Exposiciones que puedes ver en la CDMX

Cuando la artista pidió al perfumero que su pieza tuviera un aroma que nos remitiera al pricor o los paisajes que nos remiten a la región latina, sabía perfecto qué estaba haciendo con su instalación que asemeja ser un ente vivo dentro de la sala 9 del MUAC. La práctica artística de la colombiana Delcy Morelos nos invita a saborear la tierra y regresar al génesis de nuestra existencia: la madre. Al final, todas y todos, venimos de ellas, y qué mejor que una pieza circular que toma los rincones y llega al techo para mostrarnos que la vida se abre camino. Pese a todo y en donde se encuentre, la sabiduría de la naturaleza es poderosa. En el Espacio Vientre, el paisaje se toma como inspiración de elementos locales y conocidos por todos en la capital, por el residente volcán Xitle al sur de la Ciudad de México, la pirámide de Cuicuilco y el Espacio Escultórico, símbolos dentro de la ciudad universitaria. Adquieren un nuevo sentido desde la sensibilidad de Morelos para reflejar la divinidad de lo femenino en la tierra.  Aunque el recorrido es personal, te recomendamos tomar una visita guiada para entender cómo fue concebida la pieza. Contempla y disfruta como pocas veces la conexión.     

Hay espacios culturales que invitan al silencio, pero otros apuestan por la cercanía, la memoria y el juego. En la Ciudad de México podemos encontrar una exposición dinámica que reúne miles de piezas de su acervo. En su aniversario número quince, El Museo del Objeto del Objeto (MODO) decide celebrar a lo grande, con La colección, con todas sus letras, una propuesta que abraza la diversidad y el asombro. Un archivo que crece con la imagen  Lo que comenzó como una colección de decenas de miles de objetos hoy se ha transformado en un acervo monumental. El MODO abrió sus puertas en 2010 en la colonia Roma, impulsado por el coleccionista Bruno Newman, quien durante décadas reunió miles de objetos de la vida cotidiana.  Su intención no era solo exhibir piezas curiosas, sino contar la historia cultural del país a través del diseño, la publicidad y los productos que han acompañado a distintas generaciones. Desde su origen, el museo se planteó como un espacio dinámico, enfocado en exposiciones temporales que reinterpretan su acervo desde distintas perspectivas. Con el paso de los años, el museo ha consolidado una de las colecciones más amplias de cultura material en México, creciendo de aproximadamente 30 mil piezas a más de 200 mil objetos. Su evolución ha estado marcada por un enfoque lúdico y accesible, alejándose de la museografía tradicional para conectar con públicos diversos.  Te puede interesar: Tributo a José José y Juan Gabriel en el Museo Yancuic ¿Qué podemos encontrar...

La exposición El jardín de Velasco llega a las salas temporales del Museo Kaluz (Av. Hidalgo 85, Centro Histórico) para ofrecer una experiencia centrada en los paisajes, estudios botánicos y registros fósiles qurbanas el célebre artista José María Velasco registró. El reconocido pintor paisajista del siglo XIX susó retratar la identidad mexicana en más de 300 óleos, enfocando su mirada principalmente en el Valle de México, la Sierra Madre y el Castillo de Chapultepec. La muestra rinde homenaje a su profundo estudio en el mencionado Valle de México, razón que inspira el nombre de la expo. Dado que la naturaleza fue el eje central de su obra, el recorrido se divide en ocho núcleos temáticos: Pintor y científico, Flora del Valle de México, Comunidades botánicas, De plantas a medicamentos, Arboleda, Flores del tiempo profundo, Paisajes vivos y Línea del tiempo. No te puedes perder: Así puedes visitar La Cuadra de Luis Barragán Al adentrarte en sus coloridos paisajes, encontrarás puntos para dibujar y conectar con tu nI'll interior. Además, podrás interactuar con La flora del Valle de México, un espacio que reúne litografías y una fascinante recolección de ejemplares del artista. Por su parte, el "Laboratorio expandido" te dará la bienvenida con un breve jardín, una sala donde proyectarán documentales y una área dedicada a talleres y activaciones. Sin duda, experiencias diseñadas para mantener vivo el legado de Velasco. Cabe mencionar que este proyecto del Museo Kaluz...

