tu respuesta es no, entonces Esperanza Donceles 36 es la obra de teatro para ti. Un piano y la actuación de Pilar Padilla son todo lo que se requiere para contar la vida de la gran actriz mexicana Esperanza Iris, quién recibió el título de “reina de la opereta” gracias a una gira en Latinoamérica que la consolido como una de las grandes artistas de la historia de México, y que le permitiría conseguir los recursos para edificar la obra de su vida: El Teatro de la Ciudad que ahora lleva su nombre. El recinto que celebra su primer centenario nos ofrece con este show un viaje en el tiempo para adentrarnos a la última función de la soprano, cuando comienza a intuir su muerte. Esperanza Donceles 36 tendrá sólo cuatro funciones durante agosto y es un espectáculo que además de ofrecer una perspectiva nueva sobre el edificio, cuenta la historia de una de las más importantes figuras de la historia del Teatro Mexicano, quién también ayudo a la formación y consolidación del estilo de teatro popular mexicano que se ha mantenido hasta nuestros días.

¿Qué es DramaFest? Se trata de un Festival Internacional de Teatro Contemporáneo, que se realiza cada dos años desde 2004 (dirección de Aurora Cano) y se encarga de confrontar el teatro de la CDMX con el del interior de la república y con ello de otras latitudes. En años anteriores, estados como Yucatán, Guerrero, Morelos y Jalisco han presentado propuestas teatrales de la mano de países como Finlandia, Australia, Francia y Reino Unido. Este ánimo de diálogo, confrontación y cooperación cultural es el reinante de DramaFest, que para su octava edición tienen como invitados protagonistas a Oaxaca y Suiza, dos grandes productores de chocolate que igualmente buscan promover la dramaturgia mexicana contemporánea y difundir el trabajo de los nuevos autores y directores. Del 2 de agosto al 2 de septiembre se realizarán actividades de creación, producción, expresión y formación artística, entre las que destacan algunas de las siguientes obras: Bajo el signo de TespisLa obra narra la historia de dos medias hermanas que son diametralmente opuestas en carácter y percepción de la vida, y que a pesar de ello, comparten ambientes familiares regidos por el abandono y violencia generalizada en la calles. Las respuesta de ambas a los retos que enfrentan parecen ser distintos, y a pesar de ello, la hermana menor no se aleja de su hermana mayor. Centro Cultural del Bosque: Mar-jue 8pm. Del 7 al 30 de agosto. El funesto destino de Karl KlotzKarl Klotz es gordo y desde su nacimiento lo han c

Luego de más de 20 años en llegar, el estreno mundial en español de Canciones para un mundo nuevo demostró que México por fin entendió a Jason Robert Brown en un musical con potentes y entrañables interpretaciones. El productor Daniel Delgado (Rent) ya había apostado por traer las cuidadas e íntimas composiciones de Robert Brown en 2017 con Los últimos cinco años, la más querida de sus obras (en cartelera a partir del 6 de agosto), pero este año nos sorprendió trayendo el primer musical escrito por Brown, bajo la dirección en México de José Manuel López Velarde, el autor de Mentiras. Estrenado en 1995 en Nueva York, este musical no es lo que comúnmente entendemos por el género; es un ciclo de canciones con historias diferentes que hablan de ese momento en el que tu vida estar por cambiar, de un despertar que te orilla a quedarte o huir de alguna espinosa situación. Aunque es justo este estilo el que gusta de Canciones para un mundo nuevo, en momentos esa falta de hilo conductor se extraña y te invita a tomar la decisión entre emprender un viaje personal y diferente con cada uno de los temas o tomar los 85 minutos de duración como un concierto.López Velarde logra conectar con la audiencia mexicana y no se siente comprometido con hacer de esta obra algo comercial o accesible, por el contrario comprende a Robert Brown, hace una traducción meticulosa y acerca a una generación alejada al teatro musical contemporáneo, pero cercana al amor, la esperanza y la incesante toma de dec

¿En dónde están y quiénes son realmente esos seres a los que alude el título de ésta pieza de David Lindsay-Abaire? Más que a las buenas personas, este texto alude a las almas y espíritus que son escarbados hasta lo más profundo a través de las crudas palabras del dramaturgo estadounidense autor de La madriguera —que vimos en teatro con Ludwika Paleta y en cine con Nicole Kidman—. Buenas personas es una bocanada de realidad que comienza con Margarita, quien acaba de ser despedida de su trabajo en Waldos, justo cuando está por ser desalojada de su departamento en la colonia Nezahualcoyotl. Luego de dirigir El zoológico de cristal, por mencionar algo, ha quedado demostrado que Diego del Río es el indicado para sumergirse en lo más recóndito de estos personajes y sacarlos a la luz del escenario con todos sus claroscuros. Para ello, cuenta con la producción de Daniel Delgado, con quien hizo mancuerna en RENT.  La obra que fue estrenada en Nueva York en 2011, con el protagonico de Frances McDormand (se llevó a casa varios premios por su interpretación) reúne a un elenco poderoso y atractivo: Arcelia Ramírez y Odiseo Bichir confrontarán sus ideas y sentimientos a la manera de un inesperado choque de trenes del cual serán testigos y partícipes Monserrat Marañón —en un registro muy distinto al que suele vérsele— y Concepción Márquez, presencia infalible. Los jóvenes Cuauhtli Jiménez y Fabrina Melón complementan el reparto y escalan en sus trayectorias. Todos ellos coinciden al apu