Qué hacer hoy en la CDMX

A partir de la década de los 60, el diseño en México ha tenido un auge e impacto de suma importancia para la vida del país. Ya sea a través de los textiles, los interiores, o el diseño industrial, el diseño mexicano ha permitido el surgimiento de importantes personalidades con proyección en el interior y fuera de nuestro país. Pero, ¿cómo surgen esos nombres? ¿De dónde surgen? ¿Y cuáles son las nuevas tendencias en el diseño mexicano? Son preguntas que el Museo del Objeto del Objeto (MODO) nos plantea y pretende responder con Mexicalidad, diseño y nuevas generaciones, una exposición que revisa la evolución del diseño en México, y muestra proyectos innovadores y de impacto.  Bajo el liderazgo de Graciela Kasep, el equipo curatorial de Mexicalidad estuvo conformado por Cynthia Gómez y Omar Cruz, quienes se encargaron de la selección de los proyectos expuestos. Kasep afirma que la exposición intenta mostrar los vínculos de las prácticas contemporáneas y tradicionales del diseño mexicano, por lo que recupera elementos del diseño del siglo XIX y XX como antecedentes, antes de entrar de lleno a las protagonistas.  Debido a la amplitud del espectro que el MODO utilizó como referencia para esta exposición, encuentras de todo: desde diseños de ropa que has visto una y otra vez en redes sociales hasta los mosaicos por los que pasas día a día. Se muestran diseños innovadores en prótesis, elementos de uso cotidiano dentro de los hogares, nuevas propuestas sobre cómo leer al país, diseñ

El 13 de septiembre de 1973 era el día esperado. Tras varios años de visitas de Estado, la apertura de la ambiciosa exhibición llamada Orozco, Rivera y Siqueiros. Pintura Mexicana marcaba el inicio de, lo que se perfilaba, una fructífera relación entre México y Chile, la cual aprovecharía los intercambios culturales para estrechar los vínculos. La muestra sería acogida por el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago e incluía 169 pinturas, dibujos y grabados de los pintores mexicanos.  Un año antes, el Instituto Nacional de Bellas Artes de México adquirió las 1,417 piezas de la colección personal del Dr. Álvar Carrillo Gil, que estaba conformada por obras de los más importantes pintores mexicanos del siglo XX, destacando las piezas de José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siquieros. Los intercambios entre los Jefes de Estado de Chile y México, consolidados con la éxitosa visita de Salvador Allende a nuestro país, permitieron que las cancillerías organizaran jornadas culturales en Chile, dentro de las cuales, la muestra de los mexicanos se presentaría acompañada de una exhibición de artesanías y una de libros mexicanos. Pero la muestra no se abrió. Dos días antes, el 11 de septiembre de 1973, Augusto Pinochet lideró un golpe de Estado que concluyó con la muerte de Allende y la desarticulación de su gobierno, la instauración de una dictadura militar y la salida de cientos de exiliados, tanto chilenos como de otros países del cono sur. La historia no terminó ah

Después de su remodelación en 2017, el Museo de la Ciudad de México presenta la exposición permanente Miradas a la ciudad: Espacio de reflexión urbana; un recorrido por la Ciudad de México desde diferentes áreas de conocimiento. Las salas dan elementos para repensar las interacciones entre el ciudadano y la urbe, remarcando el hecho de que la ciudad debe encargarse de brindar servicios y respetar los derechos de cada individuo.       De la mano de la tecnología, como realidad virtual, audiovisuales y luces neón, conocerás las siete perspectivas que propone la muestra. Al principio se habla sobre las urbes en general y poco a poco se enfoca hacia la CDMX. La muestra continua con una mirada histórica a partir de Tenochtitlán y la Cuenca del Anáhuac, lo que da pie a que la siguiente sala aborde el problema del agua y su sustentabilidad. Después se plantea la mala construcción de la CDMX desde lo arquitectónico y el urbanismo. Luego se analiza a la ciudad desde lo antropológico, retomando su amplia cultura y religiosidad. Por último, se habla sobre los movimientos políticos y se reconoce la diversidad étnica que existe en la metrópoli. Aquí se reúne a la ciudad en un pequeño espacio. También te toparás con el clásico triciclo en el que se transportan tamales, elotes o helados; los tradicionales puestos para bolear zapatos; un ring y una máscara platinados; entre otros objetos que conforman la identidad de la CDMX.   Aprovecha la visita al museo y visita Chivo expiatorio: Sida+