La Galería de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público presenta la exposición “Lloro cuando se quema el arroz. Autorretrato y autonarrativa en las colecciones de la SHCP”, una muestra integrada por 41 piezas centradas en la autoexploración visual. La exhibición reúne el talento de artistas fundamentales como Francisco Toledo, Carla Rippey, Antonio Ruiz “El Corcito”, Raúl Anguiano, Alejandra Villegas, Vlady, José Luis Cuevas, Nahúm B. Zenil, Germán Venegas, Darío Ortiz y Gabriel de la Mora, entre otros. El título de la exposición se inspira en el poema “Autorretrato” de Rosario Castellanos, cuyo célebre verso, "Lloro cuando se quema el arroz o cuando pierdo el último recibo del impuesto predial", da vida al concepto de la muestra. La grabación de este poema acompaña al público durante su recorrido (que también kmñestá disponible para su escucha en la plataforma Voz Viva de la UNAM). Conformada por una cuidadosa selección de las colecciones Pago en Especie y Acervo Patrimonial, la exhibición contó con el montaje de la Dirección General de la Conservaduría de Palacio Nacional y Patrimonio Cultural (DGCPNPC). Además, cuenta con una instalación interactiva de espejos que invita a los visitantes a tomarse una selfie, fomentando un ejercicio de reflexión sobre la propia identidad y la percepción personal. La exposición estará abierta hasta el 28 de junio de 2026. Tanto el acceso como las visitas guiadas son totalmente gratuitos en la Galería de Arte de la SHCP, ubicada...

El Museo Franz Mayer reúne el talento de creadores latinos que han marcado la industria global con la exposición ¡Moda hoy! Diseño Latinoamericanx y latinx contemporáneo. Del 11 de diciembre al 12 de abril de 2026, la muestra exhibe 70 piezas de 47 diseñadores latinoamericanos o de herencia latina. ¡Moda hoy! busca abordar temas como la política, el patrimonio indígena, el género, la cultura regional y urbana, la sostenibilidad, la artesanía, la elegancia y el arte. En el recorrido destacan piezas de figuras icónicas como Carolina Herrera, Óscar de la Renta e Isabel Toledo; colaboraciones únicas como Carla Fernández x adidas; y propuestas innovadoras de Esteban Cortázar, Francisco Costa, Rick Owens y Rodarte. También puedes leer: Por qué Medellín es el nuevo spot mundial de los festivales La curaduría, a cargo de Tanya Meléndez-Escalante y Melissa Marra-Alvarez con contribuciones de Abraham Villavicencio, es una iniciativa del Museum at FIT (Fashion Institute of Technology, Nueva York). Este proyecto brinda a los estudiantes la oportunidad de colaborar internacionalmente en creaciones inspiradas en sus exposiciones. Provenientes de diversas colecciones y organizadas en nueve núcleos temáticos, estas obras exploran la moda como una herramienta de expresión, resistencia y afirmación cultural. Para esta edicion mexicana, doce estudiantes de sexto y séptimo semestre de la licenciatura en Diseño de Moda y Textiles Sostenibles desarrollaron piezas originales que se suman a la...

El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), presenta la exposición Los grupos y otras revueltas artísticas. Redes y colectividades en México, 1976-1985, como una nueva narrativa de la actividad de los colectivos de artistas que operaron durante los años setenta y el comienzo de la década de los ochenta en México. La selección de obras y materiales, analiza la conformación de las agrupaciones y su vasta producción a partir de algunos de los eventos que marcaron sus genealogías, además busca presentar las relaciones recíprocas de los grupos y su participación en exposiciones, salones, manifestaciones políticas, iniciativas autogestionadas y programas de actividades. Por ello, la importancia de Los grupos y otras revueltas artísticas es que propone una lectura al fenómeno de los grupos que surgió a mediados de los años setenta como respuesta a un clima de represión estatal y transformación radical en los lenguajes artísticos. Las propuestas se presentan en cinco núcleos temáticos: América Latina en disputa; Frentes y movimientos; Irreverencias y subversiones; La institucionalización de los grupos, y Colectividades en deriva para dar cuenta de la intensidad de la actividad de estas agrupaciones. Por mencionar, el proyecto analiza la X Bienal de Jóvenes Artistas de París de 1977; las exposiciones e iniciativas colectivas organizadas por el Frente Mexicano de Grupos Trabajadores de la Cultura; las iniciativas autogestionadas de los grupos en el ámbito urbano y los museos;...