Desde septiembre del año pasado, La Galería de la Cineteca Nacional ha recibido a más de 37, 492 asistentes en la exposición del cineasta Alfred Hitchcock. Dicha muestra que terminaría este 13 de enero, extendió sus fechas hasta el 3 de marzo, siete semanas más. Si aún no te convences de asistir, los martes 15, 22 y 29 de enero, y 5, 12, 19 y 26 de febrero, la entrada será gratis.  ¿De qué va? Considerado una de las figuras más influyentes del siglo XX, Alfred Hitchcock rebasó la definición de director para erigirse como un artista de peso. Sus aportes a la cinematografía, así como personalidad magnética, le aseguraron una posición envidiable en la cultura pop. Cuando alguien lo nombra en alguna conversación, está hablando de algo más grande, está evocando un universo en el imaginario colectivo. A través de la muestra Hitchcock, más allá del suspenso, dividida en 5 núcleos, La Cineteca Nacional y Fundación Telefónica México desentrañan ese imaginario desde una perspectiva amplia: su vida y obra, relación con actores, actrices, guionistas y estudios, así como su maquinaria de mercadotecnia personal. De esta forma, el público mexicano puede acercarse con ojos frescos e interpretar libremente la producción del controvertido creador. La exposición, curada por Pablo Llorca —profesor de Historia del cine y de Historia de la fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca—, se compone de 219 piezas que incluyen fotografías originales, libros, videos, car

El Museo de Arte Moderno y Remedios Varo van de la mano. Un año después de la muerte de la pintora española en 1964, el museo organizó una exposición-homenaje que rompió récords de asistencia de la época y abrió la carpeta de la relación con el recinto, por ser la primera exposición individual que se realizó en una institución pública. Después, en 2002, la colección del museo se enriqueció con la donación de 38 piezas de Varo. Y este 2018, el MAM vuelve a celebrar una reciente donación del archivo personal de la artista (que estuvo resguardado en la casa de la pareja Gruen Varsoviano) con la muestra Adictos a Remedios Varo. Nuevo Legado 2018, que ofrece una visión más íntima y cálida de la pintora española. A través de esta exposición es posible acercarse a la vida personal de la artista española nacida en 1908 de una madre sumamente religiosa y un padre de ciencia, quien le enseñó matemáticas y dibujo profesional. También es una ventana a los círculos artísticos que frecuentó durante su vida como su exilio en París, donde se relaciona con Benjamin Péret, Joan Miró y Wolfgang Paalen y su posterior llegada a México, donde frecuentó a importantes artistas de la época como Ghünter Gerzso, Octavio Paz, Leonora Carrington y Gerardo Lizárraga. Walter Gruen la recuerda como una artista sumamente curiosa hacia la vida, cuyo misticismo se trasladó a su obra; por ello, el observar nuevos rasgos de la artista, como su colección de objetos simbólicos o sus intercambios epistolares, dot

En Saturnino Herrán y otros modernistas verás 83 obras del periodo denominado "modernismo mexicano" que compila algunos artistas consagrados como David Alfaro Siqueiros o Diego Rivera, y a los no tan conocidos como Ángel Zárraga o Rosario Cabrera. Un total de 16 artistas orbitan, gracias a la curaduría de Víctor Rodríguez y Samantha Pérez, alrededor de la obra del artista hidrocálido Saturnino Herrán, pionero del estilo temático de la muestra. La exposición recorre los principios e influencias que marcaron la educación plástica de Saturnino Herrán y a sus compañeros de la Escuela Nacional de las Bellas Artes, así como el comienzo de su interés por la pintura realista y modernista, constatado en obras como Labor (1908) o en la famosa Vendedoras de ollas (1909).  Contrastarás el discurso indigenista idealizado de los muralistas con la propuesta realista de Herrán, quien en obras como La ofrenda (1913) o Anciana con esfera de cristal (1914) te confronta con un rostro más melancólico y crudo de la modernidad mexicana; un rostro mestizo que busca retribución en los rostros olvidados y cansados de las pinturas de Herrán. Te adelanto que no todo es gris en esta muestra, también explorararás las riquezas arquitectónicas de nuestro país, en un paralelismo inspirados por el realismo y anturalismo de la exposición del pabellón español de 1910, y finalmente te deleitarás con la pasión que desbordan piezas como Guerrero (1917), que demuestran que Herrán no sólo reconocía el dolor del m

Las fotografías son pequeños momentos, extractos del tiempo que por lo general no nos detenemos a mirar más de dos veces. Gonzalo Lebrija mediante la fotografía y el video vio estos instantes y los detuvo. Conoce sus piezas en Vía Láctea, albergada en el Museo Tamayo. El artista mexicano ha presentado sus obras en espacios como el  Centro de las Artes de Monterrey, la Bienal de Estambul, el Museo de Arte Moderno de París, entre otros.   En la exposición Vía Láctea, Lebrija muestra parte del trabajo que realizó en La Habana. Las obras giran en torno al tabaco y la acción de fumar, vemos retratados de fumadores profesionales, quienes consumían productos de la producción más selecta de Vegas Robaina al momento de ser fotografiados. Las piezas dan cuenta de los rituales al fumar en Cuba y de los mitos que envuelven a esta acción. Al artista le interesan dos cosas; el tiempo como instante efímero, puente y detonador de experiencias y el espacio geográfico como vector determinante. En este sentido, el video y la fotografía nos muestran no solo a fumadores, sino a toda una cultura permeada por el tabaco.  Recomendado: exposiciones de fotografía.

Realidad programada: La vida y el arte en la televisión es un trabajo en conjunto entre el Museo Jumex y Fundación Televisa, que a través del arte contemporáneo aborda la historia y el papel que representa la televisión en la vida diaria de los espectadores. Recuperando las prácticas de artistas de América, Europa, Asia y África que utilizan a la televisión como punto de partida para su obra, esta muestra recupera el rol que este medio masivo de comunicación juega en la difusión de información, el desarrollo de la cultura visual y la creación de identidades y aspiraciones sociales. De acuerdo con los planteamientos de la exposición curada por Kit Hammonds y Adriana Kuri Alamillo, la televisión tiene una cosmovisión propia que es simultáneamente globalizada y localizada a partir de las condiciones de trasmisión y recepción; de esto se deriva la manera en que crea experiencias, modela comportamientos y refleja realidades que pueden ser distorsionadas. A través de instalaciones, fotografías, esculturas, y video, esta muestra refleja los roles que se han creado en diversos lugares a partir del impacto social de la televisión, ya sea a través de obras creadas explícitamente para televisión como aquellas que reflejan la experiencia cotidiana en torno a la pantalla. Participan artistas como Candice Breitz, Miguel Calderón, Phil Collins, Lynn Hershman Leeson, Christian Jankowski, Bruce Nauman, Yoshua Okón, Nam June Paik, Laure Prouvost, Abigail Reyes, James Turrell y Bruce Yonemoto

A mediados de la década de los sesenta Kodak lanzó al mercado el formato super-8, una versión mejorada de la película de 8 milímetros. Su sencilla manipulación, el bajo costo y la incorporación de una banda sonora magnética, creó toda una revolución que detonó en una ola de nuevos cineastas amateur que realizaron todo tipo de filmes experimentales. Curada por Regina Tattersfield, el Museo Universitario del Chopo presenta Las superocheras, muestra que gira en torno a las producciones fílmicas realizadas por mujeres que utilizaron dicho formato en Latinoamérica de 1968 a 2015. Son 38 filmes en formato super-8 que reúnen experiencias de mujeres que emplearon este medio para generar un diálogo entre relatos íntimos y colectivos.               En el marco del 50 aniversario del movimiento estudiantil de 1968, esta muestra hace una revisión de lo femenino, los feminismos, la denuncia, la emancipación y la transgresión del género, así como de las formas radicales de habitar el cuerpo y relatar una historia. Lo anterior expresado a través de performance, animación, poesía y relato histórico. Participan 20 artistas, entre ellas Ana Mendieta, artista cubana exiliada en Estados Unidos pionera del performance; la mexicana Maris Bustamante, fundadora del colectivo de arte contemporáneo No-grupo; Leticia El Halli Obeid, quien recupera la historia de Argentina trayéndola a una realidad poco espectacular; y la originaria de Chile Rosario Cobo. Las superocheras te enseñará cómo esta innov