El Museo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis celebra la trayectoria del artista tapatío Enrique Guzmán con la exposición "El Virtuosismo Técnico de Enrique Guzmán (1952-1986)". La relevancia de su propuesta estética dentro del panorama artístico busca ser mostrada por medio de 14 dibujos hechos a lápiz sobre papel, denominados autorretratos y dos en tinta, así como dos óleos de la autoría del artista. Guzmán, quien fue precursor del movimiento neomexicanista, destacó de inmediato de entre los artistas de su generación por su novedosa propuesta estética. Asimismo, su obra también destaca por su habilidad al retratar lo irracional y el absurdo de las inquietudes de los jóvenes de su generación. Te puede interesar: Open House CDMX 2026 Fue también el artista, reconocido por su postura antioficialista, quien manifestó a través de la descontextualización de los símbolos nacionales con un afán por resignificarlos.  Cabe mencionar que con esta muestra el Museo del Estanquillo da comienzo a las celebraciones por su vigésimo aniversario, esto con el objetivo de continuar con una serie de exposiciones y actividades que culminarán en noviembre. Mes importante porque fue inaugurado el museo en el año 2006. Esta muestra del Estanquillo revalora la identidad nacional mediante la apropiación de elementos tradicionales e históricos nacionales. La virtud técnica del artista se ve reflejada en la precision anatómica de cada dibujo y la construccion del volumen. "El Virtuosismo...

El arte no siempre busca ser "bonito", en algunas ocasiones nace como una urgencia absoluta para sobrevivir. Esto lo podrás experimetar en El desamor del amor / Unloving Love, la exposición individual de la artista británica Penny Goring que acaba de llegar en el Colegio de San Ildefonso. Durante más de 30 años, Goring mantuvo su obra alejada del circuito de museos, como un refugio personal para procesar el trauma, la misoginia, precariedad y el duelo. Ahora, esta muestra llega a México y nos abre la puerta a un diario íntimo. A través de 107 piezas que van desde pinturas y collages, hasta poemas, videos y unas "muñecas de consuelo" textiles, es en resumen una exposición no se guarda nada. Uno de los puntos más conmovedores es la serie Amelia, dedicada a su ex amante fallecida, espacio donde el dolor se transforma en una mitología de ternura y crueldad. Por eso El desamor del amor / Unloving Love una exposición visceral que no te debes perder, curada por Laura Smith, que te hará cuestionar la línea entre amar y no amar, la violencia cotidiana y cómo el arte nos salva la vida. Tienes hasta el 7 de junio de 2026 para visitarla.

Si creías que las piezas prehispánicas del Museo Diego Rivera Anahuacalli eran sólo figuras estáticas tras una vitrina, prepárate para cuestionarlo todo. En el marco de la Semana del Arte 2026, llega “La rebelión de los objetos”, una intervención de los artistas Beatriz Cortez (El Salvador) y Rafa Esparza (EE. UU.) que promete devolverle el alma y la voluntad a la piedra. Más que una simple exhibición, este dúo show es un manifiesto. Cortez y Esparza —quienes ya han hecho ruido juntos en la escena neoyorquina— aterrizan en el Pedregal para liberar la colección personal de Diego Rivera de su rigidez museográfica. ¿El objetivo? Reimaginar estas piezas no como "antigüedades", sino como entes con memoria, espiritualidad y el poder de formar comunidad en pleno siglo XXI. La muestra no solo ocupa las salas; se funde con la arquitectura de piedra volcánica del Anahuacalli. Las obras dialogan con el entorno, recordándonos que el pasado no está muerto, sino en constante transformación. Es una cita obligada para quienes buscan entender el arte desde el territorio, el desplazamiento y, por supuesto, la magia de lo ancestral reclamando su lugar en el futuro. Además, el recinto es una obra que habla por sí misma de la mexicanidad, el objetivo de su mecenas y diseñador.   

El papel de la mujer mexicana en la historia del arte ha sido históricamente relegado, censurado o marginado. Ahora imagina el de las mujeres originarias y su labor artística en nuestro país desde los albores de la llamada Mesoamérica. Con esa consigna en mente, la nueva muestra "Nuestra raíz, nuestro corazón. Mujeres indígenas: memoria y presencia" organizada por la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, invita a darle una mirada más allá de los estereotipos a las muestras creativas, representativas y creativas de creadoras indígenas. A reivindicar y respetar la historia.  Las piezas de la muestra viven en el contexto de la celebración del Año de la Mujer Indígena en México. Podrás ver desde tejidos y bordados inspirados en motivos de la historia hasta un recuento en fotografías de las valientes que se pusieron al frente en el movimiento zapatista. Las cerca de 114 piezas cuentan una historia donde el eje es la creatividad y la memoria.  Lee también: eventos imperdibles de febrero 2026 en CDMX  Sus seis núcleos temáticos desarrollan la narrativa de manera cronológica e incluyen piezas de préstamo provenientes de otras instancias culturales como el Museo Nacional de Antropología del INAH o el Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas. El orden narra el origen de la creación artística femenina en el país, la mirada de la mujer hacia la antropología, la historia de las creadoras nacionales y la resistencia o defensa del territorio mexicano.  Aunado a ello, una serie de...