Esta exposición colectiva reúne alrededor de 400 piezas entre escultura, pintura, grabado, fotografía, objetos, propaganda, hemerografía y documentación que reconstruyen la historia y la producción artística innovadora de finales de los cincuenta hasta la mitad de los setenta en la Ciudad de México, durante el llamado Desarrollo estabilizador mexicano. Tomando la modernidad como concepto complejo y polivalente, Operación peine y tijera aborda el impacto de la propaganda promotora del consumo y la reconfiguración de valores capaces de cuestionar las normas, que se manifestó durante el movimiento estudiantil de 1968. Para generar un panorama amplio de las diversas percepciones de modernidad en la sociedad mexicana, se reúne el trabajo de expresiones creadas en diversas esperas culturales y sociales. Dicho concepto de modernidad se vio reflejado desde el Estado con la creación de nuevas vialidades, construcciones y otros servicios que causaron revuelo por la situación política de la época. También en la publicidad, los movimientos sociales, el arte, la literatura y la vida cotidiana. Por otro lado, se aprecia el Festival Rock y Ruedas de Avándaro y la representación del musical Hair, este último en Acapulco. Fueron legendarios escándalos mediáticos que exhibieron la fuerza y heterogeneidad de los grupos juveniles que pusieron en tensión los límites de tolerancia gubernamental y de la opinión pública conservadora. Verás las fotografías de Nacho López, Rodrigo Moya, Enrique Bo

La obra fotográfica de Valery Katsuba apela a la estética del cuerpo humano en el modelaje artistíco, retomando tanto a las academias de pintura como a las culturas grecorromanas y prehispánicas. El artista originario de Bielorusia ha expuesto en España, Rusia y ahora llega a la CDMX para mostrarnos la belleza del cuerpo humano y de la mexicanidad.  La exposición Valery Katsuba, fotógrafo. Modelos clásicos y contemporáneos surge a partir de 28 fotografías tomadas por el artista en el Museo Nacional de San Carlos, en ellas se crea un diálogo entre modelos que posan frente a estudiantes y las esculturas de arte neoclásico del museo. Además de las imagenes exprofeso para la muestra, esta también contiene fotografías de la Academia de San Fernando, en España y la de San Petersburgo, en Rusia.  Durante el recorrido observarás composiciones con modelos masculinos y femeninos posando frente a estudiantes que pintan o moldean esculturas, además de bailarines y atletas junto a las réplicas de esculturas clásicas como la Victoria de Samotracias. De igual manera la arquitectura del recinto diseñado por Manuel Tolsá se fusiona con fotografías que traen a los jugadores de pelota a nuestro presente.  Recomendado: Exposiciones de fotografía en la CMDX. 

Zaha Hadid Architects es el nombre que recibe el estudio fundado en 1979 por Zaha Hadid, la primera mujer en recibir el premio Pritzker en 2014, algo así como el Nobel de la arquitectura. Por primera vez, se presenta una exposición en Latinoamérica sobre la obra de Zaha Hadid Architects y Zaha Hadid Design. La complejidad de sus diseños, así como el proceso creativo llevado a cabo por los arquitectos del estudio se ven reflejados en las maquetas, modelos, pinturas, fotografías y piezas de realidad virtual de la muestra curada por Woody Yao, director de diseño de Zaha Hadid. Notarás una de las características principales del estudio es dar énfasis en la innovación de formas, materiales y estructuras, más allá de su función práctica. Resaltan algunas de las primeras pinturas realizadas por Hadid como Malevich’s Tektonik, que se presenta no solo como referente del diseño arquitectónico sino como ente autónomo. A la par se presenta la instalación KnitCandela realizada exprofeso por Block Research Group, ETH Zurich(BRG) en colaboración con Zaha Hadid Architects Computation and Design Group (ZHCODE) y Architecture Extrapolated (R-Ex). Esta es una pieza que celebra la relación de México con el arquitecto español Felix Candela, las tradiciones de construcción y la habilidad de los pueblos mexicanos.

Plantear la lectura de una colección, la que sea, siempre es un reto pragmático y conceptual. Si es de arte contemporáneo –categoría que resulta esquiva para muchos–, el reto se eleva exponencialmente. ¿Cómo proponer entonces un recorrido por la colección Jumex, una de las más diversas en Latinoamérica? Con una dirección definida que atraviesa coyunturas. En Podría ser (una fl echa), Catalina Lozano, curadora asociada, y María Emilia Fernández, asistente curatorial, proponen una revisión sobre lo femenino y sus asociaciones en el arte contemporáneo a través de obras que cuestionan este concepto y sus ramificaciones. A lo largo de seis núcleos temáticos, la muestra establece relaciones entre las piezas de artistas tan diferentes como Tacita Dean, Rineke Dijkstra, Silvia Gruner o Candida Höfer con un sentido transitorio: interpela al espectador para que explore sus valores simbólicos y cómo están condicionados (o no) por quien crea y distribuye las imágenes. La exposición toma como punto de partida la noción del “inconsciente óptico”, término acuñado por el fi lósofo Walter Benjamin para describir la capacidad ampliada de percepción que introdujo la fotografía y el cine en nuestro universo visual. En otras palabras, gracias a dicho cambio radical en el uso de la tecnología para producir imágenes, logramos ver con mayor detalle lo que antes eran solo fantasmas y, de paso, modifi camos nuestra noción de la realidad. Este fenómeno, en relación con las obras expuestas, presenta n

Como parte de la celebración del 50 aniversario, el Museo Nacional de San Carlos presenta la exposición Roma en México/México en Roma: las academias de arte entre Europa y el Nuevo Mundo (1843-1867). Se trata de una muestra conformada por 93 piezas, resultado del diálogo bilateral entre la Academia de San Luca y la Academia de San Carlos, durante el siglo XIX. A lo largo de ocho núcleos conocerás las características de la época en estas dos naciones, los rasgos del arte que proliferaron en sus academias, sus paisajes, pinturas de carácter religioso y retratos. Así como imágenes de la historia y la riqueza de los relatos tomados de la literatura griega y latina. La muestra resalta el trabajo de artistas mexicanos como Tomás Pérez, Primitivo Miranda, Tiburcio Sánchez y Epitacio Calvo, además del ya consagrado Juan Cordero, quienes plasmaron escenarios del día a día, esculturas y paisajes que marcaron escuela en la Academia de San Carlos. Por parte de la escuela italiana se encuentra el trabajo de Francesco Coghetti, Francesco Podesti y Giovanni Silvagni, quienes enviaron a la academia mexicana imponentes cuadros que ilustraron en las aulas mexicanas la manera en que se enseñaba a pintar en la academia romana. Una de las parte que más destaca durante el recorrido es el trabajo de Eugenio Landesio, quien tuvo una importante influencia sobre el paisajismo de José María Velazco. Esta exposición te mostrará la similitud que tuvieron estas importantes ciudades durante el siglo XIX

"Empatía" es una palabra que me gusta mucho. Se refiere a la capacidad que las personas tenemos de identificarnos con algo o alguien y compartir su sentir al respecto. Al ser empáticos, podemos no sólo crear vínculos con el otro, sino que podemos observar que, a pesar de las diferencias, siempre hay algo que te une con los demás. Por ello, el Museo Memoria y Toleracia presenta la exposición Así soy. Personas con discapacidad, un ejercicio de reconocimiento y visibilización de las barreras que enfrentan las personas con discapacidad, así como la discriminación de la que son víctimas y los prejuicios y estigmas que los ponen en situaciones de desventaja.  La muestra no sólo está dedicada a las personas con discapacidad, también es un ejemplo de cómo los espacios se construyen para ser inclusivos para todos los miembros de la sociedad: Así soy incluye cedularios en braille, en lectura fácil, polotado con discapacidad intelecutal, audios y lenguaje de señas; pues está diseñada con el propósito de ser accesible a todo tipo de persona.  A lo largo de siete salas, el museo promueve una cultura de respeto, comprensión y empatía, al aclarar qué es la discapacidad y cuáles son sus distintos tipos, así como mostrar mitos y falsas creencias en torno a la discapacidad y las barreras —educativas, laborales, sociales, políticas— que enfrentan las personas con dicha condición. También deja ver la falta de accesisibilidad y políticas públicas dirigidas a fomentar la inclusión.  La empatía